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Appunti delle lezioni, cheat sheet
Storia del mondo e cultura domestica. Appunti delle lezioni: in breve, il più importante
Elenco / Appunti delle lezioni, cheat sheet Sommario
Introduzione alla storia culturale Prima di parlare di storia della cultura, è necessario svelare il contenuto del concetto principale dell'argomento. Ad oggi esistono almeno 1 definizioni del concetto di "cultura". La parola "cultura", inoltre, ha diversi significati nella lingua russa. Forse la più semplice e insieme esaustiva è la seguente definizione (definizione): "Cultura" è tutto ciò che è creato dall'uomo, perché gli animali non hanno cultura. La cultura è il prodotto di un'attività esclusivamente umana". Con il termine "cultura" intendiamo non solo tutti i valori materiali, ma anche spirituali creati da una persona in un determinato periodo della sua esistenza e in un determinato territorio, nonché lo spirito di un'epoca, di una nazione (che cosa è solitamente indicato con la parola mentalità). Questo ci darà il diritto di classificare la cultura mondiale secondo i seguenti principi: 1. Secondo le caratteristiche temporali (cultura antica, medievale, moderna, ecc.) 2. Su base territoriale (cultura araba, cinese, ecc.). Lo scopo di questo manuale è quello di far conoscere al lettore la storia della cultura mondiale, alcuni termini che ogni persona istruita dovrebbe conoscere, nonché di dare un'idea delle specificità e dei modelli di sviluppo delle culture mondiali, di evidenziare i valori che dominano in una particolare cultura, il loro significato e significato. Sfortunatamente, non saremo in grado di considerare completamente la cultura mondiale nell'ambito di questo manuale. Le sue pagine più interessanti, come la cultura degli indiani d'America, la cultura africana, ecc. conoscenza. CONFERENZA N. 1. Cultura dell'antica Russia 1. Cultura del periodo pagano La storia dell'antico stato russo iniziò molto prima dell'adozione del cristianesimo. La cultura cristiana della Russia era basata sullo strato di cultura pagana. Le prime informazioni sull'antica cultura russa sono contenute nel Racconto degli anni passati, la prima significativa cronaca tutta russa. Lì è registrato che il principe Vladimir il Santo voleva creare un pantheon pagano tutto russo degli dei. Il dio principale dei russi è Perun il Tonante. Si credeva che vivesse in luoghi elevati, fosse raffigurato come un cavaliere e avesse attributi: tuoni e fulmini, un'ascia. Anche il "dio del bestiame" Beles occupava una posizione importante (il bestiame a quei tempi era identificato con il denaro). Il tempo era controllato da Stribog (dio del vento) e Dazhdbog (dio del sole). Di notevole importanza era la divinità femminile - Mokosh la filatrice - la dea del destino (filo - destino). Il dio più allegro e selvaggio è il dio della fertilità Yarilo. L'epopea prese gradualmente forma. Le sue storie furono conservate principalmente in poemi epici registrati molti secoli dopo ("Mikhailo Potok", "Danubio", "Volga e Mikula", sugli eroi Dobrynya Nikitich e Ilya Muromets). La caratteristica più importante della cultura è senza dubbio l'arte del costruire, cioè l'architettura. Non c'è da stupirsi che affermino che l'architettura è l'anima delle persone, incarnata nella pietra. La Russia per molti anni è stata un paese di legno e la sua architettura, cappelle pagane, fortezze, torri, capanne erano costruite in legno. Nell'albero, i russi, come i popoli che vivono accanto agli slavi orientali, esprimevano innanzitutto la loro percezione della bellezza dell'architettura, il senso delle proporzioni, la fusione delle strutture architettoniche con la natura circostante. Se l'architettura in legno risale principalmente alla Russia pagana, l'architettura in pietra è associata alla Russia cristiana. L'Europa occidentale non conosceva una tale transizione, poiché fin dall'antichità ha costruito sia templi che abitazioni in pietra. Purtroppo le antiche costruzioni in legno non sono sopravvissute fino ad oggi, ma lo stile architettonico del popolo è giunto fino a noi in strutture lignee successive, in antiche descrizioni e disegni. L'architettura russa in legno era caratterizzata da edifici a più livelli, coronati da torrette e torri, dalla presenza di vari tipi di annessi: gabbie, passaggi, tettoie. L'intricata scultura in legno era una decorazione tradizionale degli edifici in legno russi. La Russia pagana conosceva la pittura, la scultura, la musica, ma in un'espressione esclusivamente pagana e popolare. Antichi intagliatori del legno, tagliapietre creavano sculture in legno e pietra di divinità e spiriti pagani. I pittori dipingevano le pareti dei templi pagani, realizzavano schizzi di maschere magiche, che venivano poi realizzate da artigiani; musicisti, suonando strumenti a corda e a fiato, intrattenevano i capi tribù e intrattenevano la gente comune. 2. Vita della Russia La cultura delle persone è indissolubilmente legata al loro modo di vivere, alla quotidianità, così come il modo di vivere delle persone, determinato dal livello di sviluppo dell'economia del Paese, è strettamente connesso ai processi culturali. Tutte le testimonianze dei contemporanei indicano che Kiev era una città grande e ricca. Non c'è da stupirsi che la figlia di Yaroslav il Saggio, Anna Yaroslavna, che sposò il re francese nell'XI secolo, sia rimasta sorpresa dalla provincialità della capitale francese. A Kiev, le chiese dalle cupole dorate brillavano con le loro cupole, i palazzi di Vladimir, Yaroslav il Saggio, Vsevolod Yaroslavich stupivano di grazia; La Cattedrale di Sofia, il Golden Gate - un simbolo delle vittorie delle armi russe, sorpreso dalla monumentalità, dai meravigliosi affreschi. Le case erano decorate con tappeti e tessuti costosi. Dalle mura della fortezza della città si potevano vedere tra i cespugli verdi le chiese in pietra bianca delle Grotte e altri monasteri di Kyiv. Nei palazzi, nelle ricche dimore dei boiardi, la vita continuava. Vigilantes erano di stanza qui, innumerevoli servitori affollati. Da qui veniva l'amministrazione dei principati, qui giudicavano e vestivano, qui venivano portati tributi e tasse. Le feste si tenevano spesso nei corridoi, in ampie griglie, dove il vino d'oltremare e il loro miele nativo scorrevano come un fiume, i domestici portavano enormi piatti con carne e selvaggina. Le donne sedevano a tavola alla pari degli uomini. Gli arpisti deliziarono le orecchie degli ospiti illustri, cantarono per loro; grandi ciotole, corna con vino andavano in cerchio. I passatempi preferiti dei ricchi erano la falconeria e la caccia al falco. Per la gente comune si organizzavano gare, tornei, giochi vari. I bagni erano parte integrante dell'antica vita russa. Sotto, sulle rive del Dnepr, era rumorosa un'allegra asta di Kiev, dove si vendevano merci e prodotti non solo da tutta la Russia, ma anche da tutto il mondo di allora, comprese l'India e Baghdad. Centinaia di navi grandi e piccole si accalcano ai moli del Dnepr. C'erano anche enormi barche principesche a più remi ea più vele e barche vivaci e agili. Nelle lunghe sere d'inverno, alla luce delle torce, le donne filavano, gli uomini bevevano bevande inebrianti, miele, ricordavano i giorni passati, componevano e cantavano canzoni, ascoltavano cantastorie e narratori di poemi epici. CONFERENZA N. 2. Cultura cristiana della Russia 1. I risultati della cultura cristiana della Russia Al momento dell'adozione del cristianesimo, la Russia era già un paese con una cultura originale. L'artigianato e le tecniche di costruzione del legno raggiunsero un livello elevato. Non oltre la fine del IX - inizio del X secolo. Gli alfabeti slavi - cirillico e glagolitico - si stanno diffondendo in Russia. Creati nella seconda metà del IX secolo dai fratelli Cirillo (Konstantin) e Metodio e avendo una distribuzione iniziale nello stato slavo occidentale della Grande Moravia, penetrano presto in Bulgaria e Russia. Il primo monumento russo della scrittura slava è il trattato russo-bizantino del 911. L'apparizione in Russia dopo l'adozione del cristianesimo della letteratura in lingua slava, da un lato, e la complicazione della vita pubblica con lo sviluppo delle relazioni feudali, la formazione di una struttura statale, dall'altro, hanno contribuito alla diffusa diffusione di alfabetizzazione. Una chiara prova di ciò sono le lettere di corteccia di betulla - lettere su corteccia di betulla di vari contenuti (principalmente aziendali). Sono stati scoperti durante gli scavi già in nove antiche città russe (la maggior parte dei reperti proviene da Novgorod). Nei secoli XI - inizi XII. un gran numero di opere tradotte (principalmente dal greco) di contenuto sia religioso che secolare è distribuito in Russia. Questi ultimi comprendono, in particolare, opere storiche, tra le quali si può individuare la traduzione della Cronaca bizantina di Giorgio Amartolo. Allo stesso tempo, avviene la formazione della letteratura originale. La prima delle opere dell'antica letteratura russa giunta fino a noi è il "Sermon on Law and Grace" di Illarion. Fu scritto a metà dell'XI secolo. Il metropolita Hilarion, il primo (e l'unico nel periodo dall'adozione del cristianesimo alla metà del XII secolo), russo di origine, capo della Chiesa russa. (Dal 1051, nominato da Yaroslav il Saggio senza l'approvazione del Patriarca di Costantinopoli, e, poco dopo la morte di Yaroslav, costretto a lasciare questo incarico). L'idea principale del "Sermon on Law and Grace" è l'ingresso della Russia dopo l'adozione del cristianesimo nella famiglia dei popoli cristiani, in cui l'autore vede il merito del principe Vladimir e di suo figlio Yaroslav, che hanno continuato l'opera di diffondere la nuova fede. Allo stesso tempo, il passato precristiano della Russia agli occhi di Illarion non sembra "secoli bui", al contrario, sottolinea che Vladimir, suo padre Svyatoslav e nonno Igor "non governavano in una terra sottile e sconosciuta , ma in russo, che è conosciuto e sentito in tutti e quattro gli angoli della terra". Nella seconda metà dell'XI - l'inizio del XII secolo. in Russia sorsero numerose opere originali, tra le quali spicca un ciclo di leggende sui primi santi russi - i principi Boris e Gleb e la "Vita" dell'abate del monastero di Kiev-Pechersk Teodosio, scritta dal monaco di questo monastero Nestore. 2. Cronaca di genere Il posto più importante nella letteratura russa antica è occupato dal genere della cronaca. Alcuni ricercatori ritengono che il suo aspetto possa essere attribuito alla fine del X secolo, quando fu creato il primo codice annalistico. Il racconto degli anni passati dispiega un'ampia tela della storia russa, che è considerata parte della storia mondiale (storia biblica e romano-bizantina). L'autore ha utilizzato una serie di fonti bizantine tradotte, leggende orali (sulla fondazione di Kiev, sulla vocazione dei principi varangiani, sulla principessa Olga e su una serie di altre: opere appartenenti alla mano del principe Vladimir Monomakh - "Insegnare ai bambini" e un elenco di "percorsi" - campagne e viaggi che Monomakh ha commesso durante la sua vita). 3. Costruzione di chiese Da Bisanzio, la Russia adottò la costruzione delle sue chiese a immagine del tempio dei Greci con la cupola a croce: una piazza divisa da quattro pilastri ne costituisce la base; le celle rettangolari adiacenti allo spazio della cupola formano una croce architettonica. Le prime chiese russe, inclusa la Chiesa delle decime, alla fine del X secolo. furono costruite da maestri greci in stretta conformità con le tradizioni bizantine, ma la cattedrale di Santa Sofia a Kiev rifletteva una combinazione di tradizioni slave e bizantine: tredici allegre cupole del nuovo tempio furono poste sulla base della chiesa con cupola a croce. Questa piramide a gradoni della Cattedrale di Santa Sofia ha resuscitato lo stile dell'architettura in legno russa. La Cattedrale di Sofia, creata all'epoca dell'affermazione e dell'ascesa della Russia sotto Yaroslav il Saggio, ha mostrato che la costruzione è anche politica. Con questo tempio, la Russia ha sfidato Bisanzio, il suo santuario riconosciuto: la Cattedrale di Santa Sofia di Costantinopoli. 4. Chiesa art La Chiesa cristiana ha introdotto un contenuto completamente diverso nella pittura, nella scultura e nella musica. L'arte della chiesa è subordinata all'obiettivo più alto: cantare il Dio cristiano, le gesta degli apostoli, dei santi, dei capi della chiesa. È stato creato principalmente secondo i canoni della chiesa, dove tutto ciò che contraddiceva i più alti principi cristiani veniva troncato. Ascetismo e rigore nella pittura (pittura di icone, mosaici, affreschi), sublimità, "divinità" delle preghiere e degli inni della chiesa greca, il tempio stesso, che diventa un luogo di comunicazione orante delle persone - tutto questo era caratteristico dell'arte bizantina. Se questo o quel tema religioso, teologico, era stato una volta per sempre rigorosamente stabilito nel cristianesimo, allora la sua espressione nell'arte, secondo i bizantini, avrebbe dovuto portare questa idea una volta per sempre in modo stabilito; l'artista divenne obbediente esecutore testamentario dei canoni dettati dalla chiesa. CONFERENZA N. 3. La cultura russa dell'era della frammentazione 1. Caratteristiche generali della cultura dell'era della frammentazione 1. L'era della frammentazione copre i secoli XII-XV. Storia russa e inizio del XVI secolo. Per la cultura spirituale russa della metà dei secoli XII-XIII. caratteristica è l'emergere di centri culturali originali in diverse regioni della Russia. Il ruolo principale in questo processo è stato svolto da principati grandi e forti, come: 1) Galizia-Volyn; 2) Vladimir-Suzdal; 3) Velikij Novgorod. Entro la metà del XIV sec. Guadagnando forza nella lotta per il potere, un nuovo principato nell'arena politica: Mosca. Gli annali sono ampiamente sviluppati. Qualsiasi monumento serio nel campo della cultura materiale e spirituale del XIII secolo. dopo l'invasione mongolo-tartara non fu preservata. Dalla seconda metà del XIII sec. Rispetto al periodo precedente è sceso un numero insignificante di annali, e si distinguono per una presentazione più concisa e asciutta rispetto agli annali dei periodi precedenti. La letteratura si sta sviluppando attivamente. Prima della battaglia di Kulikovo, la storia "Sulla battaglia di Kalka", "La storia della devastazione di Ryazan di Batu", le storie su Alexander Nevsky erano ampiamente utilizzate. Anche la letteratura ecclesiastica ("agiografica") si diffuse. La "Vita" di Dmitry Donskoy rivela il profondo patriottismo e l'unità del popolo russo. I talentuosi scrittori di chiese Pakhomiy Logofet, Epifanio il Saggio compilarono biografie delle più grandi figure della chiesa in Russia: il metropolita Pietro, che trasferì il centro della metropoli a Mosca, Sergio di Radonezh, il fondatore del monastero della Trinità-Sergio. Dall'inizio del XIV sec. c'è stata una nuova ondata di cultura nelle terre russe, che è continuata durante i secoli XIV-XV. Le grandi città della Russia furono ampliate e restaurate. Nel 1408 fu compilato il codice della cronaca tutta russa. Nel 1442 apparve il primo cronografo russo, compilato da Pachomius Logofet, una storia mondiale che includeva la storia della Russia. La costruzione in pietra e la pittura delle chiese continuano a svilupparsi. Nell'architettura c'è una combinazione di tradizioni locali, forme mutuate da Bisanzio ed elementi dello stile romanico dell'Europa occidentale. 2. Cultura della Rus' di Vladimir-Suzdal Il primo principe indipendente Vladimir-Suzdal era il figlio di Vladimir Monomakh, Yuri Dolgoruky. Nella Russia nord-orientale è stata creata un'opera straordinaria di letteratura russa antica: "La parola di Daniele l'affilatore". Per molti secoli in Russia, l'arte dell'intaglio del legno e, successivamente, l'intaglio della pietra, si è sviluppata e migliorata. La scultura in pietra bianca della Russia Vladimir-Suzdal durante il regno di Andrei Bogolyubsky e Vsevolod il Grande Nido, chiaramente espressa nelle decorazioni di palazzi e cattedrali, è diventata una caratteristica notevole dell'antica arte russa. Contemporaneamente alla chiesa di corte, Yuri Dolgoruky fondò la Cattedrale della Trasfigurazione (1152-1157) nella città di Pereslavl-Zalessky da lui fondata. Il successore di Yuri, il principe Andrei, decise di fare della giovane città di Vladimir la capitale del principato che aveva ereditato. Sotto Vladimir, Andrei fondò una città castello chiamata Bogolyubov, e lui stesso ricevette il soprannome di Bogolyubsky. Andrei non voleva possedere Kiev: sognava di trasformare Vladimir in una nuova Kiev, che non sarebbe stata inferiore al famoso modello. A Vladimir, nella corte principesca, c'era la Chiesa del Salvatore; entrarono in città attraverso la Porta d'Oro (1164). La nuova Cattedrale dell'Assunzione di Vladimir (1158-1160), fondata da Andrei, superò in altezza tutte le cattedrali di Hagia Sophia in Russia. Le pareti ei pilastri erano più sottili che negli edifici di Yuri Dolgoruky; invece di sporgenze-lame che si estendono lungo il muro, sono state costruite semicolonne piatte a 4 lati. Per la prima volta i cittadini di Vladimir videro rilievi in pietra scolpita. Su uno di essi, i grifoni (creature fantastiche con il corpo di leone, la testa e le ali d'aquila) sollevarono in cielo Alessandro Magno. A Bogolyubovoye c'è un edificio che è diventato un simbolo dell'antica architettura russa: la famosa Chiesa dell'Intercessione sul Nerl (1165). Il principe ordinò di metterlo dove r. Il Nerl sfocia nel Klyazma, in memoria di suo figlio, il giovane Izyaslav, morto in battaglia con i Bulgari del Volga. 3. Cultura di Velikij Novgorod Per diversi secoli, Novgorod il Grande è stata la "seconda capitale" della Russia dopo Kiev. Questa città era famosa per la sua popolazione e ricchezza. I principi di Kiev "mettevano" i loro figli maggiori sul trono di Novgorod. Le lettere di corteccia di betulla di Novgorod che sono sopravvissute fino ad oggi testimoniano la presenza di un alto livello di alfabetizzazione tra la popolazione urbana. A Novgorod viene presentata una versione originale di una chiesa ortodossa e, sebbene sia meno collegata all'incarnazione della coscienza architettonica bizantina che a Kiev, per espressività e brevità è legata alla natura della natura settentrionale. Nella seconda metà del XIII sec. a Novgorod, la costruzione in pietra si è fermata. La città sfuggì all'invasione mongolo-tartara, ma fu costretta a respingere l'assalto di tedeschi e svedesi, per poi farsi carico di una buona parte dei pagamenti del tributo dell'Orda. Tver e Novgorod furono i primi a riprendere la tradizione della costruzione in pietra. Già nel 1292, i Novgorodiani iniziarono a costruire la Chiesa di San Nicola a Lipna e nel XIV secolo furono costruite numerose chiese sulla terra di Novgorod, che ora sono considerate creazioni straordinarie dell'antica architettura russa. Tra queste ci sono le chiese di Fëdor Stratilat sul ruscello (1360) e la Chiesa del Salvatore in via Ilyina (1374). 4. Creare uno stile speciale di costruzione del tempio Nella seconda metà del XIII - metà del XIV secolo. I maestri di Novgorod hanno creato uno stile speciale di costruzione del tempio. La piccola dimensione delle chiese non era dettata solo dal fatto che i fondi del tesoro cittadino non venivano più utilizzati per gli edifici ecclesiastici. I parrocchiani hanno raccolto denaro per la costruzione, tenendo conto dei propri interessi e opportunità. I clienti tra i ricchi cittadini cercavano di fare in modo che la loro chiesa si distinguesse per l'eleganza delle forme e l'arredamento originale. Le facciate degli edifici dei templi iniziarono a essere ricoperte da piccole nicchie figurate, rientranze a forma di rosette e croci di mattoni sbozzati. I tamburi delle cupole erano circondati da file di archi civettuoli e triangoli. La copertura trilobata, sottolineata da un arco decorativo, alla fine si trasformò in una tecnica preferita dagli architetti di Novgorod e divenne nei secoli XIV-XV. un vero simbolo architettonico dello stile di costruzione del tempio di Novgorod. Gli architetti di Novgorod dell'era post-mongola passarono ad altri materiali da costruzione: gli edifici delle chiese erano costruiti principalmente da lastre e massi di calcare sbozzati. A Novgorod il Grande, oltre all'architettura ecclesiastica, si sviluppò l'architettura secolare. Fu eretta la Camera di pietra delle sfaccettature, in cui i nobili boiardi si riunivano per chiedere consiglio. La scuola di pittura di Novgorod si sviluppò più tardi rispetto alle scuole di altri principati. Le sue caratteristiche erano la chiarezza dell'idea, la realtà dell'immagine e l'accessibilità. Dal XII sec. Sono arrivate fino a noi straordinarie creazioni dei pittori di Novgorod: l'icona "Angelo dai capelli d'oro", dove, nonostante tutta la convenzionalità bizantina dell'aspetto di un angelo, si sente un'anima umana tremante e bella. Oppure l'icona "Il Salvatore non fatto da mani" (sempre del XII secolo), in cui Cristo, con la sua espressiva piega nelle sopracciglia, appare come un formidabile e comprensivo giudice del genere umano. Nell'icona "Assunzione della Vergine" nei volti degli apostoli viene catturato tutto il dolore della perdita. E la terra di Novgorod ha dato molti di questi capolavori. Basti ricordare, ad esempio, i famosi affreschi della Chiesa del Salvatore a Nereditsa vicino a Novgorod (fine del XII secolo). 5. Principato di Mosca A Mosca, che ha guidato il processo di raccolta delle terre russe, è stata eseguita la costruzione più attiva. Al centro del Cremlino, sulla piazza della cattedrale, apparve il campanile Ivan il Grande (completato sotto Boris Godunov). Le informazioni sulla prima chiesa di pietra a Mosca sono contraddittorie. La cronaca chiama la Cattedrale dell'Assunzione, costruita nel 1327 sotto il principe Ivan Danilovich, soprannominato Kalita. Ma un secolo e mezzo dopo la costruzione, l'edificio della cattedrale era molto fatiscente e nei primi anni '70. XV secolo fu smantellata durante la costruzione di una nuova Cattedrale dell'Assunta. La costruzione fu eseguita senza indugio e due anni dopo le mura del tempio erano quasi pronte. Ma la notte del 20 maggio 1474 il muro settentrionale dell'edificio portato alle volte crollò improvvisamente. C'erano diverse versioni della causa del disastro. La notizia è sopravvissuta che la cattedrale crollò a causa di un terremoto. Dopo la caduta del muro, il Granduca Ivan III si occupò della continuazione della costruzione. Su consiglio di Sofia, sua seconda moglie, che visse per molti anni a Roma, si stabilì da Aristotele Fioravanti di Boshi. Quattro anni dopo (1479), l'edificio fu completato. Sulla piazza centrale del Cremlino di Mosca sorgeva una maestosa cattedrale bianca come la neve, che ricorda i templi della Russia di Vladimir-Suzdal del XII secolo. Fioravanti è riuscito a combinare organicamente le tradizioni ei principi dell'architettura russa con le conquiste tecniche avanzate dell'architettura europea. La Cattedrale dell'Assunzione a cinque cupole era il più grande edificio pubblico dell'epoca. Nel 1484-1489. Gli artigiani di Pskov eressero la Cattedrale dell'Annunciazione, la chiesa domestica dei sovrani di Mosca. Non lontano da esso fu costruita la tomba dei Granduchi di Mosca: la Cattedrale dell'Arcangelo. Alla fine del XV sec. Fu costruita la Camera Sfaccettata, che prese il nome dalle "sfaccettature" che ornavano le pareti esterne. La Camera sfaccettata faceva parte del palazzo reale, la sua sala del trono. Il Cremlino di Mosca è diventato una sorta di simbolo del potere e della forza dello stato che si è sviluppato intorno a Mosca. In alcune cattedrali furono realizzati pavimenti colorati (maioliche), porte in rame con varie immagini e decorazioni, croci scolpite dorate e tinteggiature murali interne ed esterne. 6. Pittura dei secoli XIV-XV Pittura dei secoli XIV-XV. è salito a un nuovo, più alto livello del suo sviluppo. A Novgorod, quando dipinge la Chiesa di Volotovo, e poi - a Mosca alla fine del XIV - all'inizio del XV secolo. l'artista Teofane il Greco lavorò. Ha collaborato con Simeon Cherny alla progettazione della Chiesa della Natività della Vergine di Mosca e ha anche partecipato alla progettazione della Cattedrale dell'Arcangelo a Mosca. Il più grande artista russo della fine del XIV - inizio XV secolo. era Andrej Rublev. Insieme a Teofano il Greco e al pittore Prokhor di Gorodets, dipinse la Cattedrale della Trinità nel Monastero della Trinità-Sergio. La famosa opera "Trinity" appartiene alla sua penna. Per il lavoro di Rublev è tipico un allontanamento dai canoni della pittura della chiesa, le sue opere stupiscono per la loro emotività, profondità e veridicità dell'immagine delle persone. Grande sviluppo nei secoli XIV-XV. raggiunse l'arte applicata russa. Sono stati conservati esempi eccezionali di gioielli, intagli in legno e pietra, sculture in legno e ricami in seta. L'ascesa della cultura russa rifletteva lo sviluppo del grande popolo russo. CONFERENZA N. 4. La cultura russa nel XVI secolo 1. Caratteristiche generali dell'epoca Il processo di piegatura di un unico stato centralizzato si è riflesso nello sviluppo della cultura russa. Molte caratteristiche dello sviluppo delle tradizioni culturali locali sono andate perdute. Intere scuole di pittura di icone sono scomparse, come è successo, ad esempio, con la pittura di icone di Tver. Arte del XVI secolo strettamente legati agli interessi dello Stato. Durante il regno di Ivan IV, lo stato iniziò a controllare direttamente l'arte. Tali misure, ovviamente, hanno danneggiato l'arte, incoraggiando l'artigianato e la ripetizione sconsiderata di "modelli". Seconda metà del XVI secolo si è rivelato sfavorevole per lo sviluppo della cultura russa. A causa delle crisi della politica interna ed estera, nonché dei disastri della fine del XVI secolo. molti processi culturali vanno in profondità e si dichiarano nuovamente solo nel secolo successivo. 2. Scienza e alfabetizzazione Durante questo periodo, l'alfabetizzazione si sviluppa in Russia. La conoscenza della scrittura e del conteggio era richiesta in molti rami di attività. Lettere di corteccia di betulla da Novgorod e altri centri, vari documenti scritti (cronache, storie, ecc.), Iscrizioni sull'artigianato indicano che le persone alfabetizzate non sono mai state tradotte in Russia. I ricchi tenevano registri scritti delle loro famiglie; dal XVI secolo sono stati conservati vari tipi di libri contabili. Sono disponibili guide per: 1) grammatica; 2) aritmetica; 3) trattamento con erbe (alfabetici, erboristi, ecc.). Accumulato: 1) osservazioni pratiche; 2) conoscenza delle attrezzature edili (erano necessarie nella costruzione di edifici); 3) conoscenza della dinamica (calcoli del range di volo di pietre, nuclei). Il cerchio della conoscenza geografica è stato ampliato dai viaggiatori russi. Hanno lasciato le descrizioni dei loro viaggi. Tali sono i mercanti V. Poznyakov, T. Korobeinikov (luoghi santi, seconda metà del XVI secolo). Il popolo russo, penetrando a nord, in Siberia, fece descrizioni, "disegni" di nuove terre; ambasciatori - elenchi di articoli con informazioni su stati stranieri. Una panoramica della storia del mondo è stata fornita dai "Cronografi" del XV-XVI secolo, che glorificavano le attività di principi, gerarchi della chiesa, santi canonizzati e "Vita" (Dmitry Donskoy, Sergio di Radonezh, Stefan di Perm , eccetera.). Erano in circolazione opere letterarie tradotte; da loro, oltre a varie raccolte, i russi istruiti trassero pensieri, detti di Democrito, Aristotele e altri filosofi e scrittori. 3. Vita e pensiero sociale Negli scritti dei liberi pensatori religiosi-eretici del XVI secolo. vengono predicati giudizi audaci sulla necessità di una chiesa "economica", sull'insensatezza dei sacramenti e delle icone della chiesa. Le tesi sulla trinità di Dio, l'Immacolata sono contestate. Viene proclamata l'uguaglianza delle persone, dei popoli, delle fedi. Queste idee riformatrici e umanistiche furono soffocate all'inizio e alla metà del XVI secolo. Una caratteristica notevole del XVI secolo - l'ascesa del giornalismo. Le questioni più importanti della società diventano oggetto di un'ampia discussione non solo da parte della Chiesa, ma anche da autori laici che sviluppano idee: 1) centralizzazione; 2) rafforzamento del potere granducale e regio; 3) il ruolo della Chiesa; 4) sulla situazione dei contadini, ecc. A metà e nel 3° quarto del secolo, un'intera galassia di pubblicisti è apparsa con le loro opere. IS Peresvetov nell'autunno del 1549 presentò proposte di riforma al giovane zar Ivan IV il Terribile. Ermolai-Erasmus, oppositore dei non possessori e degli eretici, propone di alleviare la situazione dei contadini. Ha espresso questa idea in modo particolarmente vivido nel suo trattato "The Ruler and Surveying of the Benevolent King". Silvestro, il confessore del re, nasce dalla convinzione della necessità del "giusto acquisto" (cioè del profitto). Queste idee sono anche sviluppate sulle pagine di "Domostroy" (in termini moderni - economia domestica) - un insieme di regole morali quotidiane, insegnamenti, che ha curato. I più importanti pubblicisti dell'era oprichnina furono lo zar Ivan il Terribile e il suo avversario, il principe Andrei Kurbsky. Il principe, fuggito dalla Russia in Lituania dalle repressioni scatenate dal sospettoso e crudele zar, espone i suoi comportamenti ei suoi metodi terroristici di governo. Lo zar, rimproverando a Kurbsky di tradimento, procede dal principio: lo zar è libero di perdonare, dicono, i suoi sudditi-servi, e di giustiziare anche lui. Il suo avversario, non accettando il "feroce" reale, crede che il monarca dovrebbe governare insieme a "saggi consiglieri", ascoltarli e non essere un tiranno autocratico illimitato. Trattano lo stato come una creazione divina. È vero, ne traggono le conclusioni opposte. Ivan - sul diritto all'autocrazia, Kurbsky - sul dovere del sovrano di prendersi cura dei suoi sudditi. In "The Tale of the Princes of Vladimir" furono confermate le idee più importanti della dottrina ufficiale dell'autocrazia e la famiglia dei sovrani di Mosca fu eretta ad "August Caesar". La questione della natura del potere è stata discussa nella controversia tra i Giuseppini e i non possessori. Nil Sorsky (il leader dei non possessori) non ha preso parte alla controversia, ma il suo allievo, l'ex principe caduto in disgrazia Vassian Patrikeyev, vi ha prestato grande attenzione. Il secondo tipo di accademia a Mosca era la cerchia del metropolita Macario. In mezzo a lui, in particolare, proveniva una collezione così monumentale di letteratura russa antica come "The Great Honored Menaion". L'ideologia della Chiesa ortodossa è stata sviluppata in opere giornalistiche come i messaggi dell'anziano del monastero di Pskov-Pechora Philotheus (negli anni '20), "The Tale of the Novgorod White Klobuk", la cui creazione è datata da numerosi ricercatori risale al 1453° secolo. Queste opere predicano le idee della peccaminosità dell'intera fede cattolica e il ruolo della Russia come unico centro del vero cristianesimo dopo la caduta di Costantinopoli nel XNUMX. 4. L'aspetto della stampa in Russia L'emergere della stampa di libri in Russia è stato di grande importanza. La stampa di libri iniziò solo a metà del XVI secolo, sotto Ivan il Terribile. All'inizio era il cosiddetto. "stampa senza uscita" (dal 1550), quindi - con dati di impronta (cioè, indicando il luogo, l'anno di pubblicazione, ecc.). Nei primi anni '50. 1563 ° secolo La prima tipografia inizia la sua attività a Mosca. Nel XNUMX Ivan Fedorov iniziò a lavorare a Mosca. Non era solo un editore, ma anche un editore di libri. Le sue prime edizioni a Mosca furono libri della Sacra Scrittura. In circostanze poco chiare, Ivan Fedorov fu costretto a trasferirsi a Leopoli. Nel XVI sec. la vita ha sostanzialmente mantenuto le sue caratteristiche precedenti. Ma c'era anche qualcosa di nuovo. Cominciarono ad usare le spezie nelle case ricche (cannella, chiodi di garofano, ecc.), limoni, uvetta, mandorle; salsiccia mangiata con porridge di grano saraceno. La moda delle calotte craniche (tafias) si diffuse: questa fu condannata dalla cattedrale di Stoglavy. Furono costruite altre case in pietra, anche se la maggior parte rimase in legno. I russi amavano giocare a dama e scacchi. L'interesse per la narrativa e la letteratura di narrativa, caratteristica della seconda metà del XV secolo, è diminuito in modo significativo. 5. Pittura Nel XVI sec. I temi dell'antica pittura russa iniziarono ad espandersi in modo significativo. Molto più spesso di prima, gli artisti si rivolgono alle trame e alle immagini dell'Antico Testamento, alle narrazioni istruttive di parabole e, soprattutto, al genere storico-leggendario. Mai prima d'ora un tema storico ha occupato così tanto spazio nelle opere dei pittori di icone. A questo proposito, penetrano sempre di più nella creatività artistica: 1) genere; 2) interesse per la vita quotidiana; 3) nelle composizioni compaiono sempre più spesso realtà russe. La cosiddetta architettura condizionatamente "ellenistica" viene gradualmente sostituita da icone russe. Allo stesso tempo, nella pittura del XVI secolo. c'è una percettibile inclinazione al "filosofare" astratto. La chiesa e lo stato controllavano strettamente l'iconografia, quindi, a quel tempo, si diffusero gli originali iconografici (raccolte di campioni), che stabilivano l'iconografia delle principali composizioni della trama, nonché i singoli personaggi. Dipinto di Mosca della fine del XV secolo. contrassegnato da notevoli risultati. Ciò è dovuto al lavoro di maestri eccezionali: Dionisio e la sua scuola. Lui stesso e i suoi assistenti decorarono con affreschi le cattedrali dei monasteri Joseph-Volokolamsk, Pafnutievo-Borovsky, Ferapontov e altri e grazie ai loro sforzi fu creata l'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione al Cremlino di Mosca. Nella raffigurazione della Madre di Dio, considerata la patrona di Mosca, altri personaggi della storia biblica sono colpiti dai colori vivaci e dalla decoratività, che in seguito divennero caratteristiche distintive della pittura di icone russa dei secoli XVI-XVII. Le creazioni di Dionisio, un abile maestro, secondo il cronista, e di altri artisti sono permeate da un'atmosfera di giubilo vittorioso, solennità e fiducia. Riflettevano vividamente le principali pietre miliari del loro tempo: 1) ottenere l'indipendenza dall'Orda; 2) unificazione delle terre russe; 3) la creazione di un unico Stato guidato da Mosca. A cavallo dei secoli XV-XVI, da un lato, si determina il predominio della scuola pittorica di Mosca in Russia; dall'altra, la sua assimilazione delle tradizioni delle scuole locali, gradualmente livellate sotto l'influenza del centro culturale tutto russo, che è diventata Mosca con i suoi maestri, idee, aspirazioni. La brillantezza e l'attenta cura dei dettagli, l'eleganza e la sottigliezza del disegno sono caratteristiche delle icone della cosiddetta scuola di Stroganov. I suoi rappresentanti (Prokopiy Chirin, Nikifor Savin e altri) lavoravano a Mosca, ma spesso eseguivano gli ordini degli Stroganov, il ricco Sol-Vychegda. Le loro opere, luminose, colorate, in miniatura, assomigliano a gioielli. Hanno avuto una grande influenza sullo sviluppo dell'arte russa; per esempio, le loro tradizioni sono ancora conservate dai maestri Palekh. Quel poco di tutto ciò che la pittura del tardo XV-XVI secolo diede all'arte russa può essere definito come: 1) abilità nel disegno; 2) la luminosità della gamma colorata; 3) una gioiosa sensazione di essere; 4) l'ascesa dello spirito nazionale. Ma allo stesso tempo, c'è una certa deviazione dai potenti esempi di Andrei Rublev e Teophan il Greco, una diminuzione del respiro eroico dell'arte dall'era della battaglia di Kulikovo. Allo stesso tempo, il progressivo sviluppo della pittura preparò i suoi futuri successi. 6. Architettura Il risultato più eccezionale dell'architettura russa a cavallo dei secoli XV-XVI. è stata la costruzione degli edifici del Cremlino di Mosca. Vecchi edifici fatiscenti sono stati sostituiti con nuovi. 1. Uspensky. 2. Arkhangelsk. 3. Cattedrale dell'Annunciazione. 4. Pilastro del tempio di Ivan il Grande. Per i ricevimenti cerimoniali fu costruita la Camera Sfaccettata. Un intero complesso di edifici costituiva il palazzo del Granduca. Infine, apparvero nuove mura della fortezza e arcieri (torri). Nel XVI sec. costruito su scala più ampia. Molte chiese e cattedrali furono erette in tutto il paese. Alcuni di loro hanno preso un posto eccezionale nell'architettura domestica e mondiale. Tale, ad esempio, è la famosa Chiesa dell'Ascensione nel villaggio di Kolomenskoye vicino a Mosca (ora all'interno della città). Fu costruito (1532) in occasione della nascita del figlio di Ivan, futuro Zar del Terribile, presso il Granduca Vasily III. Il modello per l'edificio erano le antiche chiese in legno con tetto a padiglione. La Cattedrale Pokrovsky (Chiesa dell'Intercessione della Madre di Dio), o la Cattedrale di San Basilio sulla Piazza Rossa a Mosca, il più grande monumento dell'architettura delle tende, in sostanza, un complesso di nove chiese, sembra altrettanto favolosa. Fu costruito dagli architetti russi - Barma e Postnik nel 1555-1560. Inizialmente, il tempio era bianco e ha ricevuto la sua colorazione eterogenea solo nel XVII secolo. I maestri della filigrana (filigrana), cesellato, fonderia, gioielleria, cucito della seta raggiungono un'elevata perfezione. L'arte della timbratura del basso e dello smalto fiorì. I gioiellieri creavano oggetti d'oro di straordinaria bellezza ed eleganza (ad esempio, il piatto d'oro della zarina Maria Temryukovna, presentatole da Ivan il Terribile nel 1561). In generale, la cultura russa del XVI secolo. è di grande importanza. In primo luogo, rifletteva pienamente la transizione finale da una Russia frammentata a uno stato centralizzato con i suoi nuovi requisiti per l'art. Inoltre, è stata in grado di resistere alla pressione ideologica della seconda metà del secolo e di preparare la coscienza del popolo russo ai cambiamenti e ai cambiamenti significativi che hanno avuto luogo nello sviluppo culturale del XVII secolo. CONFERENZA N. 5. Cultura russa del XVII secolo 1. Tendenze generali nella cultura russa del XVII secolo XNUMX° secolo nella storia della cultura russa, così come nella storia della Russia in generale, - l'inizio di un nuovo periodo. In questo momento avviene la secolarizzazione della cultura, una svolta nella coscienza dell'uomo e della società. Il popolo russo negli anni turbolenti del tempo dei guai, delle rivolte e delle guerre popolari, dell'avanzata in Siberia e nell'Estremo Oriente si è realizzato come persona. 2. Letteratura, educazione, scienza Il periodo di massimo splendore del pensiero sociale russo nel 1° quarto del XNUMX° secolo. associato alla comparsa di una serie di narrazioni di autori spirituali e secolari sugli eventi del Tempo dei guai. Il rappresentante più importante nella letteratura ufficiale del XVII secolo. era un monaco Simeone di Polotsk. La tendenza popolare accusatoria è "La vita dell'arciprete Avvakum", scritta da lui stesso. L'autore fu l'ispiratore del movimento degli Antichi Credenti e predicò le idee dell'antica pietà. Nel corso del secolo sono apparse una varietà di storie quotidiane che descrivono la vita quotidiana della gente comune. Segni di secolarizzazione si trovano anche nell'illuminazione: entro la fine del secolo, ogni secondo o terzo abitante della città poteva leggere e scrivere. Allo stesso tempo, l'alfabetizzazione cessò di essere un privilegio della Chiesa. Gli uomini sono stati addestrati. C'erano poche donne alfabetizzate. Insegnavano, prima di tutto, l'alfabeto elementare secondo i libri dell'alfabeto. Nel 1634, il primer di V. Burtsev fu pubblicato e più volte ripubblicato nel corso di un secolo. Sorge il problema dell'istituzione di scuole. Nel 1680 fu fondata una scuola presso la Stamperia, la disciplina principale in cui era la lingua greca; nel 1687 - la scuola slavo-greco-latina, e poi l'Accademia, dove venivano insegnate discipline sia secolari che spirituali. La gamma di lettura si è notevolmente ampliata. Dal XNUMX° secolo si sono conservati molti libri, stampati e soprattutto manoscritti. Tra questi, insieme alla chiesa, ve ne sono sempre di più quelli laici: 1) cronache e cronografi; 2) storie e leggende. I re e i nobili boiardi avevano biblioteche con centinaia di libri in diverse lingue. Molti stranieri vennero in Russia, esperti in vari campi della conoscenza scientifica e tecnica. Vivevano alla periferia di Mosca nell'insediamento tedesco, che gli abitanti della capitale chiamavano Kukuy (Kokuy). Li guardavano con avida curiosità e paura: ballare, fumare, il modo libero di comunicare tra uomini e donne erano insoliti per un russo. Sviluppate anche le conoscenze scientifiche. I russi erano famosi come maestri della lavorazione dei metalli, delle fonderie. Le campane erano fuse bene in Russia, il loro "suonare cremisi" era famoso in tutto il paese. I maestri russi delle macchine edili, la costruzione di edifici in legno e pietra, ebbero altrettanto successo e affidabilità. Quando si costruivano mulini ad acqua e, cosa particolarmente significativa e importante, la lavorazione del ferro e altre manifatture utilizzavano motori ad acqua. Conoscenze geografiche estese, idee sulla Russia, sul suo territorio e sui popoli che vi abitano, sulle vaste distese della Siberia e dell'Estremo Oriente. 3. Pittura del XVII secolo Per tutto il XNUMX° secolo Lo stile nazionale russo sviluppa nuove caratteristiche e forme. La scuola Stroganov si sviluppò ulteriormente con le sue piccole scritte, il più fine disegno dei dettagli. La raffinatezza delle prestazioni, la vivacità delle icone hanno deliziato i contemporanei. Nell'opera di Simon Fedorovich Ushakov (1626-1686), il maestro dell'armeria dello zar, il più grande artista russo e altri maestri, si delinea un desiderio di realismo. Iosif Vladimirov ha scritto una sorta di trattato teorico con la logica del realismo nella pittura: vicinanza alla natura, necessità per l'arte di lottare per la bellezza e la luce, non per sopprimere, ma per compiacere una persona. SF Ushakov, rispondendo a Vladimirov, il suo amico, persegue gli stessi principi: realismo, vivacità, accuratezza, immagine "speculare". Tendenze realistiche, combinate con motivi luminosi e allegri, sono state tracciate nelle opere dei maestri russi e nella pittura delle chiese. Gli affreschi delle chiese della Trinità a Nikitniki (autori - Vladimirov e Ushakov) a Mosca, Elia il profeta a Yaroslavl (G. Nikitin, S. Savin) e molti altri stupiscono per le loro composizioni colorate e ricche, ingegno e ottimismo, folk spirito e abbondanza di dettagli quotidiani. 4. Genere ritratto Le caratteristiche del realismo si manifestano anche nel genere del ritratto. Se le parsunas (ritratti) dello zar Fyodor Ivanovich (1600), il principe M.V. Skopin-Shuisky (1610) sono state scritte nel solito modo di pittura di icone, allora le opere della metà e della seconda metà del secolo parlano di un desiderio di ritratto somiglianza, lettera realistica. Questi includono i ritratti degli zar Alessio (S. Loputsky), Fedor (I. Bogdanov), Patriarca Nikon (I. Deterson). Sulle icone compaiono paesaggi realistici (ad esempio, a Tikhon Filatiev, fine del XVII secolo), immagini di edifici. Ma anche le belle arti, principalmente la pittura di icone, conservavano uno stile tradizionalmente conservatore, poiché era sotto la stretta supervisione dello stato e della chiesa, le attività dei pittori erano controllate dall'Armeria del Cremlino, che dal XVII secolo. divenne un centro d'arte. Qui si svolsero i lavori per la corte reale: furono dipinti i ritratti, furono decorati i manoscritti, furono realizzati mobili e giocattoli. 5. Architettura russa del XVII secolo Nel XNUMX° secolo Cambiamenti significativi hanno interessato l'architettura. Dopo il tempo dei guai, l'architettura in pietra inizia a rivivere. A Mosca si stanno restaurando le mura e le torri del Cremlino; sopra il suo cancello principale, Spassky, viene eretta una bella sovrastruttura a tenda, che conferisce alla torre un aspetto festoso e solenne. Un altro nuovo dettaglio appare nell'aspetto della torre: i rintocchi. Il principale materiale da costruzione era ancora il legno. L'apice dell'architettura in legno del XVII secolo. è un lussuoso palazzo reale a Kolomenskoye (1667-1668), smantellato "per il degrado" un secolo dopo, sotto Caterina II.I contemporanei lo chiamarono l'ottava meraviglia del mondo. I seguenti principi sono stati ampiamente utilizzati qui: 1) quadrato; 2) rettangolare; 3) cruciforme; 4) supporto ottagonale per l'edificio principale; 5) tetto a capanna alto; 6) tenda; 7) Completamento di 5 capitoli. Il Palazzo dello Zar a Kolomenskoye era costituito da cori a più cornici posti nei seminterrati (piani inferiori di importanza economica). Le facciate delle stanze anteriori residenziali erano riccamente decorate con architravi scolpiti e vari completamenti sotto forma di tende, botti, tetti a cubetti ea sporgenze. 6. Nascita dell'architettura civile L'ascesa dell'architettura civile, chiaramente manifestata tra la fine del XV e l'inizio del XVI secolo. nella costruzione del Palazzo del Cremlino, ebbe una degna continuazione nel XVII secolo. Su una scala senza precedenti furono costruiti: 1) palazzi; 2) edifici amministrativi; 3) edifici residenziali; 4) cortili ospiti. L'aspetto architettonico di questi edifici rifletteva il desiderio degli architetti di creare tipi di edifici completamente nuovi, per sviluppare un nuovo stile. Il Palazzo Terem del Cremlino di Mosca, costruito nel 1635-1636, con le sue dimensioni, il magnifico splendore dell'arredamento sembrava sfidare le tradizioni costruttive del secolo precedente. A poco a poco, il volume delle costruzioni in mattoni è aumentato, principalmente gli edifici di agenzie governative, imprese commerciali e industriali. È iniziato l'uso di piastrelle multicolori, mattoni figurati e dettagli in pietra bianca, che hanno conferito agli edifici un aspetto festoso. La costruzione tradizionale del tempio raggiunse il suo apice. Nel XNUMX° secolo fu costruito il grandioso Cremlino di Rostov, fu completato il progetto dei monasteri Joseph-Volokolamsky, Trinity-Sergius, Kirillo-Belozersky. Il commercio in rapido sviluppo necessitava di moderni cantieri commerciali per i mercanti russi e stranieri. Gostiny Dvor ad Arkhangelsk (1668-1684) fu costruito secondo un piano speciale entro i confini di un cortile chiuso. Il suo territorio comprendeva mura con torri, vari locali (deposito, residenziali, commerciali) e una chiesa. L'architettura residenziale della provincia rifletteva le tradizioni locali. Spesso, camere di legno torreggiavano sopra le camere di pietra, in cui vivere era considerato più benefico per la salute. Ma a causa dei frequenti incendi, i cittadini facoltosi abbandonarono sempre più le sovrastrutture in legno. La pittoresca architettura residenziale era sottolineata dall'elegante asimmetria dei portici e dalla colorazione dei dettagli decorativi. In questo momento, il principio della regolarità iniziò gradualmente a prevalere negli edifici architettonici. Alla fine del XVII sec. sorge un nuovo stile di architettura del tempio: il barocco di Mosca, che veniva utilizzato per costruire piccole chiese nelle proprietà dei nobili russi. Fu in questo stile che fu costruita la Chiesa dell'Intercessione a Fili. Utilizza un tipo di costruzione a torre, una combinazione di mattoni rossi per la muratura principale e pietra bianca per la decorazione. Gli edifici si distinguono per l'eleganza e una varietà di decorazioni decorative. Tale architettura è stata chiamata dai ricercatori la Mosca, o Naryshkin, barocca. Tuttavia, sebbene alcuni dei suoi dettagli siano realizzati in stile barocco europeo, ci sono molti motivi che risalgono all'architettura del Rinascimento e del Manierismo. Gli edifici di Naryshkin hanno un'incredibile organicità, integrità e perfezione artistica. Lo sviluppo dell'arte russa si è sempre distinto per le sue caratteristiche, che non si adattavano al quadro europeo. Quando il Rinascimento fiorì in Europa, c'era ancora un profondo Medioevo in Russia. L'architettura dello stile Naryshkin divenne un ponte tra il vecchio e il nuovo, tra il bizantino e l'europeo. CONFERENZA N. 6. La cultura dell'epoca di Pietro il Grande 1. Tendenze generali nella cultura dell'era di Pietro il Grande A cavallo tra il XVII e il XVIII secolo. Il Medioevo finì in Russia e iniziò la Nuova Era. In Russia, questa transizione storica è avvenuta rapidamente, nell'arco di una generazione. Arte russa del XVIII secolo. in pochi decenni era destinato a secolarizzarsi (passare da religioso a laico), padroneggiare nuovi generi (ad esempio ritratto, natura morta e paesaggio) e scoprire temi completamente nuovi (in particolare mitologici e storici). Per questo motivo, in Russia nel XVIII secolo esistevano stili artistici diversi. contemporaneamente. Le riforme attuate da Pietro 7 (1698-1725) toccarono non solo la politica, l'economia, ma anche l'art. Gli obiettivi del giovane re erano: 1) mettere l'arte russa alla pari con l'arte europea; 2) educare il pubblico domestico; 3) circonda il tuo giardino di architetti, scultori e pittori. Nonostante il fatto che a quel tempo non esistessero quasi grandi maestri russi, dopo solo cento anni la Russia presentava un'intera galassia di talenti. 2. Educazione, scienza La creazione di un esercito e di una marina regolari, la formazione di una burocrazia assolutista e altre riforme nel paese hanno richiesto una ristrutturazione radicale dell'intero sistema educativo e la formazione di un gran numero di specialisti qualificati. Pietro I costrinse la nobiltà russa a studiare. Già nel 1699 fu fondata a Mosca la Scuola Pushkar e nel 1701 fu aperta una "scuola di scienze matematiche e della navigazione" nell'edificio della Torre Sukharev. Al tempo di Pietro il Grande fu aperta la Facoltà di Medicina (1707), così come le seguenti scuole: 1) ingegneria; 2) cantieristica; 3) navigazione; 4) montagna; 5) artigianato. L’istruzione secolare richiedeva nuovi libri di testo. Nel 1703 fu pubblicata "Aritmetica, cioè la scienza dei numeri..." di L.F. Magnitsky, che introdusse i numeri arabi invece di quelli alfabetici, e poi Magnitsky e il matematico inglese A. Farvarson pubblicarono "Tabelle dei logaritmi e dei seni. " Contemporaneamente alla riforma nel campo dell'istruzione nel 1° quarto del XVIII secolo. L'editoria fiorì. Nel 1708 Pietro I introdusse una nuova scrittura civile al posto del vecchio slavo ecclesiastico. Furono create nuove tipografie per stampare letteratura educativa, scientifica e speciale secolare, nonché atti legislativi. Lo sviluppo della scienza e della tecnologia in epoca petrina soddisfaceva soprattutto le esigenze pratiche dello Stato. Grandi passi avanti sono stati fatti in: 1) geodesia; 2) idrografia; 3) cartografia; 4) lo studio delle viscere e la ricerca dei minerali. I marinai-idrografi russi hanno fatto molto per mappare il Mar Azov, Caspio, Baltico e Bianco. La ricerca di minerali di ferro e rame negli Urali e in Siberia è stata attivamente condotta con l'assistenza dei contadini locali. Le attività degli inventori russi furono notate con grande successo. E. P. Nikonov ha presentato un progetto per la creazione di "navi nascoste" (sottomarini). Un famoso meccanico dell'epoca di Pietro il Grande era A. K. Nartov, l'inventore di torni e macchine per il taglio di viti, il creatore di un mirino ottico. Nel 1° quarto del XVIII sec. furono scritti numerosi studi di valore sulla storia nazionale. Su iniziativa di Pietro I, è stata avviata in Russia una raccolta di collezioni scientifiche. L'apice delle conquiste del tempo di Pietro il Grande nel campo della scienza e dell'istruzione fu la creazione (con decreto del 28 gennaio 1724) a San Pietroburgo dell'Accademia delle scienze (fu aperta dopo la morte di Pietro I in 1726). L'Accademia delle Scienze nasce non solo come centro scientifico nazionale, ma anche come base per la formazione del personale scientifico. In questo centro scientifico furono aperti un'università e una palestra. 3. Letteratura e teatro Questo strato di cultura russa era il più colorato, il più mosaico ed eterogeneo; praticamente non è entrato in contatto con il lavoro dell'élite. Al tempo di Pietro il Grande, c'era meno persecuzione delle feste pagane tradizionali con i loro "ronzii" tempestosi, danze, danze rotonde, ecc. Durante questo periodo, la nobiltà, e in parte i cittadini, furono testimoni diretti di un notevole aumento di libri a stampa non religiosi. Nel 1708 fu pubblicato un campione di lettere di vario contenuto con l'uso del vocabolario più recente, dove abbondavano parole, termini ed espressioni olandesi, tedeschi. Nell'ambito della letteratura, avviene la nascita del classicismo russo. Le opere più famose di questo genere sono le creazioni dell'oratore, scrittore, chiesa e personaggio pubblico dell'era di Pietro il Grande, il principale sostenitore della riforma della chiesa Feofan Prokopovich. Il tema principale di Prokopovich è la glorificazione dell'esercito, delle riforme e della Russia. Il giornalismo economico era rappresentato dalle opere dell'eccezionale scienziato I. T. Pososhkov (1652-1726). Nel 1702 fu costruito un teatro sulla Piazza Rossa di Mosca, che aprì le sue porte al pubblico comune. Vi recitavano attori tedeschi, il repertorio era composto da: 1) tedesco; 2) francese; 3) Giochi spagnoli. Tuttavia, un tale teatro era raro. Il tempo di Peter include tentativi di creare teatri pubblici ("templi della commedia") a Mosca e San Pietroburgo, dove venivano messe in scena spettacoli su temi storici e commedie (ad esempio "Amphitrion" e "Doctor Forced" di J.-B. Pierre). Nell'era di Pietro il Grande nacque l'interesse per la musica profana, la produzione musicale amatoriale e si stava sviluppando l'arte corale professionale. La musica per esercitazioni militari Bravura sta guadagnando popolarità. 4. Vita del popolo russo Nuove forme quotidiane di cultura furono impiantate nella vita dell'élite nobile. Nel 1700, alle porte del Cremlino, furono addirittura esposti manichini con campioni di abiti nuovi per la nobiltà (ungherese, sassone e francese). La figura originaria del re, che all'inizio osservava le cerimonie tradizionali solo in occasione di ricevimenti diplomatici, apportò drammatici cambiamenti nella vita del palazzo. Le tradizioni sono state semplificate, la rigidità è scomparsa. Dal 1718, per decreto del re, furono introdotte assemblee che legalizzavano le forme di comunicazione reale con le persone di cui aveva bisogno e che gli piacevano. Il comportamento dei giovani nobili nella società era regolato dalle norme dell'Europa occidentale stabilite nel libro tradotto "Youth's Honest Mirror". Nelle capitali, in date solenni, in onore di questa o quella "Victoria" (la guerra del Nord, la presa di Azov, la vittoria di Poltava, l'anniversario della pace di Nishtad, ecc.), erano in scena colorati fuochi d'artificio e grandiose mascherate moda. Nelle piazze venivano esposte leccornie (fontane del vino, carcasse fritte). Lo stile di vita patriarcale cedette gradualmente il posto al secolarismo e al razionalismo. 5. Pittura 1700-1725 Nel campo delle belle arti nel 1° quarto del 1701° secolo. lo sviluppo attivo riceve la pittura secolare. A. M. Matveev (1739-XNUMX) fu un eccezionale ritrattista di quel tempo. Tra i maestri dell'incisione, I. B. Adolsky era famoso. Le opere degli artisti A.F. Zubov, A.I. Rostovtsev e P. Picard ci hanno portato l'aspetto architettonico di entrambe le capitali russe. Il più vicino alla vita di tutti i giorni era il genere dell'incisione, che aveva una cerchia abbastanza ampia di intenditori. Molti libri avevano immagini incise. Dalla fine del XNUMX° secolo L'arte pittorica russa si sta trasformando. Nell'arte della pittura di icone, iniziò ad apparire una tendenza per una transizione verso una rappresentazione realistica del mondo e delle persone. Si sta sviluppando il cosiddetto genere parsuna: un ritratto realistico creato in modo planare tradizionale. Gli artisti di questo genere furono influenzati dalla pittura dell'Europa occidentale. Nei primi anni del XVIII sec. emanato decreti speciali concernenti la formazione e l'educazione degli artisti. I più talentuosi sono stati inviati per lunghi viaggi di lavoro all'estero (A. M. Matveev, I. Nikitin, R. Nikitin). Durante questo periodo, in Russia furono invitati anche numerosi artisti stranieri. Questi sono Louis Caravaque, Johann Tannauer e altri. 6. Architettura 1700-1725 Anche l'architettura al tempo di Pietro il Grande subì l'influenza dell'Europa occidentale. Un nuovo fenomeno nella cultura russa è stata la diffusione di composizioni scultoree, che è stata particolarmente pronunciata nella creazione di complessi di palazzi e parchi, ad esempio nella progettazione della Grande Cascata del Palazzo Peterhof (architetto J. B. Leblon). All'inizio del XVIII sec. nell'urbanistica si sta passando alla costruzione regolare delle città, alla creazione di grandi complessi architettonici, prevalentemente civili, e non religiosi. La costruzione di San Pietroburgo ne è un ottimo esempio. Alla fine del XVII-inizio del XVIII sec. è in corso la formazione del cosiddetto stile Naryshkin, o lo stile "barocco di Mosca" dell'architettura ecclesiastica (per i dettagli, vedere la lezione n. 4). C'era anche un'architettura fondamentalmente nuova basata sul sistema degli ordini (colonne, portici, frontoni, ecc.). Gli interni delle chiese ecclesiastiche iniziarono a essere decorati con iconostasi in legno a più livelli con le sculture decorative più complesse, i cui migliori artigiani erano intagliatori di legno bielorussi. Uno dei brillanti maestri dell'intaglio fu l'architetto IP Zarudny. Un'architettura fondamentalmente nuova creò le basi della capitale della Russia in quel momento: San Pietroburgo. Qui, fin dall'inizio, è stata sviluppata la versione del barocco della Germania settentrionale (olandese) con un arredamento sobrio e asciutto, con il desiderio della massima razionalità. Portatore di questa tendenza fu D. Trezzini. Ha preso parte attiva alla pianificazione di San Pietroburgo, in particolare alla sua parte Vasilyevsky. Lo svizzero D. Trezzini progettò gli edifici più importanti di San Pietroburgo: la Fortezza di Pietro e Paolo e la sua cattedrale, l'edificio dei Dodici Collegi (costruito sull'isola Vasilyevsky nel 1722-1734, completato da M. G. Zemtsov). Quest'ultimo è costituito da 12 parti identiche, poste sulla stessa linea e decorate solo da lesene. L'edificio è distribuito non lungo la Neva, ma ad angolo retto rispetto ad essa. Secondo l'ideazione dell'architetto, la lunga facciata frontale della Collegia delle Dodici doveva affacciarsi sulla proposta piazza allo spiedo dell'isola. Il palazzo di A. D. Menshikov, la cui facciata principale si affaccia sulla Neva, è stata a lungo la casa privata più lussuosa della capitale settentrionale. Recentemente è stato riportato alla sua forma originale. E nel disegno delle facciate (tetti alti, finestre con piccole rilegature), e negli interni, decorati con legno, piastrelle bianche e blu (cotto in terracotta) e tessuti vari, domina il gusto olandese. Leggermente a monte della Neva si trovava il Palazzo d'Estate (1710-1714, architetti D. Trezzini e A. Schluter), che Pietro donò alla moglie Caterina. Un orgoglio speciale di Peter I è stato il Giardino d'Estate che circonda questo edificio. Le trasformazioni di Pietro nella sfera della cultura, della vita e dei costumi furono di spiccata natura politica. Gli interessi dello Stato sono stati posti in primo piano in queste riforme. Dovevano sottolineare la differenza fondamentale tra l'impero russo, creato in un quarto di secolo, e un grande stato di tipo europeo. CONFERENZA n. 7. Cultura della Russia 1725-1800 1. Caratteristiche generali della cultura dell'epoca dei "colpi di palazzo" e del regno di Caterina XNUMXmo secolo occupa un posto importante nella storia della cultura russa. La direzione secolare diventa decisiva nel suo sviluppo. Fu creato un sistema di istruzione generale e speciale, fu aperta un'università, apparvero periodici e giornalismo. Sta emergendo una nuova poesia, teatro e prosa orientati all'occidente. Nella pittura, il ritratto viene in primo piano. Esempi eccezionali di architettura civile compaiono nell'architettura. In questa lezione, ci concentreremo principalmente sulle conquiste della cultura nobile. 2. Istruzione Dai tempi di Pietro I, l'istruzione in Russia ha acquisito un carattere laico sempre più chiaro. Allo stesso tempo, la forma tradizionale di "educazione all'alfabetizzazione" era massiccia e onnipresente. Il numero delle scuole di guarnigione dei soldati è aumentato. L'attenzione principale è stata rivolta all'educazione dei nobili nelle istituzioni educative chiuse. Nel 1731 fu creato lo Shlyakhetsky Cadet Corps e nel 1752 il Naval Shlyakhetsky Corps. Inoltre, i bambini nobili venivano istruiti in collegi privati, oltre che a casa. Nel XVIII sec. sta diventando di moda invitare insegnanti stranieri, soprattutto francesi. Nonostante tali grandi successi nel campo dell'istruzione in Russia, la necessità di un sistema educativo si sentiva sempre più acutamente. Su iniziativa dell'imperatrice, lo sviluppo di progetti di istruzione scolastica fu affidato a una delle figure pubbliche più brillanti dell'epoca: I. I. Betsky. Fu anche l'iniziatore dell'educazione delle donne. Ma le attività di I. I. Betsky e l'attuazione del suo piano non hanno in alcun modo risolto il problema della creazione di un sistema di istruzione primaria. Per risolvere questo problema, nel 1782 fu organizzata una "Commissione per l'istituzione delle scuole". Il primo risultato del lavoro della Commissione è stata l'apertura di scuole pubbliche di 4 e 2 classi nella provincia di San Pietroburgo. In totale, alla fine del XVIII sec. in Russia c'erano circa 550 diverse istituzioni educative, in cui studiavano circa 60mila persone. Uno dei principali eventi della metà del XVIII secolo. è stata l'apertura del primo istituto di istruzione civile superiore: l'Università di Mosca. I. I. Shuvalov era il suo curatore. Tuttavia, il costruttore ideologico dell'Università di Mosca era M. V. Lomonosov. Ha sviluppato un progetto per l'organizzazione dell'università, ha cercato di garantire che l'università fosse senza classi e laica (poiché non insegnava teologia). Ha partecipato attivamente alla creazione di libri di testo. All'università è stata creata una palestra speciale con due dipartimenti per formare il personale studentesco - per la nobiltà e il raznochintsy. Creazione dell'Accademia delle scienze in Russia, rapido sviluppo nel XVIII secolo. le scienze naturali mondiali hanno contribuito alla formazione e allo sviluppo della scienza russa. 3. Scienza Ha raggiunto un livello di sviluppo significativo nel 1711 ° secolo. Scienza russa. M. V. Lomonosov (1768-1755) è stato uno scienziato eccezionale del XNUMX° secolo, i cui interessi coprivano vari campi della scienza. Il suo merito principale fu la fondazione e l'apertura dell'Università di Mosca (XNUMX). Nel XVIII sec. cresce l'interesse della società russa per il suo passato storico, compaiono opere storiografiche. Il primo storico russo VN Tatishchev (1686-1750) scrisse "Storia russa dai tempi più antichi". Dopo Tatishchev, compaiono opere storiche: 1) MV Lomonosov; 2) M. M. Shcherbatova; 3) I. N. Boltina; 4) I. I. Golikova; 5) G.F. Miller e altri. Negli anni 70-80. XNUMXmo secolo I documenti storici sono pubblicati sulle pagine della stampa periodica. Numerosi risultati molto interessanti caratterizzano lo sviluppo del pensiero tecnico in Russia. Ma nella maggior parte dei casi, le innovazioni tecniche non hanno trovato applicazione. Uno degli inventori più famosi dell'epoca fu IP Kulibin (1735-1810). La ricerca fisico-geografica e le scienze naturali sono state ampiamente sviluppate. Nel 1724, per ordine di Pietro I, fu equipaggiata la prima spedizione in Kamchatka, guidata da V. Bering e A. I. Chirikov. I risultati di questa spedizione sono grandiosi: vengono descritte le ricchezze degli Urali, della Siberia e dell'Altai, vengono raccolti materiali di geografia, zoologia, botanica, etnografia, ecc. 4. Letteratura e pensiero sociale. Teatro Nelle condizioni del sistema feudale della gleba, la letteratura era prevalentemente della nobiltà. L'arte popolare era orale. Letteratura nobile del XVIII secolo. sviluppato in linea con il classicismo. La tendenza principale in letteratura era il classicismo sotto forma di odi, tragedie, parole di lode. Ciò si è manifestato più chiaramente nel lavoro di A.P. Sumarokov, che ha scritto commedie e tragedie che svolgono funzioni educative, così come nel primo rappresentante del classicismo del XVIII secolo. - D.C. Kantemir. Una fase importante nello sviluppo del classicismo russo fu l'opera del poeta di corte V. K. Trediakovsky (1703-1769). Difendendo la purezza della lingua letteraria russa, M. V. Lomonosov crea la dottrina delle tre "calme" letterarie. Il più grande poeta russo della fine del XVIII secolo. era GR Derzhavin (1743-1816). Alla fine del XVIII sec. c'è un allontanamento dal classicismo, il superamento del sentimentalismo e la formazione di tendenze realistiche. Innanzitutto, questo si è manifestato nell'opera di D. I. Fonvizin (1745-1792), creatore della commedia sociale. Il fondatore del sentimentalismo russo è N. M. Karamzin (1766-1826), scrittore e storico che portava il soprannome di "Colombo della storia russa", autore di "La storia dello Stato russo". La figura più grande nel pensiero sociale russo è A. N. Radishchev (1749-1802). Mentre ricopriva la carica di procuratore militare, durante gli anni della rivolta di Pugachev, conobbe i casi di reclute latitanti, in cui, come in uno specchio, si riflettevano gli ordini della gleba Russia. Ciò ha portato Radishchev all'idea della necessità di una rivoluzione contadina in Russia. Nella sua opera letteraria "Viaggio da San Pietroburgo a Mosca" ha effettuato il passaggio dal genere letterario del sentimentalismo al realismo critico. Nella seconda metà del 1750° secolo, il giornalismo si sviluppò in Russia. Dalla fine del XNUMX. compaiono i primi giornali privati. Tra questi c'è "Ape laboriosa" di A.P. Sumarokov. Fondamentalmente, queste erano le pubblicazioni della classe nobile. Durante il regno di Caterina II, si svilupparono le attività dell'educatore N. I. Novikov (editore delle riviste satiriche "Druten", "Painter", "Ridder", editore di dizionari, riviste per bambini e donne). Nel 1768° secolo, l'arte teatrale si sviluppò abbastanza ampiamente in Russia. Il teatro più famoso con una magnifica troupe di attori servi era di proprietà dei conti P. B. Sheremetyev e N. P. Sheremetyev. La famosa attrice e cantante della gleba P. I. Kovaleva-Zhemchugova (1803-XNUMX) brillava nella compagnia di Sheremetev. Un'interessante evoluzione nel XNUMX° secolo. subisce la creatività musicale. Tra la nobiltà, le canzoni popolari russe sono ampiamente distribuite, così come la stilizzazione dello stile popolare della canzone. 5. Pittura Un tratto caratteristico della pittura del XVIII secolo. - liberazione dai temi di culto. Un posto speciale nella pittura russa del XVIII secolo. ha fatto il ritratto. Il realismo inizia ad apparire nei ritratti di L. P. Antropov (1716-1795). L'artista della gleba Sheremeteva I. P. Argunov (1729-1802) lavorò con successo nel genere del ritratto. La ritrattistica russa di questo periodo è di importanza mondiale, in particolare spiccano tre maestri: 1) Dmitrij Levitsky; 2) Vladimir Borovikovsky; 3) Fedor Rokotov. Insieme a un magnifico ritratto formale nell'opera di F. S. Rokotov (1736-1808), appare un ritratto intimo e informale, in cui tutta l'attenzione non è rivolta agli abiti magnifici, ma al viso di una persona. Il lavoro di D. G. Levitsky (1735-1822) è vario e ampiamente rappresentato. I ritratti cerimoniali di Levitsky, ammirando lo splendore degli abiti, trasmettono la ricchezza della trama del soggetto. Esempi di questo sono il ritratto del più ricco allevatore P. A. Demidov; una serie di ritratti di alunni nobili dell'Istituto Smolny - ragazze adolescenti sotto forma di donne secolari (E. I. Nelidova, E. N. Khrushchova e altri). DG Levitsky dipinse ritratti di Diderot, Catherine P. Il proseguitore delle tradizioni di Levitsky fu VL Borovikovsky (1757-1825), nei cui ritratti l'arte dello psicologismo raggiunse l'apice della perfezione. Il maestro è vicino al sentimentalismo (i ritratti della sognante e languida M. I. Lopukhina sono uno dei migliori esempi di questo genere; l'imperatrice Caterina II, che cammina nel giardino con abiti semplici, senza alcun attributo della sua posizione reale, per la quale Borovikovsky è stato premiato il titolo di accademico). 6. Architettura, scultura Nella prima metà del XVIII sec. lo stile dominante nell'architettura era il barocco. È caratterizzato dalla creazione di enormi complessi, caratterizzati da solennità, splendore, abbondanza di stucchi, sculture, colonne. Nella seconda metà del XVIII sec. il barocco è sostituito dal classicismo. La figura più eclatante della metà del XVIII secolo fu V. V. Rastrelli (1700-1771). I suoi principali capolavori architettonici sono: 1) un palazzo a Peterhof; 2) l'ensemble del palazzo a Carskoe Selo; 3) Monastero di Smolny vicino a San Pietroburgo. Costruì magnifici palazzi, templi, padiglioni, complessi suburbani, ecc. Nel 1754-1762. Rastrelli eresse un nuovo Palazzo d'Inverno più o meno nello stesso luogo in cui sorgeva il Palazzo d'Inverno di Pietro I. Nella seconda metà del XVIII sec. compaiono alcuni dei più grandi architetti russi di talento. Nel loro lavoro, il classicismo russo ha acquisito le sue caratteristiche principali. V. I. Bazhenov (2-1737) - il grande architetto russo, uno dei primi rappresentanti del classicismo russo. Subì un tragico destino: il progetto di un grandioso palazzo al Cremlino di Mosca fu approvato, ma non attuato. Il suo secondo lavoro fu la progettazione e la costruzione del palazzo reale di campagna nel villaggio. Tsaritsyno vicino a Mosca - fu portato alla fine della costruzione, ma, per ordine di Caterina II, fu distrutto a causa della vicinanza di Bazhenov a Novikov. Per molti anni, V.I. Bazhenov ha eseguito ordini da privati e solo negli anni '1799. 90mo secolo creò un progetto per il castello di Mikhailovsky, costruito per Paolo I nel 1797-1800. architetto Brenn. Insieme all'architettura del palazzo e del parco nel XVIII secolo, la costruzione di edifici pubblici stava diventando sempre più importante. Uno dei primi edifici di questo tipo è il famoso Ammiragliato di San Pietroburgo dell'architetto russo I.Korobov (1700-1747). Il grande architetto russo M. F. Kazakov (1738-1812) diede un grande contributo alla costruzione di grandi edifici pubblici a Mosca. Essendo uno degli studenti e ammiratori di V.I. Bazhenov, ha continuato a migliorare le caratteristiche del classicismo russo, rendendolo ancora più rigoroso e semplice. Un meraviglioso esempio della creatività di Kazakov è l’edificio del Senato al Cremlino di Mosca. Contemporaneamente agli architetti russi, anche gli stranieri hanno lavorato con successo in Russia. Tra questi, i più talentuosi furono lo scozzese Charles Cameron e l'italiano Giacomo Quarenghi. Uno dei primi esempi di classicismo fu l'imponente edificio dell'Accademia delle Arti, costruito in un quarto di secolo (1763-1788). Per creare in Russia l'Accademia delle Arti, dove potevano studiare pittori, scultori, architetti, cioè una sorta di centro d'arte, fu ideato da Pietro I. Questa idea fu realizzata dalla figlia Elisabetta alla fine del suo regno - in 1757 a San Pietroburgo. Anche l'architetto I. E. Staroye (1745-1808) aderì ai canoni del classicismo. La sua opera più famosa è il Palazzo Tauride del principe G. A. Potemkin-Tavrichesky a San Pietroburgo (1783-1789). Ha anche costruito la Cattedrale di Alexander Nevsky Lavra. Fu Starov a creare il tipo classico di palazzo-tenuta, utilizzando una composizione speciale con l'edificio principale e le ali laterali (depandance) portate avanti (ai proprietari terrieri russi piaceva molto questo schema). Infine, non si possono non citare le magnifiche realizzazioni degli scultori russi del 1740° secolo. Tra i primi c'è il famoso F. I. Shubin (1805-XNUMX). Le tendenze del realismo, le nitide caratteristiche del ritratto sono espresse nel suo lavoro in modo chiaro, in rilievo. I busti ritratto di Shuba sono progettati per un'ispezione a XNUMX gradi. Il gioco di ombre e luci sulla superficie del marmo o del bronzo conferisce alla scultura una particolare vivacità ed espressività. Un'intera galassia di maestri eccezionali ha lavorato nel campo della scultura decorativa in quest'epoca: 1) FG Gordeev; 2) M. I. Kozlovsky; 3) IP Prokofiev; 4) FF Shchedrin; 5) I.P. Martos. Hanno prodotto notevoli esempi di scultura decorativa e monumentale. Di particolare rilievo è il monumento a Pietro I, realizzato dallo scultore francese Falcone (1716-1791). In generale, tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo. il pubblico prediligeva le sculture basate su soggetti mitologici e storici. Pertanto, M. I. Kozlovsky (1753-1802) era molto popolare, poiché nel suo lavoro si rivolse principalmente alla mitologia antica e alle tradizioni bibliche. CONFERENZA N. 8. L'età d'oro della cultura russa. 1a metà 1. Caratteristiche generali della cultura di questo periodo Il destino della Russia nella prima metà del XNUMX° secolo era ambiguo. Questi anni iniziarono con la vittoria nella guerra patriottica e si conclusero con la fallita guerra di Crimea. La prima metà del 1° secolo, l'epoca di Pushkin, è chiamata l'età d'oro della cultura russa. Il suo inizio ha coinciso con l'era del classicismo nella letteratura e nell'arte russa. Dopo la sconfitta dei Decabristi, iniziò una nuova ascesa nel movimento sociale. Ciò ha dato speranza che la Russia avrebbe gradualmente affrontato le sue difficoltà. Il paese ha ottenuto in questi anni i successi più impressionanti nel campo della scienza e soprattutto della cultura. La prima metà del secolo diede alla Russia e al mondo Pushkin e Lermontov, Griboedov e Gogol, Belinsky e Herzen, Glinka e Dargomyzhsky, Bryullov, Ivanov e Fedotov. 2. Sviluppo dell'istruzione, della letteratura e della scienza Durante il periodo delle trasformazioni dell'inizio del XIX secolo. il sistema di istruzione pubblica è stato riformato. Nel 1803 furono creati sei distretti educativi guidati da amministratori e quattro categorie di istituzioni educative. Secondo la Carta del 1804, le università diventavano centri per la formazione del personale pedagogico, svolgevano l'orientamento metodologico delle scuole del distretto educativo. Nel 1802 fu restaurata l'Università di Dorpat, nel 1804 furono fondate università a Vilna, Kazan e Kharkov. Le università godevano di importanti diritti di autogoverno. All'inizio del secolo apparvero istituzioni educative chiuse per nobili: licei (a Yaroslavl, Odessa, Tsarskoye Selo), furono aperti istituti di istruzione superiore (Istituto commerciale, Istituto di comunicazioni). Già all'inizio del 1813° secolo. NM Karamzin ha scritto dell '"amore per la lettura in Russia". Nel 66 c'erano 64 tipografie in Russia. Il numero di periodici entro la metà del secolo era cresciuto da 200 titoli a XNUMX. Basandosi sui risultati della scienza europea, gli scienziati russi hanno ottenuto grandi successi. I centri del pensiero scientifico erano: 1) Accademia delle Scienze; 2) università; 3) società scientifiche. La matematica ha ottenuto successi eccezionali: 1) N. I. Lobachevsky (creatore della geometria non euclidea); 2) P.V. Chebyshev; 3) l'astronomo V. Ya. Struve; 4) chimico N. N. Zinin. Il livello di sviluppo della scienza mondiale corrispondeva alle scoperte e alle invenzioni del professor V. V. Petrov (elettrochimica ed elettrometallurgia), dell'accademico B. S. Jacobi (galvanica), P. L. Schilling (telegrafo elettromagnetico), P. P. Anosov (metallurgia). Nuove idee in medicina e fisiologia sono state avanzate da N. I. Pirogov. Tra gli storici di questo periodo spicca il professore dell'Università di Mosca T. N. Granovsky. Nel 1811, i marinai russi guidati dal capitano V. M. Golovkin (1776-1831) esplorarono le Isole Curili. F. P. Litke (1797-1882) esplorò l'Oceano Artico, le coste della Kamchatka e dell'America, fondò la Russian Geographical Society. Nel 1819, la Russia inviò una spedizione nei mari polari meridionali su due sloop guidati da F. F. Bellingshausen (1778-1852). Le principali scoperte geografiche nell'Estremo Oriente russo sono associate al nome di G. I. Nevelsky (1813-1876). Nel 1819 iniziò la persecuzione nelle università e in esse furono istituiti dipartimenti teologici. La rigida carta "di ghisa" del 1828 per gli istituti di istruzione inferiore e secondaria stabiliva che i figli di "persone di rango inferiore" dovessero studiare nelle scuole parrocchiali, i figli di mercanti, artigiani e altri orozhan nelle scuole della contea e i figli di nobili e funzionari nelle palestre. Nel 1835 le università furono private dello status di centri scientifici, nonché dell'autonomia interna. Per la formazione del personale qualificato sono stati aperti istituti di istruzione superiore tecnica: 1) Scuola professionale di Mosca; 2) Scuola di architettura; 3) Accademia medica e chirurgica di San Pietroburgo; 4) Istituto Lazarevsky di Lingue Orientali di Mosca; 5) Scuole e accademie spirituali, militari. Pensiero pubblico in Russia all'inizio del XIX secolo. sviluppato nella tradizione dell'Illuminismo. Idee diffuse: 1) Montesquieu; 2) Diderot; 3) Voltaire; 4) Rousseau. Tuttavia, solo una piccola parte della società ha ritenuto necessario riformare il governo autocratico e abolire la servitù della gleba. La maggior parte della nobiltà e della burocrazia erano conservatrici. 1a metà del 1815° secolo divenne il momento della formazione della lingua letteraria russa. La terminologia scientifica russa è stata ampliata: sono stati aperti dipartimenti verbali nelle università. "Liberato la lingua dal giogo alieno" N. M. Karamzin. I seguaci di Karamzin crearono l'associazione "Arzamas" (1818-XNUMX). 3. Letteratura e pensiero sociale Nella letteratura della prima metà del XIX secolo. coesistevano diverse direzioni artistiche: 1) classicismo; 2) sentimentalismo; 3) preromanticismo; 4) romanticismo; 5) realismo. In questo momento, A. S. Pushkin, M. Yu. Lermontov, N. V. Gogol creano le loro opere. Il significato della letteratura in Russia nella prima metà del secolo era enorme. Nelle società scientifiche e letterarie, nei circoli di studenti e insegnanti, nei salotti laici, si discuteva di problemi politici di attualità. Una tappa importante nello sviluppo dell'identità nazionale fu la guerra patriottica del 1812. Allo stesso tempo, dopo la guerra, i sentimenti religiosi si intensificarono nella società. Temendo l'influenza del movimento rivoluzionario europeo, il governo aumentò il controllo politico all'interno del paese. Nel 1814-1815. le prime organizzazioni segrete sorsero nell'esercito, il cui compito era quello di cambiare il sistema esistente. Nel 1816, su iniziativa dei fratelli Muravyov, S. P. Trubetskoy, dei fratelli Muravyov-Apostles e I. D. Yakushkin, fu creata l'Unione della Salvezza. L'Unione contava circa 200 membri. Al congresso tenutosi nel gennaio 1821, le opinioni furono divise sul programma d'azione dell'Unione. La leadership ha annunciato lo scioglimento del Welfare Union. Ma subito dopo sorsero simultaneamente le società cospirative del Nord e del Sud. Nel 1824, la Southern Society adottò un documento programmatico ("Russian Truth" di PI Pestel). La Società del Nord ha adottato la "Costituzione" di Nikita Muravyov. Nel 1824, durante le trattative, si decise di convocare un congresso all'inizio del 1826 per unire le due società. Ma nel novembre 1825 Alessandro I morì improvvisamente a Taganrog e, dopo che la questione della successione al trono fu chiarita, il giuramento al nuovo imperatore Nikolai Pavlovich era previsto per il 14 dicembre 1825. I leader della Società del Nord, K. F. Ryleev e A. A. Bestuzhev, ha deciso di agire. Nicholas I venne a conoscenza della cospirazione. Delle 579 persone coinvolte nelle indagini, 289 sono state giudicate colpevoli. KF Ryleev, P. I. Pestel, S. I. Muravyov-Apostol, M. P. Bestuzhev-Ryumin, P. G. Kakhovsky furono impiccati il 13 luglio 1826. A. I. Herzen ha chiamato il periodo successivo alla sconfitta dei Decabristi "il tempo della schiavitù esterna". La carta della censura del 1826 vietava tutto ciò che "indebolisce il rispetto" per le autorità. Negli anni '30. XNUMXesimo secolo è in fase di sviluppo: 1) il genere della storia (A. A. Bestuzhev-Marlinsky, V. F. Odoevsky); 2) romanzo storico (A.S. Pushkin, N.V. Gogol). Nella poesia spiccano gli autori della cosiddetta galassia Pushkin. Inizio del XIX secolo - il tempo di formazione del giornalismo russo. Il numero di giornali e riviste è notevolmente aumentato, la loro diffusione è aumentata, anche se anche le pubblicazioni più popolari sono state stampate in non più di 1 copie. Tra le riviste russe, Vestnik Evropy, fondata da N. M. Karamzin, era particolarmente popolare. Nella seconda metà degli anni '2 - primi anni '20. 30esimo secolo In Russia si formarono numerosi circoli segreti. I loro membri discutevano di problemi politici e filosofici, cercavano di comprendere gli eventi del 14 dicembre 1825 e leggevano la letteratura proibita. All'Università di Mosca furono creati cerchi: V. G. Belinsky, A. I. Herzen, N. V. Stankevich e altri, la maggior parte dei quali fu dispersa dalla polizia. La censura sempre crescente era diretta principalmente contro i periodici, che giocavano un ruolo importante nella lotta ideologica. Nel 1836, la rivista "Telescope" pubblicò una delle "Lettere filosofiche" di P. Ya. Chaadaev (1794-1856), un pensatore brillante e originale. S. S. Uvarov, che divenne ministro della Pubblica Istruzione, propose di introdurre un'educazione "veramente russa", che si basava su tre principi inseparabili: ortodossia, autocrazia, nazionalità. La teoria della "nazionalità ufficiale" di S. S. Uvarov divenne la base dell'ideologia dell'era Nikolaev. Negli anni '1830 e '40 dell'Ottocento si formano le principali direzioni del pensiero sociale, a partire dalla necessità di trasformazioni in Russia. I loro rappresentanti si chiamavano: 1) slavofili; 2) occidentali; 3) rivoluzionari. 4. Teatro Il teatro iniziò a svolgere un ruolo sempre più importante nella vita pubblica. I centri della vita teatrale erano il Teatro Maly di Mosca (dal 1824) e il Teatro Alexandrinsky di San Pietroburgo (dal 1832). I teatri esistevano in molte città della Russia. Nel 1825, il Teatro dell'Opera e del Balletto Bolshoi iniziò ad operare a Mosca. Sono stati messi in scena sia "Woe from Wit" di A. S. Griboyedov che "L'ispettore generale" di N. V. Gogol. Compositori come A. A. Alyabyev, A. L. Gurilev, A. E. Varlamov hanno scritto canzoni e romanzi basati su poesie di poeti russi. La formazione della scuola nazionale russa di musica è associata al nome di M. I. Glinka (1804-1857), autore di romanzi, opere sinfoniche, opere classiche A Life for the Tsar (1836), Ruslan e Lyudmila (1842). AS Dargomyzhsky (1813-1869) è stato un innovatore nella musica. Sebbene le compagnie straniere e i teatri dei servi continuassero a svolgere un ruolo importante nella vita teatrale della Russia, alcuni proprietari terrieri russi divennero imprenditori teatrali. I loro teatri furono trasformati in pubblici. Negli stessi anni, l'opera A Life for the Tsar di Glinka fu messa in scena al Teatro Bolshoi (successivamente fu rappresentata sul palcoscenico sovietico sotto il nome di Ivan Susanin). La luminosità dei colori musicali, l'ingegnosa leggerezza della tecnica e la semplicità classica si distinguono anche per un'altra opera di Glinka - Ruslan e Lyudmila, che è stata accolta freddamente dal pubblico. La trama di Pushkin ha anche costituito la base dell'opera "Mermaid" di AS Dargomyzhsky. Quest'opera ricevette anche una fredda accoglienza da parte del pubblico, abituato alla musica dei compositori italiani. 5. Pittura L'inizio del XNUMX° secolo è chiamato l'età d'oro della pittura russa. In questo momento, gli artisti russi hanno raggiunto un livello di abilità che ha messo le loro opere alla pari con i migliori esempi dell'arte europea. Il primato è rimasto con il genere storico. Un noto ritrattista di questo periodo fu O. A. Kiprensky (1782-1836). La sua pittura attrae con caldi toni dorati nello spirito dell'artista olandese Rembrandt. Intorno al 1808-1809 Kiprensky ha scritto "Ritratto di un ragazzo A. A. Chelishchev". L'artista sembrava predire lo straordinario destino del suo eroe: all'età di 15 anni partecipò già alla Guerra Patriottica del 1812 e raggiunse Parigi. Le immagini femminili di Kiprensky hanno una grande profondità. V. A. Tropinin (1776-1857) nacque in una famiglia di servi, il conte Morkov. Un carattere forte e l'amore per l'arte lo hanno aiutato a difendere il suo diritto a fare ciò che ama. Nel 1823, su pressione del pubblico, il conte diede la libertà a Tropinin. Nello stesso anno, l'artista presentò all'Accademia le opere "Portrait of the Artist Skotnikov" (1821), "The Old Beggar Man" e "The Lacemaker" (entrambi nel 1823). Dopo aver ricevuto la libertà, l'artista si stabilì a Mosca. Nel periodo dagli anni '20 agli anni '40. 1827esimo secolo il maestro era insolitamente popolare e scrisse molte opere. Tra questi ci sono un ritratto di Pushkin (1846) - molto semplice e "familiare", "Autoritratto con una tavolozza sullo sfondo del Cremlino" (XNUMX), ecc. Il famoso artista S. F. Shchedrin (1791-1830) fu uno dei primi a scoprire l'insolito effetto cromatico del sentiero illuminato dalla luna, che divenne molto popolare nella pittura russa a metà e seconda metà del XIX secolo. Il suo lavoro ha anticipato le scoperte dei pittori impressionisti francesi. K. P. Bryullov (2-1799) riuscì a trovare il mezzo aureo tra il classicismo che dominava la pittura accademica e le nuove tendenze romantiche. La prima grande opera del diciottenne Alexander Ivanov (18-1806) su una trama dell'Iliade di Omero - "Priamo chiede ad Achille il corpo di Ettore" (1858) - dimostrò che padroneggiava perfettamente lo stile accademico della pittura. Nel dipinto "L'apparizione di Cristo a Maria Maddalena" (1824-1834), le pose e i gesti classici degli eroi si combinano con l'illuminazione cristiana dei loro volti, un senso di miracolo. Per questa foto, Ivanov ha ricevuto il titolo di accademico. Per più di 1836 anni, l'autore ha lavorato al dipinto "L'apparizione di Cristo al popolo". 6. Architettura e scultura Nell'architettura del XIX secolo dominato dal classicismo. Gli edifici costruiti in questo stile si distinguono per un ritmo chiaro e calmo, proporzioni corrette; rispettano chiaramente leggi di composizione architettonica quali: 1) simmetria; 2) sottolineando il centro; 3) l'armonia generale delle parti e del tutto. C'erano differenze significative nell'architettura di San Pietroburgo e Mosca. Anche a metà del XVIII sec. Pietroburgo era una città di capolavori architettonici, immersa nel verde dei possedimenti ed era per molti versi simile a Mosca. Poi iniziò la regolare edificazione della città lungo i viali che la tagliavano, raggi divergenti dall'Ammiragliato. Il classicismo di San Pietroburgo non è l'architettura dei singoli edifici, ma di interi insiemi che stupiscono per la loro unità e armonia. I lavori per razionalizzare il centro della nuova capitale iniziarono con la costruzione dell'edificio dell'Ammiragliato secondo il progetto di A. D. Zakharov (1761-1811). La costruzione era di fondamentale importanza all'inizio del XIX secolo. l'edificio dello scambio sulla pista dell'isola Vasilyevsky. Il nuovo edificio ha unito il resto degli insiemi in questa parte della città. Il progetto della Borsa e il disegno della freccia furono affidati all'architetto francese Thomas de Thomon. Nevsky Prospekt, l'arteria principale di San Pietroburgo, ha acquisito la forma di un unico insieme sin dalla sua costruzione nel 1810-1811. Cattedrale di Kazan. Fu costruito sul modello di S. Pietro a Roma dall'architetto A. N. Voronikhin (1759-1814). Nel 1806, A. N. Voronikhin ricevette l'ordine di ricostruire gli edifici del Mining Cadet Corps (dal 1833 - Mining Institute). Avendo preservato gli edifici esistenti, Voronikhin li ha uniti con una facciata comune: rigorosa, priva di dettagli decorativi. L'edificio è decorato con una serie di opere scultoree basate su scene antiche, che simboleggiano lo scopo di questa istituzione. Sono stati realizzati dagli scultori V. I. Demut-Malinovsky (1779-1846) e S. Pimenov (1784-1833). Per quarant'anni, dal 1818 al 1858, a San Pietroburgo fu costruita la cattedrale di Sant'Isacco, il più grande edificio eretto in Russia nella prima metà del XIX secolo. Il progetto è stato sviluppato dall'architetto francese O. Montferrand (1-1786). I motivi trionfali della Colonna di Alessandro erano incarnati nella decorazione scultorea dell'arco del Palazzo di Stato Maggiore, che inghiottiva la Piazza del Palazzo da sud. Allo stesso tempo, l'edificio dello Stato maggiore, costruito secondo il progetto di K. I. Rossi, sembrava ripetere i solenni motivi principali dell'Ammiragliato, situato obliquamente rispetto ad esso. Pertanto, l'ensemble di Palace Square era collegato all'ensemble di Admiralteisky Prospekt. L'ultimo lavoro sulla formazione degli ensemble di San Pietroburgo è associato al lavoro di K. I. Rossi (1775-1849). Gli edifici sono stati costruiti secondo il suo progetto. 1. Senato e Sinodo. 2. Teatro di Alessandria. 3. Palazzo Mikhailovsky (ora Museo Russo). Non limitato alla costruzione di singoli edifici, il famoso maestro ricostruì le strade e le piazze ad essi adiacenti. Queste opere acquisirono una tale portata che sembrò che Rossi fosse vicino a realizzare il suo sogno: trasformare l'intera città in un'opera d'arte. Tuttavia, l'architetto non tenne conto delle necessità quotidiane della gente che viveva in città e le sue creazioni iniziarono a trasformarsi in grandiose decorazioni. Le manifestazioni del classicismo di Mosca erano caratteristiche dei singoli edifici. Anche l'incendio del 1812 non eliminò la diversità delle strade di Mosca, la pittoresca casualità degli edifici. Nel 1813 fu organizzata la Commissione per la Restaurazione di Mosca, che per trent'anni fu impegnata nella ristrutturazione della città. Nello stesso anno, O. I. Bove (1784-1834) tornò a Mosca dalla milizia popolare, dopo aver ricevuto l'incarico di architetto. Nei primi decenni dell'Ottocento Mosca ha assunto un nuovo look. E in questo, insieme a Osip Bove, Domenico Gilardi (1785-1845) ebbe un ruolo importante. La prima grande opera dell'architetto fu il restauro dell'Università di Mosca dopo l'incendio del 1812. Gilardi mantenne la composizione dell'edificio costruito da M. F. Kazakov, ma cambiò la facciata. Allo stesso tempo, l'architetto Stasov ha continuato il suo lavoro. I suoi edifici più famosi erano due chiese di San Pietroburgo: la Trasfigurazione e la Trinità. Per la Cattedrale della Trasfigurazione (1827-1829), l'architetto scelse una forma a cubo semplice ed espressiva. Nel progettare la Cattedrale della Trinità (1828-1835), il maestro non poté discostarsi dalle forme delle antiche chiese del XVIII secolo. Di conseguenza eresse un edificio a croce, completando ciascuna delle sporgenze della croce con un portico a 6 colonne e coronandola con una cupoletta su un tamburo liscio. Stasov occupò un posto speciale nell'architettura russa della prima metà del XIX secolo, dimostrando che una soluzione architettonica brillante non dipende dallo scopo dell'edificio. Nel 1839-1852. Secondo il progetto dell'architetto tedesco Leo Klenze, l'edificio del Nuovo Hermitage fu costruito a San Pietroburgo. Il calmo equilibrio delle sue parti, la decorazione in stile greco moderno, i potenti atlanti di granito all'ingresso - tutto ciò ha creato un'immagine impressionante del museo - un deposito di capolavori dell'arte mondiale. K. A. Ton (1794-1881) nel suo lavoro ha cercato di far rivivere le tradizioni dell'antica architettura russa. Costruì chiese a 5 cupole con strette finestre arrotondate, usò decorazioni russe e bizantine. Tutto questo era soggetto alle rigorose proporzioni e simmetria del classicismo, che Tone non poteva rifiutare. Nicholas Mi sono piaciute le opere di Ton nel 1838-1849. sotto la sua guida fu costruito il Gran Palazzo del Cremlino. Nel 1839, sulle rive del fiume Moscova, fu posta la Cattedrale di Cristo Salvatore per commemorare la liberazione della Russia dall'invasione napoleonica. Fiorì anche la scultura. Sulla Piazza Rossa fu eretto un monumento a Minin e Pozharsky, opera di I.P. Martos (1754-1835). Seguendo le tradizioni del classicismo, lo scultore ha vestito i suoi eroi con abiti antichi. Negli anni 40-50. 1805esimo secolo La Prospettiva Nevsky è stata decorata con sculture in bronzo di P. K. Klodt (1867-XNUMX) "Domatori di cavalli", installate sulle fondamenta del ponte Anichkov attraverso la Fontanka. Anche il monumento a Nicola I in piazza Sant'Isacco a San Pietroburgo appartiene a Klodt. CONFERENZA N. 9. La cultura della seconda metà dell'età dell'oro 1. Caratteristiche generali dell'epoca 2a metà del 1853° secolo - il momento della definitiva approvazione e consolidamento delle forme e tradizioni nazionali nell'art. A metà del XIX secolo. La Russia subì gravi sconvolgimenti: la guerra di Crimea del 1856-1855 si concluse con una sconfitta, l'imperatore Nicola I morì, Alessandro salì al trono //effettuò la tanto attesa abolizione della servitù della gleba e altre riforme. Anni di governo 1881-XNUMX. Il "tema russo" divenne popolare nell'arte. La cultura russa non era isolata entro i confini nazionali, non era separata dalla cultura del resto del mondo. I risultati dell'arte straniera risuonarono in Russia. A sua volta, la cultura russa, principalmente letteratura e musica, ha ricevuto riconoscimenti in tutto il mondo. La cultura russa ha preso un posto d'onore nella famiglia delle culture europee. 2. Istruzione Il sistema di istruzione pubblica esistente non soddisfaceva lo sviluppo sociale ed economico del paese. Il basso tasso di alfabetizzazione della popolazione generale e la carenza di professionisti istruiti hanno indicato la necessità di un cambiamento. Pertanto, la riforma dell'istruzione pubblica divenne parte integrante delle riforme degli anni '1860 dell'Ottocento. L'era della liberazione ha dato un forte impulso allo sviluppo culturale della Russia, ha contribuito a una crescita senza precedenti del numero di scuole rurali e urbane. L'eredità dell'era dei servi era il basso livello di alfabetizzazione delle persone. Anche a San Pietroburgo alla fine degli anni '60. 7esimo secolo la percentuale di analfabeti (esclusi i bambini sotto i 44 anni) era del 1871%. A Mosca, secondo il censimento del 55, il XNUMX% era analfabeta. Sul tema dell'istruzione secondaria si è aperta una lunga discussione tra i sostenitori della scuola vera e quella classica. I sostenitori della direzione classica hanno avuto il sopravvento, affidandosi ai ministri conservatori dell'istruzione pubblica D. A. Tolstoj e I. D. Delyanov. Il "Regolamento sulle scuole pubbliche elementari" del 14 giugno 1864 ha introdotto, oltre alle scuole statali, zemstvo e domenicali. Lo statuto delle palestre e dei progymnasium, approvato il 19 novembre 1864, divideva gli istituti di istruzione secondaria - palestre - in classici e reali con un periodo di studio di 7 anni. Le tasse universitarie erano piuttosto alte. Nel 1865 c'erano 96 palestre, a metà degli anni '1890 dell'Ottocento. - circa 600. Nel 1897, il tasso medio di alfabetizzazione era del 21,1%. Allo stesso tempo, c'erano 2 volte più alfabetizzati in città che in campagna. L'alfabetizzazione era più comune tra gli uomini (29,3%) che tra le donne (13,1%). Il 18 giugno 1863 fu approvato un nuovo statuto per le università. L'autogoverno universitario è stato ripristinato. Nel periodo post-riforma sono state aperte nuove università in: 1) Odessa; 2) Varsavia; 3) Tomsk. Le università hanno insegnato a scienziati eminenti come: 1) AM Butlerov; 2) DI Mendeleev; 3) I. M. Sechenov; 4) SM Solovyov; 5) K. A. Timiryazev e altri. Lo statuto universitario del 23 agosto 1884 abolì di fatto l'autonomia delle università. Nel 1858 apparvero anche le palestre femminili. Prima di questo, le donne non potevano entrare nelle università. Negli anni 1860-70. i primi corsi superiori per donne con programma universitario furono organizzati a Mosca (Prof. V. I. Guerrier) ea San Pietroburgo (Prof. K. N. Bestuzhev-Ryumin). Dopo il 1881, si verificarono nuovamente cambiamenti nel campo dell'istruzione. E la famigerata circolare del Ministero della Pubblica Istruzione del 5 giugno 1887 ("sui figli del cuoco") introdusse una restrizione all'ingresso in palestra per impedire "l'ammissione dei figli di cocchieri, lacchè, cuochi, lavandaie, piccoli negozianti, ecc. di persone"; le tasse universitarie sono state aumentate. Dopo il permesso nel 1858 di discutere sulla stampa dei problemi della vita pubblica e delle attività del governo, il numero di periodici e titoli di libri aumentò notevolmente. Le "Regole provvisorie", approvate il 12 maggio 1862, consentivano addirittura la stampa di materiali critici in edizioni costose e inaccessibili alla gente comune. Ma poiché il procuratore capo e censore KP Pobedonostsev erano profondamente preoccupati per le biblioteche e le sale di lettura, nel 1888 il catalogo dei libri consentiti per la distribuzione ai lettori fu rivisto. 3. Scienza 2a metà del XNUMX° secolo divenne un periodo di nuove eccezionali scoperte della scienza russa, per il cui sviluppo furono create condizioni favorevoli. I contatti tra scienziati russi e colleghi dell'Europa occidentale sono ripresi. I. M. Sechenov 1829-1905) gettò le basi della fisiologia russa. II Mechnikov (1845-1916) fondò la scuola di microbiologia e patologia comparata. K. A. Timiryazev (1843-1920), studiando il processo di fotosintesi, gettò le basi per la scuola russa di fisiologia vegetale. 60-70 anni 1869esimo secolo chiamato l'età d'oro della chimica russa. La più grande scoperta di questo tempo fu la legge periodica degli elementi chimici (1834), scoperta da D. I. Mendeleev (1907-1828) e da lui registrata sotto forma di tabella. A. M. Butlerov (1886-XNUMX) sviluppò la teoria fondamentale della struttura chimica. Le scoperte nel campo della tecnologia hanno portato fama mondiale agli scienziati russi. Queste sono le invenzioni di P. N. Yablochkov (1847-1894): una lampada ad arco e un sistema di illuminazione elettrica da lui sviluppato; AN Lodygina (1847-1923) - una lampada a incandescenza elettrica; AF Mozhaisky (1825-1890) - il primo aereo brevettato al mondo (1881). AF Mozhaisky studiò il volo degli uccelli, realizzò modelli e nel 1881 iniziò a costruire un aereo con due motori a vapore con una capacità di 20 e 10 cavalli. P. L. Chebyshev (1821-1894) fece importanti scoperte nel campo dell'analisi matematica, della teoria dei numeri e della teoria della probabilità. Ha gettato le basi per la scuola matematica di Pietroburgo. A. G. Stoletov (1839-1896) ha svolto un ruolo eccezionale nello sviluppo della fisica. È titolare di numerosi studi nel campo dei fenomeni fotoelettrici, successivamente utilizzati nella creazione della moderna tecnologia elettronica. La scoperta del significato mondiale fu l'invenzione del radiotelegrafo. A. S. Popov (1859-1905), che affrontò questo problema, non riuscì a realizzare appieno le sue idee: i tentativi di stabilire comunicazioni radio nella marina incontrarono scetticismo e incomprensione del comando. I risultati degli scienziati russi nel campo della ricerca geografica sono stati di particolare importanza. I viaggiatori russi hanno visitato luoghi dove nessun europeo aveva mai messo piede prima. Nella seconda metà del XIX sec. i loro sforzi erano concentrati sull'esplorazione dell'interno dell'Asia. P. P. Semenov-Tyan-Shansky (1827-1914), capo della Russian Imperial Geographical Society, esplorò il Tien Shan, organizzò una serie di importanti spedizioni in Asia centrale (N. M. Przhevalsky), in Nuova Guinea (N. N. Miklukho -Maclay), ecc. . La scienza geografica mondiale in quegli anni si basava in gran parte sui risultati dei ricercatori russi. Entro la fine del XIX secolo. finì l'era delle scoperte geografiche. E solo le distese ghiacciate dell'Artico e dell'Antartico conservavano ancora molti dei loro segreti. L'eroica epopea, in cui i ricercatori russi hanno preso parte attiva, è continuata all'inizio del XX secolo. S. M. Solovyov (1820-1879) e il suo studente V. O. Klyuchevsky (1841-1911) lavorarono attivamente nel campo della scienza storica. In filosofia sono stati creati scritti originali: 1) V. S. Solovyov; 2) KN Leontiev; 3) S. N. Trubetskoy. Nella seconda metà del XIX sec. Gli scienziati russi hanno ottenuto un successo significativo in vari rami della conoscenza. Mosca e San Pietroburgo sono tra i centri scientifici del mondo. 4. Letteratura e pensiero sociale Narrativa della seconda metà del XIX secolo. ha continuato le tradizioni di A. S. Pushkin e N. V. Gogol. Lo scontro di idee, i problemi morali, i nuovi fenomeni nella vita pubblica, le modalità di sviluppo della Russia: questi e altri argomenti preoccupavano gli eroi delle opere di I. S. Turgenev, F. M. Dostoevsky, L. N. Tolstoj. Nel 2 apparvero le prime storie di A.P. Cechov. Il tema delle persone era centrale nel lavoro di N. A. Nekrasov. Sottili opere liriche sono state create da A. A. Fet, F. I. Tyutchev. Nell'ultimo quarto del XIX sec. i giornali iniziano a circolare ampiamente in Russia. Tuttavia, le riviste sono rimaste il tipo principale di pubblicazioni basate sul tempo. Alla fine del XIX secolo. I giornali sono apparsi anche nelle province. L'attività editoriale di libri è diventata un ramo dell'imprenditorialità sempre più in via di sviluppo. Alcuni editori hanno cercato di dare alle loro attività un focus educativo. ID Sytin (1851-1934) iniziò con la pubblicazione di stampe popolari, libri dei sogni, oracoli. Quindi iniziò a stampare primer, calendari, narrativa e letteratura scientifica popolare - a un prezzo molto basso, contando sulla domanda di massa. Alla fine del XIX secolo. due case editrici (F.A. Brockhaus (Lipsia) e I.A. Efron (Pietroburgo)) decisero di pubblicare in Russia un'enciclopedia tedesca in russo con una piccola aggiunta di nuovo materiale. Tuttavia, di conseguenza, gli editori hanno creato un'enciclopedia russa indipendente. Il "Dizionario enciclopedico" di Brockhaus ed Efron, in 82 volumi, fu pubblicato nel 1890-1907. e divenne la migliore enciclopedia russa. 5. Musei. Teatro. Musica La Galleria Statale Tretyakov di Mosca è una delle più grandi collezioni di belle arti russe, un centro culturale nazionale di fama mondiale. Il museo porta il nome del fondatore, il mercante di Mosca P. M. Tretyakov (1832-1898), che nel 1892 donò alla città la sua pinacoteca, una piccola collezione di suo fratello e una casa che iniziò a essere ricostruita in un edificio museale. Tretyakov voleva creare un museo pubblico d'arte nazionale, fornendo "un quadro completo della nostra pittura". Nel 1881 aprì ai visitatori. I principali teatri del paese nella seconda metà del XIX secolo. Rimase ancora Piccola e Alessandrina. Attori e attrici di talento - P. A. Strepetova, M. N. Ermolova - si sono esibiti sul palco. Alla fine degli anni '70. XNUMXesimo secolo inizia l'attività teatrale del regista K. S. Stanislavsky. Pittura e vita musicale della seconda metà dell'Ottocento. segnato dall'emergere di nuovi talenti che hanno portato fama mondiale all'arte russa. Le loro opinioni estetiche furono influenzate dalle idee del movimento democratico degli anni '2 e '1850 dell'Ottocento. Nel 60 un gruppo di studenti dell'Accademia delle Arti, che ne abbandonarono le mura ("rivolta dei 1863"), organizzò l'"Artel of the Wanderers". Le stesse idee hanno ispirato i partecipanti del Circolo musicale di San Pietroburgo: 1) MA Balakireva; 2) MP Musorgskij; 3) N. A. Rimsky-Korsakov. Un posto speciale nella musica russa è occupato da P. I. Tchaikovsky, autore: 1) opere liriche; 2) balletti; 3) opere sinfoniche e da camera. Negli anni '60. 1836esimo secolo a San Pietroburgo, un piccolo gruppo di compositori si radunò, con l'intenzione di continuare il lavoro di M. I. Glinka. Successivamente, questo gruppo, secondo l'appropriata espressione del critico d'arte V.V. Stasov, fu chiamato "Mighty Handful". Il suo principale organizzatore e teorico fu M. A. Balakirev (1910-XNUMX). Oltre a lui, il "Mighty Handful" includeva: 1) MP Musorgskij; 2) NA Rimsky-Korsakov; 3) AP Borodin; 4) C.A. Cui. L'attività del "Mighty Handful" è un fenomeno così sorprendente nella cultura russa che i contemporanei ne parlavano come una "rivoluzione musicale" degli anni '1860 e '70 dell'Ottocento. Dopo aver affrontato il compito con brillantezza, il "Mighty Handful" ha finalmente approvato l'inizio della nazionale russa nella musica. PI Tchaikovsky (1840-1893) non è stato incluso nel "Mighty Handful". Gravitava verso forme musicali paneuropee, sebbene il suo lavoro appartenga indubbiamente alla scuola russa. Particolarmente brillantemente il suo talento si è manifestato nei poemi sinfonici "Romeo e Giulietta", "La tempesta". I balletti di Čajkovskij ("Il lago dei cigni", "La bella addormentata", "Lo schiaccianoci") sono diventati dei classici del balletto mondiale. 6. Pittura Il 9 novembre 1863, un folto gruppo di laureati dell'Accademia delle arti si rifiutò di scrivere opere in concorso sul tema proposto dalla mitologia scandinava. 14 studenti della classe di storia hanno presentato una petizione con aria di sfida per lasciare l'Accademia. Trovandosi senza laboratori e senza soldi, i ribelli si unirono in una specie di comune: l '"Artel of Artists", guidato dal pittore I. N. Kramskoy (1837-1887). Gli operai di Artel prendevano ordini per l'esecuzione di varie opere d'arte, vivevano nella stessa casa, si riunivano in una sala comune per conversazioni, discussioni di dipinti e lettura di libri. Questa organizzazione ha organizzato mostre annuali, le ha mostrate in diverse città della Russia e ha distribuito entrate tra i membri della Partnership. Sette anni dopo si sciolse, ma in quel momento nacque la "Associazione delle Mostre d'Arte Itinerante", un'associazione professionale-commerciale di artisti che si ergeva su strette posizioni ideologiche. Entro la metà degli anni '90. 1917 ° secolo La partnership ha perso il suo ruolo. In totale, fino al 45, si tennero 48 mostre; l'ultimo, il 1923°, fu organizzato nel XNUMX. Il maggiore dei Wanderers, che ha lavorato nel genere domestico, era G. G. Myasoedov (1834-1911). L'opera che gli ha portato il maggior successo è Zemstvo sta pranzando (1872). Il dipinto più famoso di un altro Wanderer - V. M. Maksimov (1844-1911) - "L'arrivo di uno stregone a un matrimonio contadino" (1875). Il significato accusatorio del quadro è evidente (a quel tempo era quasi un requisito obbligatorio per un'opera d'arte), che mostrava la superstizione e la poca illuminazione dei contadini. V. E. Makovsky (1846-1920) lavorò quasi esclusivamente nella pittura di genere. In una delle sue migliori opere, "On the Boulevard" (1886-1887), l'artista ha rappresentato un luogo specifico: il Tverskoy Boulevard a Mosca. Anche N. A. Yaroshenko (1846-1898) dipinse alcune tele, ma il dipinto "Life Everywhere" (1887-1888) gli portò fama. I. K. Aivazovsky (1817-1900), ancora studente, scelse il paesaggio marino come tema principale del suo lavoro. Stabilitosi a Feodosia, creò le migliori opere, le più famose: "The Ninth Wave" (1850). Un'altra opera eccezionale di Aivazovsky è Il Mar Nero (1881). L'artista spesso dipingeva a memoria e poteva creare un dipinto in due ore. Possedeva i talenti di un architetto, musicista, poeta, archeologo. I gioielli antichi che ha portato alla luce in Crimea sono ancora conservati nell'Ermitage. AK Savrasov è riuscito a mostrare la bellezza e il sottile lirismo di un semplice paesaggio russo. Il suo dipinto "The Rooks Have Arrived" (1871) ha permesso a molti contemporanei di dare uno sguardo nuovo alla loro natura nativa. I. I. Shishkin (1832-1898) divenne il cantante della foresta russa, l'epica latitudine della natura russa. AI Kuindzhi (1841-1910) fu attratto dal pittoresco gioco di luci e aria. La pittura di paesaggio russa del 1860° secolo raggiunse il suo apice. raggiunto nel lavoro dello studente di A. K. Savrasov I. I. Levitan (1900-XNUMX). Nella seconda metà del XIX sec. conto della fioritura creativa di I. E. Repin, V. I. Surikov e V. A. Serov. 7. Architettura e scultura Nella seconda metà del XIX sec. in connessione con l'espansione dell'uso del ferro e del vetro, l'inizio dell'uso del cemento, gli architetti si sono concentrati sulla funzionalità degli edifici. Nella seconda metà del XIX sec. l'architettura e la scultura erano in crisi. Il realismo dominava l'arte. Gli architetti si sono rivolti alle tradizioni storiche, ma in pratica ciò ha portato a una miscela di stili diversi. Una tale miscela di generi diversi in un'opera si chiama eclettismo. In questo momento, l'aspetto delle città sta cambiando rapidamente. Case popolari occupavano le strade centrali, affollando i palazzi. Teatri, musei, banche, grandi magazzini e stazioni ferroviarie rivaleggiavano con templi e palazzi per dimensioni e abbondanza di decorazioni. Allo stesso tempo, seguendo la moda dell'Europa occidentale, in Russia iniziarono a essere costruite gallerie commerciali. La costruzione del passaggio animava l'intero quartiere, e lungo di esso, come lungo un viale, si poteva camminare da una strada all'altra. Nel 1889-1893. Le file commerciali superiori furono costruite a Mosca (architetto A. N. Pomerantsev). Tendenze simili sono state osservate nel campo della scultura. Alla fine degli anni '50. 1862esimo secolo È stato bandito un concorso per la creazione di un monumento al Millennio della Russia. Doveva essere eretto a Novgorod nel 1835. M. O. Mikeshin (1896-1880) divenne il vincitore del concorso. Lo scultore ha raggiunto il successo solo abbandonando la monumentalità. Tale è il famoso monumento ad AS Pushkin su Tverskoy Boulevard a Mosca (1838) di Alexander Mikhailovich Opekushin (1923-XNUMX). Il monumento è piccolo; Questa è un'opera non progettata per un ampio spazio. Il poeta sta in piedi, pensando, in una posa libera. Lo scultore è riuscito a trasmettere un momento di ispirazione e a rendere sublime e bello l'aspetto modesto di Pushkin. CONFERENZA N. 10. La cultura russa dell'età dell'argento 1. Caratteristiche generali della cultura dell'età dell'argento Cultura russa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. ha ricevuto il nome dell'età dell'argento (termine N. A. Berdyaev). In questo periodo si incontrano due differenti correnti culturali: da un lato prevalgono tradizioni risalenti all'Ottocento, dall'altro emerge la tendenza alla ricerca di forme non tradizionali. Caratteristico di quest'epoca era il fatto che le scuole che si discostavano dai temi socio-politici nell'arte erano spesso considerate rappresentanti dell'opposizione (A. Blok e A. Bely, M. Vrubel, V. Meyerhold). Coloro che continuarono consapevolmente le tradizioni classiche furono visti come portavoce di idee democratiche generali. All'inizio del secolo, in Russia sorsero molte associazioni artistiche: il mondo dell'arte, l'Unione degli artisti russi, ecc. Apparvero le cosiddette colonie artistiche: Abramtsevo e Talashkino, che riunirono pittori, architetti e musicisti sotto lo stesso tetto . In architettura si promuove lo stile Art Nouveau. Una caratteristica della cultura dell'inizio del XX secolo è stata l'emergere e la rapida diffusione della cultura di massa urbana. L'esempio più eclatante di questo fenomeno è stato il successo senza precedenti di un nuovo tipo di spettacolo: il cinema. 2. Educazione e scienza La crescita del settore ha creato una domanda di persone istruite. Tuttavia, il livello di istruzione è leggermente cambiato: il censimento del 1897 registrava 21 alfabetizzati ogni 100 abitanti dell'impero e nel Baltico e nell'Asia centrale, tra le donne e nel villaggio, questo livello era inferiore. Gli stanziamenti del governo per la scuola sono aumentati dal 1902 al 1912. più di 2 volte. Dall'inizio del secolo è stata sollevata la questione dell'istruzione primaria obbligatoria (è stata adottata a livello legislativo nel 1908). Dopo la rivoluzione del 1905-1907. c'era una certa democratizzazione dell'istruzione superiore: erano consentite le elezioni di presidi e rettori, iniziarono a formarsi organizzazioni studentesche. Il numero di istituti di istruzione secondaria e superiore crebbe rapidamente: nel 1914 ce n'erano più di 200. Fu fondata l'Università di Saratov (1909). In totale, nel 1914 c'erano circa 100 università nel paese con 130mila studenti. In generale, il sistema educativo non rispondeva ai bisogni del Paese. Non c'era continuità tra i vari livelli di istruzione. nelle discipline umanistiche all'inizio del XX secolo. avviene una svolta importante. Le società scientifiche hanno iniziato a unire non solo l'élite scientifica, ma anche i dilettanti, tutti coloro che vogliono impegnarsi in attività di ricerca. I più famosi furono: 1) geografico; 2) storico; 3) società archeologiche e di altro tipo. Lo sviluppo delle scienze naturali è avvenuto in stretto contatto con la scienza mondiale. Il fenomeno più sorprendente è l'emergere del pensiero religioso e filosofico russo, un attributo della filosofia russa. Scuola storica russa all'inizio del XX secolo. ha vinto il riconoscimento mondiale. Gli studi di A. A. Shakhmatov sulla storia della cronaca russa, V. Klyuchevsky (periodo pre-petrino della storia russa) sono diventati ampiamente conosciuti nel mondo. I risultati nella scienza storica sono anche associati ai nomi: 1) P. N. Milyukov; 2) N. P. Pavlov-Silvansky; 3) A. S. Lappo-Danilevsky e altri. La modernizzazione del paese ha richiesto anche un nuovo afflusso di forze nella sfera delle scienze naturali. Nuovi istituti tecnici sono stati aperti in Russia. Scienziati di livello mondiale erano il fisico P. N. Lebedev, i matematici e i meccanici N. E. Zhukovsky e S. A. Chaplygin, i chimici N. D. Zelinsky e I. A. Kablukov. Mosca e San Pietroburgo sono diventate capitali scientifiche riconosciute del mondo. All'inizio del secolo, la "scoperta" geografica della Russia era ancora in corso. Enormi distese inesplorate hanno incoraggiato scienziati e viaggiatori a fare spedizioni rischiose. I viaggi di V. A. Obruchev, G. Ya. Sedov, A. V. Kolchak hanno guadagnato ampia popolarità. V. I. Vernadsky (1863-1945), un enciclopedico, uno dei fondatori della geochimica, la dottrina della biosfera, che in seguito formò la base della sua idea di noosfera, o sfera della mente planetaria, è tra i famosi scienziati di questo tempo. Nel 1903 fu pubblicato il lavoro del creatore della teoria della propulsione a razzo, K. E. Tsiolkovsky (1875-1935). I lavori di N. E. Zhukovsky (1847-1921) e I. I. Sikorsky (1889-1972) nella costruzione di aerei, I. P. Pavlov, I. M. Sechenov e altri erano di notevole importanza. 3. Letteratura. Teatro. Cinema Lo sviluppo della letteratura è stato in linea con le tradizioni della letteratura classica russa del XNUMX ° secolo, la cui personificazione vivente era L. N. Tolstoj. Letteratura russa dell'inizio del XX secolo. rappresentato dai nomi di A. P. Chekhov, M. Gorky, V. G. Korolenko, A. N. Kuprin, I. A. Bunin, ecc. Inizio del XX secolo fu il periodo di massimo splendore della poesia russa. Nacquero nuove tendenze: acmeismo (A. A. Akhmatova, N. S. Gumilyov), simbolismo (A. A. Blok, K. D. Balmont, A. Bely, V. Ya. Bryusov), futurismo (V. V. Khlebnikov, V. V. Mayakovsky) e altri. Questo periodo è stato caratterizzato da caratteristiche quali: 1) il pensiero modernista dei creatori di cultura; 2) forte influenza dell'astrattismo; 3) patronato. La stampa periodica ha acquisito grande importanza nella vita della società russa. Il rilascio (1905) della stampa dalla censura preliminare contribuì ad aumentare il numero dei giornali (alla fine del XIX secolo - 105 quotidiani, nel 1912 - 1131 giornali in 24 lingue) e ad aumentare la loro diffusione. Le più grandi case editrici - I. D. Sytin, A. S. Suvorin, "Knowledge" - hanno prodotto edizioni economiche. Ogni movimento politico aveva i propri organi di stampa. Ricca anche la vita teatrale, dove i teatri Bolshoi (Mosca) e Mariinsky (Pietroburgo) occupavano posizioni di rilievo. Nel 1898, K. S. Stanislavsky e V. N. Nemirovich-Danchenko fondarono il Moscow Art Theatre (originariamente il Moscow Art Theatre), sul cui palcoscenico furono messe in scena opere di Cechov, Gorky e altri. All'inizio del XX secolo. L'attenzione della comunità musicale è stata attirata dal lavoro di compositori russi di talento come: 1) A. N. Scriabin; 2) NA Rimsky-Korsakov; 3) S.V. Rachmaninov; 4) IF Stravinsky. Particolarmente popolare tra i vari segmenti della popolazione urbana fu quello che apparve a cavallo tra XIX e XX secolo. cinema; nel 1908 uscì il primo lungometraggio russo "Stenka Razin". Nel 1914 nel paese erano stati prodotti oltre 300 dipinti. 4. Pittura Nelle arti visive c'era una tendenza realistica - I. E. Repin, l'Associazione delle mostre itineranti - e tendenze d'avanguardia. Una delle tendenze era un appello alla ricerca della bellezza originale nazionale: le opere di M. V. Nesterov, N. K. Roerich e altri L'impressionismo russo è rappresentato dalle opere di V. A. Serov, I. E. Grabar (Unione degli artisti russi), K. A Korovina , P. V. Kuznetsova ("Golubayaroza") e altri. Nei primi decenni del XX sec. artisti uniti per organizzare mostre collettive: 1910 - la mostra "Jack of Diamonds" - P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, R. R. Falk, A. V. Lentulov, D. D. Burliuk e altri artisti famosi di questo periodo - K. S. Malevich, M. 3. Chagall, V. E. Tatlin. Un ruolo importante nello sviluppo degli artisti ha avuto contatti con l'arte occidentale, una sorta di "pellegrinaggio a Parigi". Un ruolo significativo nello sviluppo dell'arte russa è stato svolto dalla direzione artistica "World of Art", nata alla fine del XIX secolo. A Pietroburgo. Nel 1897-1898. S. Diaghilev organizzò e tenne tre mostre a Mosca e, dopo aver fornito sostegno finanziario, creò nel dicembre 1899 la rivista "World of Art", che diede il nome al movimento. "World of Art" ha aperto al pubblico russo la pittura finlandese e scandinava, gli artisti inglesi. Come associazione letteraria e artistica integrale, il "Mondo dell'Arte" esistette fino al 1904. La ripresa del gruppo nel 1910 non poté più restituire il suo antico ruolo. Gli artisti A. N. Benois, K. A. Somov, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky, L. S. Bakst e altri si sono uniti attorno alla rivista. , registi e decoratori teatrali, scrittori. I primi lavori di M. V. Nesterov (1862-1942), che si considerava uno studente di V. G. Perov e V. E. Makovsky, furono realizzati su argomenti storici in modo realistico. L'opera centrale di Nesterov è "Visione al giovane Bartolomeo" (1889-1890). K. A. Korovin (1861-1939) è spesso definito un "impressionista russo". In effetti, di tutti gli artisti russi dell'inizio del XIX-XX secolo. padroneggiava pienamente alcuni dei principi di questa direzione: una gioiosa percezione della vita, il desiderio di trasmettere sensazioni fugaci, un sottile gioco di luci e colori. Un grande posto nell'opera di Korovin era occupato dal paesaggio. L'artista dipinse anche viali parigini ("Paris. Capuchin Boulevard", 1906), viste spettacolari sul mare e natura della Russia centrale. Korovin ha lavorato molto per il teatro, ha progettato spettacoli. L'arte di V. A. Serov (1865-1911) è difficile da attribuire a una direzione specifica. Nel suo lavoro c'è posto sia per il realismo che per l'impressionismo. Soprattutto, Serov divenne famoso come ritrattista, ma fu anche un eccellente paesaggista. Dal 1899 Serov ha partecipato alle mostre dell'associazione "World of Art". Sotto la loro influenza, Serov si interessò al tema storico (l'era di Pietro I). Nel 1907 fece un viaggio in Grecia (dipinti "Odysseus and Nausicaa", "The Abduction of Europe", entrambi del 1910). Il grande artista russo M. A. Vrubel (1856-1910) è ampiamente conosciuto. L'originalità del suo modo pittorico consisteva nello schiacciamento senza fine della forma sull'orlo. M. A. Vrubel è l'autore di caminetti piastrellati con eroi russi, panchine con sirene, sculture ("Sadko", "Snow Maiden", "Berendey", ecc.). Originario di Saratov, V. E. Borisov-Musatov (1870-1905) ha lavorato molto all'aria aperta (in natura). Nei suoi schizzi, ha cercato di catturare il gioco dell'aria e del colore. Nel 1897 dipinse lo schizzo dell'Agave e un anno dopo apparve Autoritratto con sorella. I suoi personaggi non sono persone specifiche, l'autore stesso li ha inventati e li ha vestiti con canottiere, parrucche bianche, abiti con crinoline. I dipinti rivelano un mondo poetico e idealizzato di vecchi tranquilli "nidi nobili", lontano dalla confusione generale dell'era critica moderna. 5. Architettura e scultura Nell'architettura si è diffuso un nuovo stile: moderno con il suo caratteristico desiderio di enfatizzare lo scopo degli edifici residenziali e pubblici. Ha fatto ampio uso di: 1) affreschi; 2) mosaico; 3) vetrate; 4) ceramica; 5) scultura; 6) nuovi design e materiali. L'architetto F. O. Shekhtel (1859-1926) divenne un cantante dello stile Art Nouveau, la fioritura dell'architettura di questo stile in Russia è associata al suo nome. Durante la sua vita creativa, ha costruito una quantità straordinaria: palazzi di città e cottage estivi, edifici residenziali a più piani, edifici commerciali e industriali, banche, tipografie e persino bagni. Inoltre, il maestro progettò spettacoli teatrali, illustrò libri, dipinse icone, disegnò mobili e creò utensili per la chiesa. Nel 1902-1904. F. O. Shekhtel ha ricostruito la stazione ferroviaria di Yaroslavsky a Mosca. La facciata è stata decorata con pannelli di ceramica realizzati nel laboratorio Bramtsevo, l'interno - con dipinti di Konstantin Korovin. Nel 1° decennio del XNUMX° secolo, durante il periodo di massimo splendore dell'Art Nouveau, l'interesse per i classici iniziò a rinascere nell'architettura. Molti artigiani usavano elementi dell'ordine e dell'arredamento classici. Quindi c'era una direzione stilistica speciale: il neoclassicismo. A cavallo tra XIX e XX secolo. si formò una nuova generazione di scultori che si oppose alla direzione realistica. Ora la preferenza non è stata data a un'accurata descrizione della forma, ma alla generalizzazione artistica. Anche l'atteggiamento verso la superficie della scultura, su cui sono state conservate impronte o pile del maestro, è cambiato. Interessati alle caratteristiche del materiale, preferivano spesso il legno, la pietra naturale, l'argilla e persino la plastilina. A. S. Golubkina (1864-1927) e S. T. Konenkov, che divennero scultori di fama mondiale, sono qui particolarmente distinti. CONFERENZA N. 11. Cultura russa degli anni 20-30. XNUMX ° secolo 1. Caratteristiche generali dell'epoca La vita culturale dell'Unione Sovietica negli anni '1920-'30. contraddittorio: l'eliminazione dell'analfabetismo della popolazione adulta, la familiarizzazione con le conquiste della cultura, la pressione ideologica, la lotta contro ogni manifestazione di dissenso, la persecuzione della religione, l'espulsione di personalità culturali di spicco dal Paese e la repressione contro coloro che sono rimasti. Scrittori e compositori che hanno iniziato la loro vita creativa negli anni rivoluzionari hanno continuato a creare. Allo stesso tempo, nel paese esistevano varie tendenze letterarie e artistiche: dal realismo classico al modernismo nelle sue più diverse manifestazioni. La rivoluzione dell'ottobre 1917 cambiò la direzione dello sviluppo dell'arte russa. Nella prima metà degli anni '20. gli artisti continuavano le loro sperimentazioni e ricerche, ma la vita artistica subiva una crescente pressione ideologica da parte dello stato. Molti maestri furono costretti ad andare all'estero e gli altri furono perseguitati dalla stampa. Dalla metà degli anni '1920. la varietà delle direzioni creative iniziò gradualmente a scomparire. Le attività di scrittori, artisti, compositori e artisti erano controllate dalle autorità politiche. Nella valutazione di opere letterarie e artistiche, è emersa la loro appartenenza al partito. Negli anni '1930 nell'arte dell'URSS si afferma il "Grande stile". Le delizie d'avanguardia si sono rivelate del tutto inutili per la nuova società. Pertanto, dall'inizio degli anni '1930. si osservano i primi segni di un ritorno alla tradizione esteriore nella cultura. L'ideologia statale proponeva il realismo socialista come metodo artistico principale: l'arte accademica, progettata per educare le persone allo spirito della moralità comunista. Nel 1932, tutte le associazioni indipendenti furono bandite da uno speciale decreto governativo e fu creato un sistema statale di unioni creative: l'Unione degli artisti dell'URSS, l'Unione degli architetti dell'URSS, ecc. 2. Educazione e scienza. Sport Teorici del marxismo russo negli anni '1920. Stabilirono un’impronta ideologica secondo la quale in questo periodo ebbe luogo una “rivoluzione culturale”. Il censimento della popolazione del 1920 rivelò 54 milioni di analfabeti nel paese, quindi il compito di eliminare l'analfabetismo era uno dei principali. Furono create migliaia di scuole di alfabetizzazione (scuole educative). Insieme all’eliminazione dell’analfabetismo furono risolti anche i compiti di propaganda volti a consolidare l’ideologia bolscevica. Questo lavoro era supervisionato dal Glavpolitprosvet. La rete di club operai, sale di lettura e biblioteche stava aumentando. Le scuole FZU divennero una nuova forma di formazione per i lavoratori. Il personale fu formato anche nelle scuole tecniche, nelle scuole speciali e nelle scuole a breve termine. corsi. Il sistema di istruzione specialistica superiore e secondaria nel paese ha subito importanti cambiamenti. Durante le odi della guerra civile si è fatto molto per rendere le università accessibili ai lavoratori. Gli esami di ammissione furono annullati e tutti coloro che volevano entrare nelle università furono accettati. Negli anni '1920 sorse una forma speciale di istruzione superiore: le facoltà operaie (facoltà operaie). Sono state prese misure per cambiare radicalmente i curricula degli istituti di istruzione superiore e delle università, per rimuovere dalle università professori e insegnanti sleali al governo. Nel 1921 fu fondato a Mosca l'Institute of Red Professors (IKP) per formare insegnanti marxisti nell'istruzione superiore. Entro la fine degli anni '30. in tutte le repubbliche sindacali c'erano istituti di istruzione superiore e in tutte le loro capitali - università. In termini di numero di studenti che studiano nelle università e nelle scuole tecniche, l'Unione Sovietica è arrivata a uno dei primi posti al mondo. La costruzione su larga scala si sviluppò durante gli anni del primo piano quinquennale (1928-1933). In questo momento, gli istituti pedagogici, i college e le scuole tecniche hanno prodotto un numero significativo di specialisti. Il centro della vita scientifica era l'Accademia delle scienze di Mosca, che riunì i migliori scienziati tra le sue mura. Il governo sovietico, al fine di sviluppare la scienza e aumentare il numero di scienziati, ha avviato la creazione di accademie di scienze repubblicane, nonché di accademie di ramo (scienze mediche, ecc.). È stata organizzata un'intera rete di studi di progettazione e ingegneria, attraverso la quale le idee sono state introdotte nella produzione. Va notato che lo Stato ha sostenuto in una certa misura le scienze naturali e tecniche. Le discipline umanistiche si trovano in una posizione molto più difficile. Nel 1929, l'Accademia di scienze agrarie dell'Unione intitolata a V.I. V. I. Lenin (VASKHNIL, presidente - N. I. Vavilov). Fino alla sua morte nel 1936, il noto fisiologo russo IP Pavlov ha continuato le sue ricerche. L'allevatore I. V. Michurin ha ottenuto un grande successo. Un ruolo di primo piano nello sviluppo della scienza mondiale è stato svolto dall'Istituto di genetica dell'Accademia delle scienze dell'URSS, l'Istituto di coltivazione delle piante (VIR). Tuttavia, molti eminenti scienziati furono presto repressi, tra cui N. I. Vavilov, S. P. Korolev e altri Lo sviluppo di promettenti aree scientifiche (genetica, ecc.) Fu interrotto per molto tempo. Fu formato anche l'Istituto di Storia. Negli anni '30. 1 ° secolo l'insegnamento della storia si sviluppa nelle scuole secondarie e superiori. Il 1934 settembre XNUMX le facoltà di storia furono restaurate nelle università di Mosca e Leningrado. L'Istituto di Storia, Filosofia e Letteratura di Mosca ha svolto un ruolo importante nella formazione di specialisti in discipline umanistiche. I leader del governo sovietico hanno anche adottato misure per lo sviluppo dello sport: agli atleti sono stati assegnati ordini, premi in denaro e sono stati insigniti del titolo di Honored Masters of Sports dell'URSS. Negli anni '30. apparve un'intera galassia di atleti eccezionali che iniziarono a stabilire record mondiali. 3. Letteratura. pensiero pubblico. Vita pubblica. Cinema. Teatro Nel 1934 si tenne il primo Congresso di tutta l'Unione degli scrittori sovietici. Due anni dopo, sotto la guida di M. Gorky, fu creata l'Unione degli scrittori dell'URSS e il realismo socialista fu proclamato l'unica tendenza ufficiale nella letteratura sovietica. Il predominio del realismo socialista negli anni successivi isolò l'arte sovietica dalle conquiste della cultura mondiale. Creato in massa vari gruppi e associazioni. Uno dei gruppi letterari influenti, i Serapion Brothers (1921), unirono principalmente scrittori di prosa (K. A. Fedin, V. V. Ivanov, M. M. Zoshchenko, V. A. Kaverin). Il gruppo letterario "Pass" è stato creato presso la rivista "Krasnaya Nov" (M. Prishvin, V. Kataev). I membri del gruppo hanno sostenuto la conservazione della continuità delle tradizioni della letteratura russa e mondiale. Nel 1924 nacque l'Associazione Russa degli Scrittori Proletari (RAPP). Un altro gruppo letterario, il Fronte sinistro delle arti (LEF, 1922), comprendeva i poeti V. V. Mayakovsky, N. N. Aseev e S. M. Tretyakov. Alcuni importanti scrittori e poeti non appartenevano a nessun gruppo o associazione. Nei primi anni '20. XNUMX ° secolo la poesia ha dominato la letteratura. A causa della mancanza di carta, si diffuse una forma di poesia "orale": 1) serate letterarie; 2) concerti; 3) controversie. Ci sono anche nuove storie e romanzi di grandi maestri della prosa, ad esempio A. N. Tolstoj ("Walking through the torments" (1921)). Sullo sfondo dell'era rivoluzionaria, le opere simboliste e formalistiche si diffusero. Il problema dell'eroe è stato per qualche tempo relegato in secondo piano e sono emersi i problemi di trama, forma e stile. In prosa si è svolta una svolta verso una maggiore concretizzazione e individualizzazione delle immagini. Cominciarono ad apparire libri di contenuto intimo e poliziesco e apparve anche la prosa sociale. Dalla seconda metà degli anni '1920. le opere letterarie iniziarono a essere riempite con gli stessi cliché, la gamma di argomenti della trama era limitata. I romanzi satirici costruiti su avventurose trame social-utopiche si sono diffusi. Agli scrittori più vicini alle autorità sono stati forniti compensi elevati, appartamenti spaziosi e cottage estivi e cure mediche di alta qualità. Così il regime totalitario ha domato molte figure culturali. Una "intellighenzia artistica sovietica" cominciò a prendere forma. Tuttavia, anche in questi anni, sia all'interno che al di fuori di esso, sono state realizzate opere significative: 1) "Quiet Flows the Don" e la prima parte di "Virgin Soil Upturned" di M. A. Sholokhov; 2) "Il Maestro e Margherita" di M. A. Bulgakov; 3) poesie e poesie di A. A. Akhmatova, P. N. Vasiliev, N. A. Klyuev, O. E. Mandelstam, M. I. Tsvetaeva; 4) romanzi e storie di A. M. Gorky, A. N. Tolstoy, N. A. Ostrovsky, A. A. Fadeev, I. Ilf ed E. Petrov, ecc. Il passaggio alla NEP ha dato vita al movimento di "Smenovekhovites", che ha inghiottito parte dell'intellighenzia russa (dal nome della raccolta socio-politica di 6 articoli degli autori dell'orientamento cadetto - N. V. Ustryalova, Yu. A. Klyuchnikov e altri - "Cambio di pietre miliari"), che ha riconosciuto il carattere profondamente russo della rivoluzione, ha notato la coincidenza degli interessi del governo sovietico e delle esigenze dello stato russo. La Chiesa, in quanto portatrice dei valori spirituali del popolo, non poteva riconciliarsi con l'approccio bolscevico alla cultura e all'educazione delle masse, che era accompagnato dalla sostituzione dei valori umani universali con criteri di classe. Da qui la spietata lotta contro la religione lanciata dal governo sovietico negli anni '1920 e '1930. Tutte le confessioni religiose diffuse in URSS furono perseguitate: 1) Ortodossia; 2) Protestantesimo; 3) cattolicesimo; 4) Uniatismo; 5) Islam; 6) Buddismo; 7) Ebraismo; 8) varie forme di settarismo. Il cinema gioca ancora un ruolo importante. Registi di talento, cameramen, attori hanno creato film che hanno avuto un impatto indelebile sulla mente delle persone ("Bright Way", "Volga-Volga", "Pig and Shepherd"). I membri della direzione del partito hanno guardato personalmente quasi tutti i film usciti ed erano i più alti censori. Sulle scene di molti teatri famosi (MKhAT, Maly Theatre), insieme ai classici negli anni '1920. furono messe in scena commedie di nuovi drammaturghi su temi rivoluzionari. 4. Pittura Lo sviluppo dell'arte è stato anche accompagnato dalla lotta in varie direzioni. L'Associazione degli artisti della rivoluzione (AKhR, 1922) era la più massiccia organizzazione artistica, che mirava a sviluppare le tradizioni erranti nello spirito del "documentarismo artistico". I membri dell'AHR hanno creato molti bellissimi dipinti (opere di I. A. Brodsky, E. M. Cheptsov, K. F. Yuon). L'AHR, come il RAPP, rivendicava il monopolio nell'art. Un'altra associazione significativa - la "Society of Easel Artists" (OST, 1925), organizzata da laureati di VKhUTEMAS, ha cercato di creare dipinti che fossero moderni non solo nel loro contenuto, ma anche nei mezzi visivi (opere di A. E. Deineka, Yu. N Pimenova e altri). La Società degli Artisti "4 Arti" (1924) è stata costituita tra gli ex membri delle associazioni "Blue Rose", "World of Art". Una cultura professionale impeccabile, abilità artistica, fedeltà alla tradizione e, allo stesso tempo, ricerche audaci hanno caratterizzato i membri di questo gruppo (opere di P. G. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, M. S. Saryan e altri). Anche il fondatore del suprematismo K. S. Malevich e V. Kandinsky hanno lavorato fruttuosamente. Il modo creativo di K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939) è peculiare. Le impressioni delle icone e delle tele russe antiche del Rinascimento italiano, dell'Art Nouveau russo e del Fauvismo francese sono strettamente intrecciate nei suoi dipinti. Il risultato della ricerca di Petrov-Vodkin è stato un vero capolavoro: "Bathing the Red Horse" (1912). Molto importante per questo artista era l'immagine della madre. Una delle opere più significative su questo argomento è stato il dipinto "1918 a Pietrogrado" ("Madonna di Pietrogrado", 1920). L'opera di Marc Chagall (1887-1985), che copre quasi tutto il XX secolo, è diventata una delle pagine più interessanti dell'arte russa ed europea. Ha imparato facilmente le tradizioni di diversi paesi, epoche e stili, pur mantenendo la sua grafia unica. L'immagine del suo nativo e sorprendentemente caro provinciale Vitebsk divenne uno dei temi dell'opera di Chagall. V. E. Tatlin (1885-1953) - l'artista dell'avanguardia russa, il fondatore del costruttivismo, che ha definito il processo del suo lavoro: "costruzione dei materiali", "cultura dei materiali", ecc. Negli anni '1920 un certo numero di tendenze artistiche ha mantenuto la continuità con l'arte del moderno e dell'avanguardia russa. D'altra parte, sono sorte nuove tipologie di attività artistica: cinema, pubblicità, design. La pittura era strettamente controllata. Sono stati particolarmente apprezzati dipinti e sculture di contenuto storico e rivoluzionario, ritratti di leader e leader del lavoro. Molti artisti si dedicarono alla pittura di paesaggio, ad altri temi neutri, ma anche lì furono obbligati a osservare rigorosamente le forme stabilite. Già negli anni '1920. i critici hanno notato la pittoresca "svolta verso il realismo". 5. Architettura e scultura Come risultato della nazionalizzazione della terra e dei grandi immobili nelle città, lo stato è diventato l'unico cliente per i lavori di costruzione nella Russia sovietica. Nel primo decennio post-rivoluzionario, la sua dittatura ideologica non aveva ancora intaccato l'art. Concorsi aperti, discussioni, progetti originali e sistemi di insegnamento nelle università d'arte costituivano il quadro di un'impennata creativa senza precedenti alla fine degli anni '1910 e '1920. Architettura negli anni '1920 caratterizzato da un'intensa ricerca di nuovi stili, forme innovative. Nella prima metà degli anni '1, quando la costruzione era limitata, furono ampiamente sviluppati progetti per vari edifici (case di abitazione, palazzi del lavoro, circoli operai, case comunali). Lo sviluppo era uno stile architettonico basato sul cosiddetto costruttivismo. Il neoclassicismo iniziò a rivivere. Il piano più grandioso, anche se non realizzato, fu la costruzione del Palazzo dei Soviet a Mosca sul sito della cattedrale esplosa di Cristo Salvatore. Il palazzo doveva essere coronato da un'enorme statua di Lenin. Un esempio lampante di innovazione tecnica è la torre della radio di Mosca, eretta nel 1922 secondo il progetto di V. G. Shukhov (1853-1939). Fu uno dei primi a utilizzare strutture in rete d'acciaio a doppia curvatura - iperboloidi, che avevano un grande futuro nella pratica edile mondiale. Il progetto per lo sviluppo della capitale anticipa le successive idee urbanistiche dell'Occidente. Nel 1929-1930. si è svolta una vivace discussione sull'insediamento in una società socialista - una disputa tra "urbanisti" e "deurbanisti". Il primo (tra cui A. A. e L. A. Vesnin) ha avanzato l'idea di creare città comunali con alloggi di tipo alberghiero e la completa socializzazione di tutte le forme di servizi culturali e comunitari, inclusa anche l'educazione dei bambini. I loro oppositori (M. Ya. Ginzburg e altri) consideravano possibile sostituire le città con una rete di autostrade, lungo le quali gli edifici residenziali si estendevano in un nastro continuo, e dietro di loro - strisce industriali e agrarie. Allo stesso tempo, ogni famiglia doveva essere dotata di una casa tipica e di un'auto. Nei primi anni '30. 1932 ° secolo nello sviluppo dell'architettura sovietica ci fu una brusca svolta. Nel XNUMX tutte le associazioni furono fuse nell'Unione degli Architetti dell'URSS. Apparvero molti edifici, sgradevolmente sorprendenti per dimensioni e abbondanza di decorazioni. Allo stesso tempo, nel paese è stata eseguita la costruzione di massa. Sono stati sviluppati progetti modello di edifici residenziali, scuole e istituzioni pubbliche. Lo sviluppo del settore edile mirava principalmente alla riduzione dei costi e all'accelerazione dei lavori: nel 1927 iniziarono ad essere utilizzati blocchi di calcestruzzo e nel 1940 furono costruite le prime case a pannelli. Nel 1935 iniziarono i lavori su larga scala per la ricostruzione di Mosca (l'autore del progetto era V. N. Semenov). Nel 1941, l'insieme del centro di Mosca fu riformato, il sistema delle arterie di trasporto della città fu aggiornato, furono costruiti 9 nuovi ponti attraverso i fiumi Mosca e Yauza e argini di granito, tre linee della metropolitana, aree verdi del Gorky Central Sono stati allestiti il Parco della Cultura e del Tempo Libero. L'arte della scultura acquisì un significato sociale e politico speciale in Russia dopo il 1917. La propaganda sovietica ha cercato di creare un'immagine della modernità come un'era eroica; una favola che diventa realtà davanti ai nostri occhi. Per qualche tempo, la scultura sovietica conservava ancora gli echi dell'impressionismo, della modernità e dell'avanguardia dell'inizio del XX secolo, ma alla fine degli anni '1920. il principale punto di riferimento per la maggior parte degli scultori erano i classici. Qui, per la prima volta, è stata mostrata la composizione intensamente drammatica di ID Shadr (1887-1941) "Cobblestone - l'arma del proletariato"; il maestoso, ispirato all'immagine dell'impero russo, il gruppo di A. T. Matveev "Ottobre. Operaio, contadino e soldato dell'Armata Rossa" e le statue di V. I. Mukhina (1889-1953) "Contadina" e "Operaia e contadina collettiva " (entrambi 1927). CONFERENZA N. 12. La cultura dell'epoca della Grande Guerra Patriottica 1. Caratteristiche generali dell'epoca Le condizioni in cui si sviluppò la cultura durante la Grande Guerra Patriottica furono molto difficili. Mancava tutto: carta, colori, marmo, tessuti, materiali da costruzione. L'intera industria è stata urgentemente trasferita su basi militari, edifici e città sono state distrutte. L'inizio patriottico nell'arte fu molto forte. Molte figure culturali hanno svolto un'importante missione durante gli anni della guerra: le loro opere hanno creato un contesto favorevole nei paesi alleati per sostenere l'URSS nella lotta contro il fascismo. 2. Educazione e scienza Una condizione necessaria per il successo dello sviluppo dell'economia nazionale del paese era la formazione continua di nuovo personale nelle università e nelle scuole tecniche. Nel 1941 l'ammissione alle università fu dimezzata e il loro numero diminuì, il numero degli studenti diminuì di 3,5 volte e i termini di studio furono ridotti a 3 anni. Tuttavia, alla fine della guerra, il numero di studenti si avvicinò al livello prebellico. Un ruolo importante è stato svolto dall'Accademia di scienze pedagogiche della RSFSR (guidata da V.P. Potemkin, fondata nel 1943). La guerra ha cambiato l'orientamento pacifico del lavoro scientifico. Il 23 giugno 1941, in una riunione di emergenza, il Presidium dell'Accademia delle scienze dell'URSS invitò gli scienziati a mobilitare tutte le forze per combattere gli invasori nazisti. Gli anni della guerra divennero un periodo di soluzioni tecniche audaci e originali. Nei primi mesi della Grande Guerra Patriottica, molti istituti di ricerca furono costretti a evacuare verso est. Durante l'evacuazione, hanno mantenuto le loro squadre di ricerca. Il presidio dell'Accademia delle scienze dell'URSS, evacuato a Sverdlovsk, è rimasto il nucleo organizzativo degli scienziati del paese. I temi di ricerca sono stati focalizzati sulle seguenti aree: 1) sviluppo di problemi tecnico-militari; 2) assistenza scientifica all'industria; 3) Mobilitazione delle materie prime. Depositi di bauxite negli Urali meridionali, giacimenti di tungsteno, molibdeno, rame, manganese in Kazakistan, grandi riserve petrolifere in Tataria sono state scoperte e sviluppate nel più breve tempo possibile. Grazie ai geologi A. E. Fersman, V. A. Obruchev e altri, sono stati esplorati nuovi giacimenti di minerale di ferro nel Kuzbass, nuove fonti di petrolio in Bashkiria. Grandi passi avanti sono stati fatti anche nei campi della biologia, dell'agricoltura e della medicina. Gli scienziati sovietici trovarono nuove materie prime vegetali per l'industria, cercarono modi per aumentare la resa delle colture alimentari e industriali. I problemi principali sono stati risolti da scienziati medici. Ma molti straordinari scienziati continuarono a languire nelle prigioni e nei campi del Gulag. Durante gli anni della guerra, N. I. Vavilov, P. A. Florensky e altri morirono lì. Dal 1943, un laboratorio sotto la direzione di I. V. Kurchatov iniziò ad operare a Mosca, che iniziò a sviluppare la fissione dell'uranio. E alla fine della guerra, S. P. Korolev e Yu. B. Khariton, rilasciati dal campo, iniziarono a gettare le basi per lo sviluppo della tecnologia missilistica. Significativo anche il contributo dei matematici: 1) PS Aleksandrova; 2) I. M. Vinogradova. I fisici AF Ioffe, SI Vavilov, P.L. Kapitsa, i chimici N.D. Zelinsky, A.E. Favorsky hanno lavorato attivamente per la difesa. Lo scienziato A.P. Alexandrov ha risolto con successo il problema della protezione dalle mine delle navi. Durante gli anni della guerra, i creatori delle straordinarie attrezzature e armi militari sovietiche lavorarono fruttuosamente. Nel corso della lotta armata, c'è stato un continuo miglioramento qualitativo dei sistemi di artiglieria e degli aerei (autori V. G. Grabin, I. I. Ivanov, F. F. Petrov, B. I. Shavyrin e altri). I successi nella produzione di armi leggere sono stati raggiunti con il ruolo di primo piano dei designer N. E. Berezina, S. V. Vladimirov, S. G. Simonov, F. V. Tokarev. Gli scienziati sovietici sono riusciti a ridurre più volte lo sviluppo e l'implementazione di nuovi tipi di armi. Circa la metà di tutti i tipi di armi leggere e la stragrande maggioranza dei nuovi modelli di sistemi di artiglieria che erano in servizio con l'esercito nel 1945 furono creati e messi in serie durante la guerra. Grazie agli sforzi dei costruttori di carri armati sovietici, in particolare dei lavoratori e degli ingegneri del "Tankograd" degli Urali, il vantaggio del nemico nei veicoli corazzati fu superato in tempi relativamente brevi. Nel 1943 iniziò a crescere la preponderanza della saturazione delle forze armate sovietiche con carri armati e artiglieria semovente. Un enorme merito nella loro creazione apparteneva a N. A. Astrov, N. L. Dukhov, Zh. Ya. Kotin, M. I. Koshkin, V. V. Krylov e altri. Dalla seconda metà del 1942, la produzione di aeromobili e motori aeronautici è in costante aumento. L'aereo d'attacco Il-2 divenne l'aereo più massiccio dell'aviazione sovietica. 3. Letteratura. Musica. Teatro Nel confronto spirituale con gli aggressori fascisti, la nostra cultura ha svolto un ruolo speciale. Un tratto caratteristico dello sviluppo della cultura è l'approfondimento dell'interesse per il patrimonio classico nazionale. E questa non è una coincidenza. Il fascismo con la sua divisione dei popoli in "pieni" e "inferiori" fu un esempio della distruzione del patrimonio culturale di molti popoli. Nei giorni di dure prove, il giornalismo patriottico è venuto alla ribalta. Gli autori si sono ampiamente liberati dagli stereotipi degli anni prebellici, le loro opere sono diventate più vicine, più comprensibili per le persone. La poesia ha conosciuto un vero e proprio boom. La poesia più famosa del tempo di guerra "Aspettami" di K. M. Simonov, i soldati ritagliati dalle pagine dei giornali, riscritti, passati di mano in mano. Un'opera eccezionale è stata la poesia di A. T. Tvardovsky su Vasily Terkin, il cui personaggio principale combinava le caratteristiche di molte persone reali e personaggi dei racconti popolari. Vinse la guerra un uomo che pensava in modo indipendente, un uomo di giudizi e azioni indipendenti, che sentiva un legame profondo con la storia del suo popolo. Le poesie di Pushkin e i romanzi di Tolstoj, Turgenev, la musica di Glinka e Tchaikovsky acquisirono un nuovo significato. Nei giorni più difficili dell'assedio di Leningrado, D. Shostakovich creò l'ingegnosa Settima Sinfonia. Alla causa comune della lotta contro il nemico hanno contribuito anche attori di teatro e musical, artisti pop. I teatri in prima linea erano molto apprezzati da soldati e comandanti. L'attività concertistica di musicisti e artisti nei fronti e nelle retrovie assunse larga scala. Ai concerti hanno partecipato L. A. Ruslanova, L. O. Utesov, K. I. Shulzhenko e altri. Il tema patriottico è diventato uno dei principali nei documentari e nei lungometraggi. C'erano circa 150 cameramen sui fronti durante gli anni della guerra. 4. Pittura e architettura La pittura degli anni della guerra è significativamente diversa da quella prebellica. Ci sono state fasi nel suo sviluppo. All'inizio della guerra, in pratica aggiustando ciò che vedeva. I piani non hanno sempre avuto successo, i dipinti mancavano di profondità nella divulgazione dell'argomento, del potere di generalizzazione. Ma c'è sempre stata grande sincerità, passione, ammirazione per le persone, franchezza e onestà della visione artistica, un desiderio di essere estremamente coscienziosi e precisi. Il laconismo, la semplicità dei mezzi visivi, ma anche una certa schiettezza sono caratteristici dei dipinti di intrecci del 1941-1942. Un punto luminoso su uno sfondo scuro è la figura di una donna nel dipinto di S. Gerasimov "Madre di un partigiano" (1943). Lo stesso obiettivo è perseguito da A. Deineka nel film "Difesa di Sebastopoli" (1942). Anche se lo spettatore sa che Sebastopoli è stata abbandonata dalle nostre truppe, questi marinai che combattono fino alla morte sono percepiti come vincitori. Anche i maestri più antichi V. N. Baksheev, N. Krymov, A. N. Kuprin, I. E. Grabar hanno lavorato nel genere del paesaggio durante gli anni della guerra. Questi anni hanno anche conservato paesaggi quasi documentari, che alla fine sono diventati un genere storico, come "Sfilata sulla Piazza Rossa del 7 novembre 1941". K.F. Yuon (1942), che catturò quel giorno memorabile per tutto il popolo sovietico, quando i soldati andarono in battaglia direttamente dalla piazza innevata. "Leningrado ai tempi del blocco e della liberazione" - questo è il nome di una serie di oltre tre dozzine di autolitografie di A.F. Pakhomov (1908-1973), che iniziò nel 1941 e completò dopo la guerra. Lo stesso Pakhomov è sopravvissuto al blocco e i suoi disegni sono pieni di tragico sentimento e ammirazione per il coraggio dei suoi compatrioti. Il mondo intero girava intorno al suo disegno "Sulla Neva per l'acqua", raffigurante ragazze avvolte, che estraggono acqua dalla Neva con i loro ultimi sforzi. Prima di tutto, il ritratto si sviluppa, perché gli artisti hanno cercato di trasmettere il carattere eroico del nostro uomo. All'inizio si trattava di ritratti estremamente modesti, che fissavano solo i lineamenti di un uomo in tempo di guerra: i partigiani bielorussi F.A. Modorov e i soldati dell'Armata Rossa V.N., Yakovlev. Successivamente apparvero immagini cerimoniali, solenni, a volte persino patetiche, come, ad esempio, il ritratto del maresciallo G.K. Zhukov di P. Korin (1945). P. Konchalovsky ha lavorato molto nel genere del ritratto durante gli anni della guerra. Crea personaggi ottimisti e amanti della vita nel suo solito modo decorativo. I ritratti dell'intellighenzia dipinti durante gli anni della guerra da M. Saryan sono immagini particolarmente significative e monumentali (accademico I. A. Orbeli, 1943; compositore A. I. Khachaturyan, 1944; poeta M. Lozinsky, 1944; scrittore M. . Shaginyan, 1944 e altri) . Durante gli anni della guerra, Saryan si dedicò anche al paesaggio e alla natura morta. Da segnalare una natura morta speciale, da lui intitolata "Ai soldati armeni, partecipanti alla guerra patriottica" (1945), raffigurante i frutti e i fiori dell'Armenia: come dono e gratitudine a coloro che hanno combattuto e conquistato, e come un ricordo dei morti. Nel 1941-1945. si stanno sviluppando sia i generi domestici che quelli paesaggistici. Un posto di rilievo nella formazione di entrambi durante gli anni della guerra appartiene ad A. Plastov. Entrambi i generi sono combinati nella sua pittura "Il fascista volò" (1942): giovani betulle, cieli grigi, campi lontani familiari a ciascuno di noi. Sullo sfondo di questo tranquillo paesaggio autunnale, l'atrocità del pilota fascista che ha ucciso il pastorello sembra ancora più mostruosa. I pennelli di Plastov appartengono anche a paesaggi molto luminosi e pieni di sentimento della nostra terra natale. Nell'ultimo anno di guerra, A. Plastov dipinse un bellissimo quadro "Harvest" (1945): un vecchio serio e stanco e bambini cenano ai covoni raccolti. B. Nemensky ha raffigurato una donna seduta su soldati addormentati e ha chiamato la sua opera "Madre" (1945). Nella pittura storica compaiono le immagini degli eroi del passato. Negli ultimi anni di guerra, uno dei loro migliori dipinti fu creato da Kukryniksy, rivolgendosi all'immagine dell'antichità: Sofia di Novgorod come simbolo dell'invincibilità della terra russa ("La fuga dei nazisti da Novgorod", 1944-1946). La pittura monumentale, ovviamente, ha avuto poche opportunità di sviluppo durante gli anni della guerra. Ma, nonostante ciò, l'arte dei "materiali eterni", affreschi e mosaici, continuò ad esistere. Così, ad esempio, nella Leningrado assediata, i mosaici per la metropolitana sono stati assemblati utilizzando i cartoni di Deineka. Gli autori dei manifesti più famosi erano i fumettisti Moor (D. S. Orlov) e Denis (V. N. Denisov). L'eroico poster della Grande Guerra Patriottica ha adottato le migliori tradizioni del poster rivoluzionario. Nei primi giorni di guerra apparve per le strade il famoso poster di I. M. Toidze "The Motherland Calls!". (1941). Se nel periodo iniziale della guerra il personaggio principale dei manifesti era un soldato sovietico combattente, come, ad esempio, sul poster di A. A. Kokorekin "For the Motherland!" (1942), poi con l'inizio di una svolta nella guerra a favore dell'Unione Sovietica, le tragiche trame sono state sostituite da immagini che ispirano fiducia nella vittoria. È difficile parlare dell'architettura di questo periodo. Mancavano manodopera e materiali. La guerra portò con sé devastazioni, soprattutto nelle regioni occidentali vicine ai confini. Tutti i lavori di costruzione durante questo periodo sono stati principalmente associati all'installazione di apparecchiature evacuate, alla creazione di edifici per le esigenze dell'industria. CONFERENZA N. 13. La cultura sovietica degli anni '1950-'1980 1. Caratteristiche della cultura del periodo oggetto di studio Le caratteristiche della cultura dell'URSS di questo periodo consistevano nella lotta del governo con le deviazioni dai "compiti di costruzione sociale". La pressione e il controllo da parte del partito erano così grandi da opprimere la libertà di artisti e scienziati. Le discussioni di massa in vari rami della scienza di quel tempo hanno avuto un impatto negativo sui loro partecipanti. Dopo che N. S. Khrushchev salì al potere, i suoi incontri con l'intellighenzia divennero consueti, durante i quali il segretario generale criticò i "formalisti" e gli avanguardisti per essere "incomprensibili". Va notato che Krusciov era poco esperto in materia di cultura e la maggior parte delle figure culturali "progressiste" non potevano opporsi apertamente a lui. Lo sviluppo della cultura assunse un carattere utilitaristico. L. I. Breznev si è espresso contro due estremi della cultura: "calunnia" e "abbellimento della realtà". Sono state criticate le opere dedicate a temi di attualità. Sono state sostenute opere nello spirito del neostalinismo. Per controllare la cultura a metà degli anni '1970. è stato introdotto il sistema degli ordini statali. Aumento della censura. La conoscenza dei cittadini sovietici con la cultura artistica straniera era costantemente limitata. Lo sviluppo della cultura negli anni '1960-'80. era contraddittorio. Sebbene i fondi per lo sviluppo della cultura fossero in costante aumento, i risultati ottenuti non corrispondevano ai costi. 2. Educazione e scienza Durante questo periodo, la leadership dell'URSS iniziò a prestare grande attenzione all'istruzione. Nel 1946, anche il governo sovietico aumentò significativamente la spesa per la scienza (erano 2,5 volte superiori alla spesa dell'anno precedente). Allo stesso tempo, furono restaurate le Accademie delle Scienze di Ucraina, Bielorussia e Lituania e furono create in Kazakistan, Lettonia ed Estonia. Nel dopoguerra fu organizzata tutta una serie di istituti di ricerca. Guerra e repressione negli anni '1930 ha inferto un duro colpo all'intellighenzia, quindi negli anni '1940 - primi anni '50. nell'Unione Sovietica c'era una carenza di specialisti con istruzione superiore e secondaria. Negli anni '1940 - primi anni '50. La scienza e la tecnologia sovietiche ottennero numerosi successi nel campo della fisica, della chimica e della meccanica di precisione, ma erano principalmente rivolte alle esigenze militari. Nel 1949 fu testata una bomba atomica in URSS e la ricerca era in corso nel campo delle armi chimiche e batteriologiche. I rami della scienza che non erano direttamente legati alla difesa erano soggetti a uno stretto controllo. Indicative a questo riguardo furono le persecuzioni della cibernetica, che fu dichiarata scienza contraria alle leggi del materialismo. Ciò ha avuto un impatto negativo sul livello di sviluppo mondiale dell'URSS. Una posizione di monopolio nelle scienze agrarie è stata occupata dai sostenitori dell'accademico T. D. Lysenko, che ha promesso di aumentare rapidamente la resa delle colture agricole senza seri investimenti di capitale. Dopo che N. S. Krusciov salì al potere, ci fu una certa emancipazione della scienza storica. A poco a poco, ci fu un allontanamento dai dogmi del breve corso nella storia del PCUS (b), una revisione del ruolo di Stalin nella storia dello stato sovietico. Il culto della personalità dello stesso Krusciov crebbe. Durante gli anni del piano settennale (7-1959) vi fu un cambiamento significativo nel campo del progresso tecnico. Nel luglio 1965, il primo aereo passeggeri a reazione sovietico TU-1956 decollò in cielo. Nel 104 fu lanciato un missile balistico intercontinentale multistadio. Il 1957 ottobre 4 fu lanciato il satellite artificiale terrestre sovietico. L'URSS divenne un pioniere nell'esplorazione spaziale. Il 1957 aprile 12, il cosmonauta pilota sovietico Yu.A. Gagarin fece il primo volo spaziale della storia. Tra la metà degli anni '1950 e l'inizio degli anni '60. lo sviluppo dei mass media (media). Le trasmissioni coprivano l'intero paese. Il tempo del "disgelo" fu caratterizzato dall'ascesa della scienza e della cultura sovietiche. Molta attenzione è stata dedicata all'istruzione secondaria e superiore. Nel dicembre 1958 fu adottata una legge secondo la quale, al posto dell'istruzione di 7 anni, veniva introdotta l'istruzione obbligatoria universale di 8 anni. Nel 1957 fu lanciato in URSS il più potente acceleratore di particelle elementari del mondo, il sincrofasotrone. Nel 1956 fu fondato a Dubna un importante centro di ricerca internazionale, il Joint Institute for Nuclear Research. Le opere dei fisici sovietici - accademici L. D. Landau, A. D. Sakharov e altri - guadagnarono fama mondiale e iniziò la produzione di tecnologia informatica domestica. Lo stato di crisi dell'istruzione scolastica ha provocato tentativi di riforma della scuola (1983-1984). Ma l'impreparazione, l'incomprensione delle cause della crisi in quest'area hanno portato a un rapido rigetto della riforma. Già nel 1985-1986. è stata girata. Gli stessi problemi hanno affrontato l'istruzione superiore. Nonostante il numero di università e università nel Paese fosse in costante crescita, l'industria e l'agricoltura del Paese necessitavano di personale qualificato. Le ragioni principali di ciò erano: 1) uso irrazionale dei laureati; 2) basso livello della loro formazione; 3) una diminuzione del prestigio di un laureato. La situazione nella scienza era un po' migliore. La scienza sovietica non è rimasta indietro rispetto alla scienza dei paesi occidentali solo negli ambiti fondamentali, mentre nel campo applicato, e soprattutto nell'informatizzazione, era agli ultimi ranghi. Successi significativi sono stati raggiunti dalla scienza sovietica nei campi della fisica, della chimica e dell'esplorazione dello spazio. 1985-1991 nel campo dell'istruzione, la scienza e la cultura sono caratterizzate in modo ambiguo. Nel campo dell'istruzione, i cambiamenti iniziarono a verificarsi dal 1988. La carenza di insegnanti aumentò quando iniziarono a entrare nel commercio per assicurarsi un reddito dignitoso. L'interesse dei giovani nell'ottenere un'istruzione è fortemente diminuito. Introdotto gradualmente l'istruzione alternativa: 1) furono create palestre; 2) licei e college. Durante la seconda metà degli anni '2. in URSS non ci furono praticamente scoperte serie e le principali branche della scienza, come l'astronautica, la fisica nucleare, la biologia molecolare, ecc., Mantennero a malapena il livello raggiunto nel periodo precedente. 3. Letteratura La campagna per combattere il cosmopolitismo, che si svolse tra la fine degli anni Quaranta e l'inizio degli anni Cinquanta, ebbe un impatto negativo sullo sviluppo della letteratura e dell'arte. Il suo scopo era: 1) denigrare tutto ciò che non è sovietico, non socialista; 2) erigere una barriera tra l'URSS ei paesi occidentali. Nel 1946-1948. furono adottate le decisioni del Comitato Centrale del Partito “Sulle riviste “Zvezda” e “Leningrado”, “Sul repertorio dei teatri drammatici e misure per migliorarlo”, “Sul film “Big Life”, “Sull'opera di V. Muradeli “ La grande amicizia". Personaggi famosi furono compositori e scrittori sovietici perseguitati: S. S. Prokofiev, A. N. Khachaturyan, N. Ya. Myaskovsky, A. A. Akhmatova, M. M. Zoshchenko e altri, il cui lavoro fu classificato come antisovietico. Durante gli anni del "disgelo" il tenore di vita del popolo sovietico aumentò notevolmente. Dal 1956 è stata stabilita una giornata lavorativa di 6 ore per gli adolescenti di età compresa tra 16 e 18 anni. Nel 1956-1960. il trasferimento di tutti i lavoratori e dipendenti a una giornata lavorativa di 7 ore è terminato e, nei lavori sotterranei e pericolosi, a una giornata lavorativa di 6 ore. Durante il "disgelo" si verificò un notevole aumento della letteratura e dell'arte, facilitato notevolmente dalla riabilitazione di alcune figure culturali represse sotto Stalin. Nel 1958, il Comitato Centrale del PCUS adottò una risoluzione “Sulla correzione degli errori nella valutazione delle opere “La Grande Amicizia” e “Bogdan Khmelnitsky”. Allo stesso tempo, è nella sfera della cultura che le ricadute dello stalinismo si manifestano in modo particolarmente chiaro. Nel 1957-1962. Si sono svolti "incontri" di leader di partito con personalità della cultura e dell'arte, durante i quali valutazioni estremamente dure di opere antistaliniste come i romanzi "Not by Bread Alone" di Dudintsev, "Levers" di A. A. Yashin, "Own Opinion" di D. A. Granin e il romanzo "Doctor Zhivago", che non è stato nemmeno pubblicato in URSS, sono diventati la ragione della persecuzione di B. L. Pasternak. Come parte del processo letterario e artistico del "disgelo", si è formato uno strato di intellighenzia che era in opposizione al regime esistente: i dissidenti. Anche l'emergere della letteratura "samizdat" e "tamizdat" apparteneva a questo periodo. In molte città, il numero di studi teatrali è aumentato notevolmente. Nuovi film cominciarono ad apparire sugli schermi. È necessario nominare i film di T. E. Abuladze. La penetrazione nel paese dei prodotti culturali occidentali, in particolare dei film video, è aumentata in modo significativo. Il prestigio delle riviste Novy Mir (editore A.T. Tvardovsky), Yunost (editore V.P. Kataev) era in costante crescita. Un vero shock per milioni di sovietici è stata la pubblicazione di un racconto di A. I. Solzhenitsyn, Un giorno nella vita di Ivan Denisovich. Va notato che Krusciov ha sostenuto la pubblicazione di questo libro e ha persino approvato pubblicamente la sua nomina per il Premio Lenin. Tuttavia, l'A.I. Solzhenitsyn non è stato premiato e lo stesso Krusciov non è tornato su questo problema. 4. Pensiero pubblico. Standard di vita Nella seconda metà degli anni '2. il movimento dissidente inizia a crescere nel Paese. Si diffuse tra l'intellighenzia delle grandi città. Il concetto di "dissidenza" comprendeva varie manifestazioni. Personaggi culturali che hanno cercato di esprimere apertamente i loro dubbi sono diventati pericolosi per la leadership del Paese; molto spesso venivano imprigionati o espulsi dall'URSS. Nel 1960, gli scrittori AD Sinyavsky e Yu.M. Daniel furono condannati per aver pubblicato le loro opere in Occidente. Nel 1965 AI Solzhenitsyn fu privato della cittadinanza sovietica ed espulso con la forza dall'URSS. Il regista A. A. Tarkovsky, il regista Yu. P. Lyubimov, lo scrittore V. A. Nekrasov, il poeta I. A. Brodsky, il violoncellista M. L. Rostropovich e altri sono finiti all'estero. L'ideologia del neostalinismo è stata contrastata anche dalla prosa del "villaggio" di V.P. Astafiev, B.A. Mozhaev. Un posto speciale nella cultura di quegli anni fu occupato da libri e film di V. M. Shukshin. Un'altra caratteristica specifica della cultura degli anni '1960 e '1970 era la cosiddetta. "rivoluzione discografica". Le registrazioni di canzoni, così come i discorsi satirici, suonati in casa, erano praticamente incontrollabili e si diffusero. I leader riconosciuti erano i bardi V. S. Vysotsky, B. Sh. Okudzhava, A. A. Galich e altri Elementi di una speciale cultura pop giovanile appaiono e sono fissi. Dalla metà degli anni '1970. iniziata l'inflazione. La scarsità ha avuto un profondo effetto sulla coscienza di massa. Allo stesso tempo, la propaganda ufficiale ha condotto una lotta intensificata contro il "thingismo". Negli anni '1970-'1980. tra gli scrittori, si dovrebbe individuare F. A. Iskander, i poeti I. A. Brodsky, N. M. Korzhavin, A. A. Galich, i registi A. A. Tarkovsky, Yu. P. Lyubimov, A. A. German, T. E. Abuladze, S. N. Paradzhanov, i fratelli Mikhalkov e altri. Grandi cambiamenti hanno avuto luogo nella letteratura e nell'arte. Un evento significativo fu il ritorno al popolo sovietico delle opere degli autori della "Diaspora russa": i filosofi N. A. Berdyaev e V. D. Solovyov, gli scrittori D. S. Merezhkovsky, M. A. Aldanov, I. A. Bunin e V. D. Nabokov , i poeti N. S. Gumiliov e I. A. Brodsky e molti altri altri.Cominciarono ad apparire molte opere del premio Nobel per la letteratura A. Solzhenitsyn, principalmente l'arcipelago dei Gulag e l'epopea storica La ruota rossa. Cominciò ad apparire la cosiddetta stampa "informale". 5. Pittura Nel 1947 fu fondata l'Accademia delle arti dell'URSS e già negli anni '1950. nel campo delle belle arti si instaura un rigido sistema educativo e produttivo. Il futuro artista ha dovuto attraversare una serie di fasi obbligatorie: 1) scuola d'arte; 2) scuola o istituto. Completò gli studi con un grande dipinto tematico e poi divenne membro dell'Unione degli Artisti. Lo Stato era il principale cliente e acquirente delle sue opere. Lo stile principale era il cosiddetto realismo socialista (realismo socialista), o Sots Art. Nella pittura sovietica della fine degli anni '1950 - primi anni '60. fu stabilito lo "stile severo". La fonte di ispirazione per i maestri dello "stile severo" era la vita della gente comune, che trasmettevano con uno spirito sublimemente poetico. Le immagini nei dipinti "Our daily life" (1960) di P.F. Nikonov e "Rafters" (1961) di N.A. Andronov sono generalizzate e laconiche. Alcuni maestri, in contrasto con i temi imposti dal realismo socialista, si sono rivolti ad altri generi: 1) un ritratto; 2) paesaggio; 3) natura morta. N. S. Khrushchev ha criticato gli artisti astratti e formalisti alle mostre. In particolare, lo scultore E. Neizvestny, non avendo idea né delle sue opere né dell'autore stesso. L'incontro tra E. N. Neizvestny e N. S. Khrushchev è passato alla storia. L'artista - il comandante della guerra patriottica - si è tolto la maglietta davanti al capo di stato, ha mostrato terribili cicatrici dalle ferite sulla schiena. Krusciov era stupito e imbarazzato. 6. Nei circoli dell'intellighenzia creativa Nei circoli dell'intellighenzia creativa - scrittori, artisti, registi (in seguito furono chiamati "anni Sessanta") - si formò l'opposizione all'arte ufficiale. Già alla fine degli anni '1950. c'era un gruppo di artisti appassionati di surrealismo europeo e americano. Si dichiararono pienamente nella seconda metà degli anni '2 e negli anni '60. 70 ° secolo Ogni artista ha sviluppato il proprio insieme facilmente riconoscibile di immagini-segni. Vladimir Borisovich Yankilevsky (nato nel 1938) si è laureato presso lo studio d'arte dell'Istituto poligrafico di Mosca. Le sue opere - "Atmosphere of Kafka" (1969), una serie di incisioni "Mutations" (anni '1970) e altre - sono rebus composti da varie icone che evocano associazioni con tabelle, diagrammi, grafici, ecc. Successivamente, Yankilevsky iniziò a creare tre oggetti -dimensionali. Ilya Iosifovich Kabakov (nato nel 1933) ha scelto un diverso "dizionario" pittorico per le sue opere: immagini per libri per bambini, stand, giornali da parete, poster. Tuttavia, nelle composizioni dell'artista, perdono le loro solite funzioni e lo spettatore è invitato a trovare un altro scopo per loro. Il figlio di E. L. Kropivnitsky, Lev Evgenievich Kropivnitsky (1922-1994) e V. I. Nemukhin (nato nel 1925) ha utilizzato le tecniche dell'espressionismo astratto nel loro lavoro. Inoltre, Lev Kropivnitsky ha illustrato libri. Negli stessi anni, un artista di talento e amico di V. S. Vysotsky M. M. Shemyakin fu espulso dal paese. Maestri di diverse generazioni, che fino ad ora sognavano solo la libertà di espressione, ora si dedicavano con entusiasmo a sperimentazioni nello spirito delle moderne tendenze artistiche occidentali. Gli artisti sovietici che hanno lavorato al di fuori del quadro dell'arte ufficiale sono diventati famosi in Occidente, poiché le loro opere sono state acquisite principalmente da stranieri. I critici occidentali chiamarono questi maestri "anticonformisti" (dall'inglese "dissidenti"). Alla mostra del 1962 al Maneggio di Mosca, N. S. Krusciov sottopose gli "anticonformisti" a dure critiche. Dopo la mostra, gli "anticonformisti" sono andati sottoterra: hanno messo in scena mostre del loro lavoro in appartamenti privati, a volte in locali e caffè. La successiva grande esibizione degli "anticonformisti" fu una mostra su una terra desolata nel distretto moscovita di Belyaevo (1974). Le autorità cittadine, alla presenza di giornalisti stranieri, lo dispersero con l'ausilio di ruspe (passato alla storia con il nome di "Esposizione Bulldozer"). L'evento ha ricevuto pubblicità internazionale e due settimane dopo, con il permesso delle autorità, si è tenuta una nuova mostra all'aperto a Izmailovo. Da allora, alle mostre ufficiali fino alla metà degli anni '1980. era consentita una maggiore varietà di temi, tradizioni e modi di rappresentazione. Negli anni '1970-'80. tra i "non conformisti" le forme d'arte d'avanguardia, come azioni, performance, divennero sempre più popolari. Qui l'artista non rappresentava alcuna opera, ma se stesso come portatore dell'idea. Negli anni '1980-'90. L'arte russa si sviluppò parallelamente all'arte occidentale. Gallerie private (MA Gelman, A. Salakhova e altri) sono nate per supportare forme d'arte "non tradizionali". 7. Architettura e scultura Processi simili hanno avuto luogo in architettura. Quindi, negli anni '1950. la direzione del partito ha condannato la "decorazione" e il "lusso eccessivo". È stato seguito un corso per la costruzione di massa di edifici residenziali. L'ascesi e la semplicità divennero standard. La posizione dominante tra le forme architettoniche era occupata da un parallelepipedo, tra i materiali da costruzione - cemento (il Palazzo dei Congressi del Cremlino, il Teatro Taganka). E negli anni '1970 e '80. una varietà di forme, stili, materiali divenne popolare. Appaiono strutture in titanio e vetro, lo stile storico è particolarmente affezionato agli architetti. CONFERENZA n. 14. Cultura della Russia 1991-2003 1. Caratteristiche generali del periodo La cultura del periodo di studio è caratterizzata dalle seguenti caratteristiche: 1) un'ampia varietà di stili, generi e tendenze; 2) lo Stato cessa di dettare i canoni, lo stile ei soggetti nell'art; 3) sono rimosse le restrizioni nelle scienze e nell'insegnamento; 4) nella cultura nascono nuovi miti; 5) la cultura sta perdendo il suo principale cliente e il suo finanziamento è fortemente ridotto; 6) l'arte di massa viene alla ribalta; 7) negli anni '1990. c'è stato il ritorno di una serie di nomi: i russi hanno appreso di tali strati di cultura come la cultura dell'età dell'argento (l'opera dei poeti O. E. Mandelstam, A. A. Akhmatova, M. N. Tsvetaeva, N. S. Gumilev, ecc.) e la diaspora russa ( V. D. Nabokov, M. A. Allanov e altri) 2. Educazione e scienza La scienza e l'istruzione si sono trovate in condizioni difficili. È interessante notare che il posto principale nella politica statale è dato all'istruzione secondaria. È regolato dalla legge sull'istruzione, adottata nel 1992. Allo stesso tempo, il contenuto dell'istruzione è cambiato qualitativamente: è diventato orientato alla persona e correlato agli standard mondiali. Le scuole secondarie e superiori stanno attraversando difficoltà a causa della mancanza di risorse materiali, della diminuzione del livello di insegnamento e della riluttanza delle strutture di potere e dei leader politici a fornire finanziamenti normali. Anche l'impreparazione della maggior parte delle istituzioni educative ad operare in un'economia di mercato, per guadagnare denaro da sole, ha avuto un effetto. Ma l'istruzione superiore è ora molto richiesta e si sta sviluppando attivamente: le università stanno aprendo, stanno emergendo nuove specialità promettenti. Pertanto, a metà del 2001, c'erano circa 600 università statali e 250 non statali in Russia. Una caratteristica è la forma di istruzione a pagamento - commerciale -. Per quanto riguarda la scienza, la scienza post-sovietica si è adattata molto male all'economia di mercato. comune negli anni '1990. è diventata la cosiddetta "fuga di cervelli" all'estero: molti scienziati hanno scelto condizioni di lavoro migliori. Tuttavia, un gran numero di scienziati è rimasto in Russia, lavorano e ottengono buoni risultati con finanziamenti modesti. La priorità nel finanziamento è data agli scienziati che lavorano nel campo delle scienze naturali (industrie fondamentali e applicate). Gli sponsor dei fondi svolgono un ruolo importante (nazionale - ad esempio, la Fondazione Potanin, estero - la Fondazione Ford, la Fondazione Soros). Gli scienziati delle discipline umanistiche, che hanno avuto l'opportunità di comunicare liberamente con colleghi stranieri, oggi non sono incatenati alla precedente uniformità ideologica. Rivelano in modo più oggettivo la storia della Patria, la sua cultura e il contributo allo sviluppo della civiltà mondiale. 3. Letteratura, cinema, teatro. mass media La letteratura continua ad evolversi. Appaiono nuovi nomi: 1) A. S. Petrushevskaya (nuovo stile - "grigio su grigio"); 2) V. G. Sorokin (naturalismo); 3) V. O. Pelevin (modernismo); 4) B. Sh. Akunin (genere poliziesco). Il lettore russo scopre e rilegge i capolavori della letteratura mondiale: le opere di G. G. Marquez, P. Coelho e altri. Alla fine degli anni '1990 il cinema domestico inizia a svilupparsi. I dipinti di N. S. Mikhalkov e S. V. Bodrov si confrontano favorevolmente. Quanto agli attori, molti di loro lavorano in televisione, a teatro. L'arte teatrale è oggi molto richiesta. I musical sono popolari. Il teatro di O. Tabakov "Snuffbox" è famoso in tutto il mondo. Nuovi teatri vengono costantemente aperti (ce ne sono più di 200 solo a Mosca), si tengono mostre d'arte, festival musicali, ecc.. L'arte del circo si sta sviluppando. In una situazione diversa si trovano archivi e musei che, per sopravvivere, forniscono servizi a pagamento alla popolazione e alle persone giuridiche (ad esempio, affittare locali per presentazioni e mostre). Tra i musei, il Museo delle cere di San Pietroburgo è particolarmente apprezzato. In generale, la mancanza di fondi priva le biblioteche dell'opportunità di aumentare i loro fondi, i musei di ricostituire le loro collezioni, le case editrici di pubblicare letteratura seria, ecc. Il mondo dello spettacolo russo si sta sviluppando attivamente, cercando di avvicinarsi il più possibile agli standard americani ed europei. Un vero boom negli anni '1990. sopravvissuto ai media - ci sono molti nuovi giornali, riviste, canali TV. Un posto speciale tra loro è occupato dal canale "Cultura", che introduce i fenomeni e gli eventi della cultura russa e mondiale. L'assenza di pubblicità è uno dei vantaggi di questo canale. I modi di trasmettere la cultura stanno cambiando a livello globale: Internet è apparso ed è diventato un enorme network mondiale. 4. Pittura, architettura e scultura La pittura e la scultura russa si trovano oggi in condizioni difficili. Il ritrattista ufficiale del presidente della Federazione Russa Vladimir Putin, Nikas Safronov, ha realizzato un gran numero di ritratti del presidente, oltre a figure della cultura mondiale (ad esempio il ritratto di Sophia Loren, stilizzato come "Gioconda" di L. da Vinci). Il ritrattista A. M. Shilov ("Balla con Cupido") sta lavorando attivamente. Ampiamente noto tra gli artisti è un amico di V. Vysotsky, che vive in America, M. M. Shemyakin (una serie di dipinti "Masquerade", scene della vita del XNUMX ° secolo). Le opere ei progetti scultorei di Zurab Tsereteli, compreso il monumento a Pietro il Grande (2002), sono apprezzati in tutto il mondo. C'è una ripresa nel settore edile. Ma viene alla ribalta la costruzione di edifici residenziali secondo progetti individuali, nonché edifici residenziali multi-appartamento secondo progetti non standard di progettazione. CONFERENZA N. 15. La cultura dell'era primitiva 1. Caratteristiche generali del periodo La cultura dell'era primitiva è il fondamento di tutta la cultura successiva dell'umanità. Molti fenomeni della vita della società moderna hanno origine nella profonda antichità dell'era primitiva: 1) lingua; 2) scrittura; 3) art.; 4) religione; 5) mitologia; 6) scienza; 7) moralità, ecc. Alcuni problemi moderni sono risolti in tutto o in parte sulla base dello studio dell'era primitiva: la storia dell'emergere dell'uomo, l'origine delle razze, dei popoli, l'emergere della mitologia, della religione, dell'arte, ecc. Va notato che l'era primitiva non è andata irrevocabilmente nel passato. Continua ancora ad esistere nelle aree locali: 1) la giungla amazzonica; 2) nelle regioni centrali dell'Africa; 3) nelle isole dell'Oceania; 4) nell'interno dell'Australia. L'era primitiva copre un periodo enorme, dalla comparsa dell'uomo all'emergere delle società e degli stati di prima classe, nonché della scrittura. La razza umana esiste da circa 2,5 milioni di anni. L'Homo sapiense (uomo ragionevole) ha solo circa 40mila anni. 2. Cultura materiale L’uomo utilizza strumenti da più di 2 milioni di anni. Ciò gli ha aperto ampie opportunità: 1) uso delle risorse naturali; 2) adattamento all'ambiente; 3) caccia collettiva; 4) protezione dai nemici. Durante il Neolitico: 1) si stanno migliorando gli strumenti; 2) metodi di lavorazione della pietra (segagione, foratura, molatura); 3) compaiono archi, frecce, ceramiche. Insieme alla caccia si stanno diffondendo la pesca, la raccolta, l'agricoltura e l'allevamento del bestiame. Queste due grandi conquiste dell'economia primitiva fecero dell'uomo un uomo. Il presupposto più importante per la decomposizione della società primitiva era il passaggio all'uso dei metalli. 3. L'emersione dell'art. Mitologia Con l'avvento dell'arte si verificò un salto di qualità nello sviluppo della società umana. L'arte primitiva è diventata un fenomeno nuovo. Il punto di partenza della creatività artistica umana potrebbe essere: i suoi bisogni estetici, l'istinto sessuale, il pensiero mitologico, la pratica religiosa, il bisogno di consolidare e trasferire l'esperienza accumulata, il bisogno di intrattenimento, ecc. Lo sviluppo biologico e culturale ha aiutato l'uomo a usare i simboli. Nessun essere vivente, eccetto l'uomo, ha questa capacità. La mitologia occupa un posto importante nella cultura primitiva. Essendo la forma principale della visione del mondo di una persona in una fase iniziale dello sviluppo, mostra come realizza se stesso, il mondo che lo circonda e il suo posto in questo mondo. Anche la letteratura si è formata sulla base di varie forme di creatività verbale. Dalla mitologia sono emerse forme di coscienza sociale come: 1) art.; 2) ideologia politica, ecc. Nell'antichità l'uomo non si distingueva dall'ambiente. Ha trasferito le proprie proprietà, i sentimenti agli oggetti naturali, dotandoli di anime e spiriti. La caratteristica più importante del mito è che, sostituendo alcuni simboli nel mito con altri, rende gli oggetti descritti più accessibili per la comprensione. Gli studi hanno dimostrato che nelle prime fasi dello sviluppo, i miti erano primitivi e brevi. Successivamente, la mitologia si trasformò in un sistema esteso di miti collegati tra loro, formando cicli ramificati. Ecco come si è scoperto: 1) antico; 2) antico slavo; 3) mitologia scandinava, ecc. Gli scienziati distinguono diversi tipi di miti: 1) antropogonico; 2) solare; 3) lunare; 4) astrale; 5) zooantropomorfo; 6) cosmogonico; 7) teogonico, ecc. Una delle forme più comuni di credenze primitive era il culto degli antenati: la venerazione degli spiriti dei parenti defunti. Si credeva che questi spiriti, malvagi e buoni, potessero influenzare la vita delle persone. C'erano molti modi in cui le persone cercavano di propiziare gli spiriti dei loro antenati e neutralizzare la loro volontà malvagia. Varietà di credenze primitive sono: 1) animismo; 2) totemismo; 3) feticismo. Lo sviluppo dell'agricoltura nel tardo periodo dell'era primitiva richiese l'ordinamento del calendario e, di conseguenza, osservazioni astronomiche. Il lavoro di irrigazione ha portato alla formazione della tecnica dei calcoli geometrici, allo sviluppo dello scambio - al miglioramento dei sistemi di conteggio. Alla fine, tutto ciò ha portato all'accumulo di conoscenze matematiche. Malattie, epidemie, guerre obbligarono all'uso e al perfezionamento della medicina primitiva. I movimenti di terra e mare sono serviti da incentivo per lo sviluppo della geografia e della cartografia. E con l'avvento della fusione dei metalli minerali, sono nate le basi della chimica. 4. Arti visive Nell'era primitiva si formarono tutti i tipi di belle arti: 1) grafica (disegni, sagome); 2) pittura (immagini a colori, realizzate con pitture minerali); 3) scultura (figure scolpite nella pietra o modellate nell'argilla); 4) arte decorativa (scultura su legno, pietra, osso; rilievi, ornamenti). Le origini di tali tipi di creatività artistica risalgono a tempi antichissimi, come ad esempio: 1) musica; 2) cantare; 3) ballare; 4) spettacoli teatrali. Le prime opere d'arte primitiva giunte fino a noi appartengono al Paleolitico superiore, la loro età è di circa 40 mila anni. Tra questi, un posto speciale è occupato dalle cosiddette "Veneri" - immagini, apparentemente associate al culto della madre antenata. Sono state trovate immagini espressive generalizzate di animali: un mammut, un cavallo, un cervo, un orso, un bisonte, scene di caccia per loro. Alla fine del XIX secolo. è stata scoperta la pittura rupestre primitiva (grotta di Altamir in Spagna). Successivamente, i ricercatori hanno scoperto dozzine di grotte simili in Spagna, Francia e anche in Russia (Grotta di Kapova, Urali meridionali). Il primo periodo di sviluppo dell'arte rupestre fu caratterizzato da: 1) disegni primitivi; 2) segni poco chiari; 3) linee ondulate; 4) impronte di mani. Verso la fine del primo periodo compaiono incerti disegni di contorno di animali, che iniziano a riempirsi di pittura. Il secondo periodo è caratterizzato da un passaggio da un contorno, un'immagine planare al trasferimento di volume e dettagli individuali. Nel terzo periodo, l'arte rupestre raggiunse il suo massimo splendore. I dipinti colpiscono nel loro: 1) scala e realismo; 2) il perfezionamento del trasferimento dei volumi; 3) proporzioni delle figure; 4) prospettiva; 5) movimento; 6) l'uso della policromia. Successivamente si osserva una semplificazione dell'immagine, le figure diventano simboli. 5. L'emergere della scrittura L'emergere della scrittura fu di grande importanza. I moderni sistemi di scrittura delle lettere sono stati preceduti dalle sue varie forme, una delle prime è stata la scrittura pittografica, costituita da singole immagini specifiche. Con l'inizio del Mesolitico, l'immagine inizia a dominare la persona. Colore e volume lasciano il posto al movimento. Se la pittura rupestre del Paleolitico è composta da molte figure che sono compositivamente non correlate tra loro, l'arte rupestre a più figure riproduce scene di caccia, raccolta del miele, azioni rituali, danze, battaglie, ecc. Nel Neolitico, l'arte subisce profondi cambiamenti qualitativi. La cultura cessa di essere unificata, acquista tratti distinti e caratteri originali nei diversi territori. 6. Ulteriore sviluppo del pensiero astratto, accumulazione di conoscenza razionale Con lo sviluppo del pensiero astratto, del linguaggio, della mitologia, della religione, dell'accumulo di conoscenza razionale, una persona aveva bisogno di incarnare immagini complesse nell'arte: il sole, la terra, il fuoco, l'acqua. Un ornamento composto da motivi astratti stilizzati sta guadagnando popolarità: una croce, un cerchio, una spirale, un triangolo, un quadrato, ecc. Allo stesso tempo, c'è il desiderio di decorare tutti gli oggetti che una persona ha usato. Ornamenti o simboli individuali coprivano la ceramica antica: il tipo più comune di arte decorativa. L'uomo si adornò: 1) colorazione del corpo; 2) collane; 3) perline; 4) bracciali. Tra i fenomeni più misteriosi dell'arte primitiva c'è un gruppo di monumenti megalitici: 1) menhir; 2) dolmen; 3) cromlech. Le strutture megalitiche erano il prototipo dell'architettura monumentale. Già sulla soglia dell'emergere delle prime civiltà apparvero fortificazioni ciclopiche o grezze, templi, tombe, che a loro volta erano associate alla stratificazione della società in classi, alla separazione della nobiltà, alla complicazione delle idee religiose e della pratica religiosa. I dati archeologici accumulati consentono di tracciare l'emergere e lo sviluppo di altri tipi di creatività artistica primitiva: 1) musica; 2) ballare; 3) spettacolo teatrale; 4) arti applicate. Ritrovati ossa tubolari con fori ai lati, corna trapanate, teschi di animali con tracce di numerosi colpi sono esempi dei primi strumenti musicali a fiato ea percussione. La danza occupava anche un posto importante nel sistema dell'arte primitiva. I balli erano: 1) rituale; 2) militare; 3) caccia; 4) maschio; 5) femminile, ecc. La danza è strettamente intrecciata con lo spettacolo teatrale. Con molta sicurezza, si può anche intuire l'esistenza in quest'epoca del tipo più accessibile di creatività: il folk orale: 1) canzoni; 2) storie; 3) fiabe; 4) miti; 5) poemi epici. L'arte primitiva divenne l'inizio di una riflessione figurativa del mondo circostante, un mezzo della sua conoscenza, nonché la formazione del mondo interiore della persona stessa. Lo studio dei monumenti dell'arte primitiva permette di tracciare l'evoluzione di stili, forme, mezzi e metodi della creatività artistica, di comprendere i modelli di formazione e sviluppo dell'intera cultura artistica mondiale. CONFERENZA N. 16. Cultura cinese 1. Caratteristiche della cultura cinese La civiltà cinese è una delle più antiche al mondo. Secondo gli stessi cinesi, la storia del loro paese inizia alla fine del XNUMX° millennio aC. e. La cultura cinese ha acquisito un carattere unico: è razionale e pratica. La Cina è caratterizzata da un certo dogmatismo. Un nuovo pensiero potrebbe svilupparsi solo sotto forma di commenti sui vecchi detti dei saggi. La cultura cinese ha fortemente influenzato lo sviluppo dei paesi limitrofi (Giappone, Corea e stati del sud-est asiatico). La conoscenza dell'arte, della letteratura e della musica cinese è stata a lungo considerata la principale virtù di un asiatico istruito. 2. Educazione e scienza. Religione. vacanze nazionali La conoscenza e l'apprendimento sono stati trattati con grande rispetto in Cina. Conoscenza di solito significava postulati della sfera delle discipline umanistiche. Come per altre scienze (matematica, astronomia, medicina, ecc.), i dati osservativi accumulati in molte centinaia di anni sono stati generalizzati, ma non compresi in teoria. Queste aree di conoscenza non erano prestigiose. A cosa sono collegate le conquiste cinesi nel campo delle scienze esatte e tecniche? La matematica ha avuto origine in Cina in tempi antichi. I matematici cinesi hanno scritto saggi sui calcoli usando un polo in un cerchio. Dal V sec AVANTI CRISTO e. i cinesi conoscevano le proprietà di un triangolo rettangolo, nel I secolo. n. e. è stato creato un trattato che riassume le conoscenze matematiche accumulate in Cina nel corso di diversi secoli. L'astronomia si è sviluppata. Già nel II millennio aC. e. gli antichi abitanti della Cina dividevano l'anno in 12 mesi, il mese in 4 settimane. I medici cinesi hanno dato un grande contributo alla medicina mondiale. Tra le invenzioni tecniche va menzionato il mulino ad acqua. La conoscenza della scrittura si basa su fonti, molte delle quali sono state raccolte nei primi periodi della storia cinese. Si sa che già nel XV sec. AVANTI CRISTO e. In Cina esisteva un sistema sviluppato di scrittura geroglifica (più di 2000 geroglifici). La grande invenzione fu la fabbricazione della carta, la cui produzione iniziò nel 105 d.C. e. Era cucinato con corteccia d'albero, stracci, canapa. L'autore di questa più grande scoperta nella storia dell'umanità è stato il funzionario Tsai Lun. La creazione di miti in Cina risale a tempi antichi. Il posto di numerosi dei venerati nella cultura cinese è occupato da saggi leggendari ed eroi culturali come Huangdi. Insegnamenti filosofici successivi - confucianesimo, taoismo e buddismo - hanno indubbiamente arricchito la cultura cinese. È caratteristico che tutti i sistemi religiosi della Cina avevano molto in comune: avevano tutti un culto dell'obbedienza, il rispetto per gli anziani e gli antenati e l'idea di un atteggiamento passivo e contemplativo nei confronti della realtà. Queste idee hanno definito la psicologia nazionale cinese. Anche il buddismo, arrivato in Cina nel I-II secolo, ha avuto un impatto molto significativo sulla cultura cinese. Molto è connesso con il buddismo nella storia della cultura. Ad esempio, la leggenda sull'origine del tè e del consumo di tè. In futuro, il buddismo, come il taoismo, lascerà il posto al confucianesimo, che ha sviluppato criteri per valutare le azioni di ogni cinese. L'amore cinese per le cerimonie è ampiamente noto. Nella Cina imperiale, tutti gli eventi significativi nella vita di una persona, della famiglia e della società erano organizzati con un complesso rituale cerimoniale. Tra le feste dalla storia più antica spiccano: 1) festa di primavera (Capodanno); 2) una festa delle lanterne; 3) festival della barca del drago; 4) Festa di Mezzo Autunno; 3. Letteratura La letteratura cinese affonda le sue radici nella profonda antichità. Il più antico monumento letterario cinese è l'antologia poetica Shijing (Libro dei Cantici). La letteratura cinese è piuttosto insolita nella sua diversità di genere. Noto ad esempio: 1) prosa in rima "fu"; 2) versi "shi"; 3) poesie "tsy"; 4) romanzi. Durante la dinastia Han, fu scritta la principale opera storica cinese, le Note storiche di Sim Qian. Questo lavoro contiene una descrizione dettagliata di personalità ed eventi di spicco. Il buddismo ha introdotto la Cina alla prosa artistica. L'apogeo dello sviluppo culturale del paese è considerato l'epoca delle dinastie Sui, Tang e Song. Fu durante questi anni che la versificazione permeò letteralmente l'intera società cinese istruita. Poesie sono state date ad amici, parenti, mecenati. Durante le dinastie Ming e Qing, i romanzi si diffusero. In questi anni furono scritti 4 famosi romanzi classici cinesi: 1) "Tre Regni" di Luo Guanzhong; 2) "River Backwaters" di Shi Naian; 3) Il viaggio di Chen'en in Occidente; 4) "Sogno nella camera rossa" di Cao Xue-qin. Questi romanzi hanno avuto un enorme impatto sulla cultura cinese e sono stati successivamente tradotti in molte lingue in tutto il mondo. 4. Narrativa cinese degli anni '1920 e '30 Inizio del XX secolo è stato caratterizzato dalla crescita dell'autocoscienza nazionale dei cinesi, che ha contribuito al rovesciamento del sistema imperiale nel paese. La rivista New Youth, apparsa in questi anni, criticava la cultura tradizionale cinese e chiedeva una rapida introduzione delle norme occidentali. Narrativa cinese degli anni '1920 e '30 caratterizzato dall'influenza delle idee socialiste e comuniste, satira aspra sull'ordine esistente. Il percorso della letteratura cinese dopo il 1949 (la creazione della Repubblica popolare cinese) è associato allo sviluppo di problemi come: 1) cambiamenti nelle campagne; 2) l'emancipazione delle grandi masse contadine; 3) la lotta di liberazione nazionale del popolo cinese. Allo stesso tempo, il movimento progressivo della letteratura e dell'arte nei primi anni '1950. più volte ostacolato da varie campagne ideologiche del Partito Comunista Cinese (ad esempio la discussione sulla valutazione del romanzo "Dream in the Red Chamber"). Un numero significativo di scrittori famosi ha sofferto. Il 10° anniversario della "rivoluzione culturale" (1966-1976) causò ancora più danni alla letteratura cinese. Durante questi anni la pubblicazione di narrativa e la stragrande maggioranza delle riviste cessò completamente. 5. Teatro. Musica Il ruolo del teatro cinese era significativo, tutti gli spettacoli in cui erano accompagnati da musica. Già nel I sec. AVANTI CRISTO e. in Cina erano conosciuti più di 80 tipi di strumenti musicali nazionali. Nel processo di lungo sviluppo, si sono gradualmente formati 5 tipi principali di musica tradizionale: 1) canzoni; 2) musica da ballo; 3) musica di racconti di canzoni; 4) musica di opere locali; 5) musica strumentale. Ogni imperatore della Cina teneva a corte uno staff di musicisti e ballerini. In Cina, la musica professionale era considerata un atto indegno di una persona nobile e persino i musicisti di corte erano rappresentanti degli strati sociali inferiori. All'inizio del XX secolo. La musica cinese è stata notevolmente influenzata dalla musica europea. Cambiamenti significativi nella società, l'influenza delle idee di sinistra ha contribuito all'emergere di opere in stile folk, che riflettono gli umori popolari. Al fine di arricchire la vita culturale della gente, in molte città del paese si tenevano regolarmente grandi festival musicali, come la "Primavera di Shanghai". Il teatro cinese ha unito: 1) ballare; 2) cantare; 3) discorso; 4) azione; 5) acrobazie. Già nell'antica Cina esistevano vari tipi di occhiali: 1) circo; 2) balli acrobatici; 3) teatri di marionette e ombre. Nelle città della Cina medievale c'erano edifici teatrali permanenti. Gli attori in Cina erano considerati la classe più bassa e dovevano rispettare molte regole e divieti. Le arti teatrali della Cina includono: 1) più di 300 generi tradizionali; 2) oltre 60 tipi di teatri delle ombre e dei burattini; 3) opera europea; 4) danza drammatica (balletto). Poiché non ci sono praticamente oggetti di scena teatrali sul palco, vengono utilizzati gesti condizionali. L'azione non è limitata nel tempo o nello spazio. 6. Balla. Balletto. Cinema Il balletto, che ha profonde radici storiche nell'arte della danza popolare, è diventato un nuovo tipo di arte teatrale in Cina. Dai primi anni '1950 alla metà degli anni '1960. sono stati creati numerosi spettacoli di balletto su temi storici e contemporanei e negli anni '1980. Sono già state messe in scena oltre 100 nuove produzioni. Uno dei più famosi è il balletto "Fiori sulla Via della Seta", che racconta l'amicizia del popolo cinese dell'era della dinastia Tang con i popoli di altri paesi. Negli anni '1950 Il balletto europeo è penetrato nella scena cinese. Il cinema in Cina è apparso negli anni '1920, ma ha raggiunto il suo successo più significativo dopo il 1949. Recentemente i film cinesi sono diventati sempre più popolari nel mondo e ricevono premi nei festival cinematografici internazionali. Oltre ai lungometraggi, ha girato: 1) documentario; 2) scienza popolare; 3) film d'animazione. 7. Pittura Il Guohua è un genere tradizionale della pittura cinese. I dipinti sono scritti con inchiostro nero o grigio con un pennello su carta o seta. Il maestro, con poche pennellate di inchiostro nero di vario spessore, crea i contorni generali del paesaggio e delle figure umane, senza trascrivere i dettagli. I paesaggi erano e rimangono il tema principale di Guohua: montagne e fiumi, fiori e uccelli. Le immagini nel loro insieme e i loro dettagli individuali, di regola, hanno una loro interpretazione. Ad esempio, un pino, spesso raffigurato su tele, simboleggia la resistenza e la longevità, un salice simboleggia la femminilità, la modestia e la raffinatezza, un'orchidea simboleggia la semplicità e la nobiltà, ecc. Per gli artisti cinesi non esisteva una prospettiva lineare e le montagne, presenti in abbondanza nei loro dipinti, erano percepite come un simbolo. Il buddismo, in particolare il buddismo Chan, ha svolto un ruolo importante nella fioritura della pittura cinese classica. Le arti applicate, il fiorire della pittura e della scultura sono associati da molti ricercatori al buddismo: molte statue di varie divinità e santi furono collocate nei templi buddisti. Particolarmente sviluppata fu la pittura (in inchiostro su carta, seta), così come l'arte degli affreschi. I monasteri buddisti, come i taoisti, sono stati uno dei centri della cultura cinese per molti secoli. Generazioni di poeti, artisti, scienziati e filosofi hanno trascorso del tempo qui, hanno cercato ispirazione e hanno creato. Tesori inestimabili della cultura scritta furono accumulati negli archivi e nelle biblioteche dei monasteri, traduttori, compilatori e scribi lavorarono. Furono i monaci buddisti cinesi a inventare l'arte del taglio del legno, cioè la tipografia: la riproduzione del testo usando matrici (tavole con geroglifici speculari scolpiti su di esse). I generi delle belle arti occidentali si sono diffusi anche in Cina: 1) olio; 2) incisione; 3) acquerello. Contemporaneamente alla pittura, la calligrafia, considerata l'apice di tutte le arti, si sviluppò in Cina. I cinesi valorizzano nella loro scrittura la forza, l'espressività e l'eleganza delle linee, l'armonia compositiva dell'accostamento degli elementi grafici. Questo tipo di arte raggiunse una fioritura speciale nel IV-V secolo, quando furono stabilite le quattro qualità più alte della calligrafia: 1) stile pieno di energia e vitalità; 2) severità, forza; 3) equilibrio; 4) qualità estetica. 8. Architettura. Arti e mestieri Già nel II millennio aC. e. È stata sviluppata la scultura in giada e osso. La giada verde era un oggetto di culto in Cina, era venerata come una "pietra eterna" che conserva la memoria degli antenati. Il valore della giada era così grande che svolgeva il ruolo di oro e argento: da esso venivano ricavate monete, da esso veniva stimata la purezza della sabbia dorata. I prodotti Jade sono prodotti principalmente a Pechino e Shanghai. L'intaglio dell'avorio è sviluppato a Pechino, Guangzhou e Shanghai. Il centro più importante per la produzione di prodotti che utilizzano lo smalto cloisonne è Pechino. I ricamatori di solito conoscono dozzine di tecniche di lavoro che consentono di trasmettere sottilmente la trama dell'oggetto, le transizioni e le sfumature dei colori, il volume dell'oggetto raffigurato e la prospettiva spaziale. Architettura interessante e insolita della Cina. Già nel I millennio aC. e. i cinesi costruivano edifici di 2-3 o più piani con un tetto a più livelli. Tipico era un edificio costituito da sostegni sotto forma di pilastri di legno con un tetto in tegole, che aveva bordi rialzati e una cornice ben marcata - una pagoda. Questo tipo di edificio è stato il principale in Cina per molti secoli. Nel III sec. AVANTI CRISTO e. In Cina furono costruiti oltre 700 palazzi imperiali. La sala centrale di uno di loro ospitava più di 10 persone. Il periodo in cui si formò un unico stato centralizzato nel paese (221-207 aC) fu segnato dalla costruzione della parte principale della Grande Muraglia cinese, che è in parte sopravvissuta fino ad oggi. È noto che fu costruito da più di 2 milioni di prigionieri, molti dei quali furono puniti per dissenso. La lunghezza del muro supera i 4 mila km. CONFERENZA N. 17. Cultura dell'India 1. Caratteristiche della cultura indiana L'India è uno dei paesi più antichi del mondo che ha gettato le basi della civiltà globale dell'umanità. Le conquiste della cultura e della scienza indiana hanno avuto un impatto significativo sui popoli arabo e iraniano, nonché sull'Europa. Il periodo di massimo splendore della cultura indù cade nel Medioevo. 2. Letteratura. La scienza. Religione La letteratura indiana ha circa 40 secoli di esistenza. È così eterogeneo ed è stato creato in così tante lingue che è estremamente difficile descriverlo. La più antica è la letteratura vedica. Per molto tempo i Veda hanno avuto il carattere di arte orale. La letteratura epica compare nella prima metà del I millennio a.C. e. L'opera epica più antica è il Mahabharata (Grande India). Non meno famosa è un'altra epopea: "Ramayana" ("Peregrinazioni di Rama"). Un rappresentante di spicco della letteratura bengalese è Rabindranath Tagore (1861-1941) - poeta e scrittore, musicista e artista. L'apice del riconoscimento dell'opera poetica di Tagore fu l'assegnazione del Premio Nobel per la letteratura nel 1913 per la sua raccolta di poesie A Handful of Songs. Una delle canzoni patriottiche di Tagore "The Soul of the People" divenne l'inno nazionale dell'India. La scienza indiana ha fatto passi da gigante. Gli antichi scienziati indiani svilupparono il sistema decimale di conteggio e introdussero il concetto di zero. Con piccoli errori, determinarono la distanza dalla Terra alla Luna e al Sole, calcolarono il raggio della Terra e fecero molte scoperte astronomiche e scientifiche. Già ai tempi della civiltà indiana (XNUMX° millennio aC) progettavano città, erigevano strutture monumentali, conoscevano la scrittura, usavano un sistema di misure e pesi. Tutte le principali religioni del mondo sono rappresentate in India: 1) Induismo; 2) Islam; 3) cristianesimo; 4) Buddismo; 5) Ebraismo; 6) Zoroastrismo. L'India ha anche le sue religioni (nazionali), come il giainismo e il sikhismo. L'induismo è il più diffuso nel Paese, praticato da oltre l'80% della popolazione. È seguito dall'Islam (circa il 12%), poi - cristianesimo, sikhismo, buddismo, giainismo, ecc. La pacifica convivenza di diverse religioni in India ha creato un'atmosfera unica di identità nella cultura di questo paese. Le opinioni religiose degli indiani sul mondo sono espresse in modo vivido e succinto nelle loro belle arti. 3. Musica. Danza. Teatro. Film La musica classica dell'India ha le sue specificità. Non c'è armonia europea in esso. La musica religiosa indiana non è mai stata trascritta. Questo è ciò che determina l'illimitatezza, che offre all'esecutore un'opportunità unica di improvvisare. La musica classica indiana viene eseguita su strumenti nazionali indiani. Questi includono principalmente vini e sitar, oltre a un gran numero di tamburi diversi. La danza classica indiana ha le sue radici nell'antichità. È pieno di contenuti specifici. Ogni movimento delle gambe, delle braccia, degli occhi, delle sopracciglia e di altre parti del corpo ha un suo significato, quindi la danza indiana può essere letta, ed è spesso accompagnata da un recitativo di danza. Il teatro indiano è uno dei teatri più antichi del mondo: la sua teoria e la sua pratica si sono sviluppate intorno al II secolo a.C. AVANTI CRISTO e. Il cinema indiano è un fenomeno unico che non ha analoghi nel cinema mondiale. Il cinema indiano è originale. È una naturale continuazione del dramma musicale-danzante e richiede una formazione speciale di attori che sappiano ballare e cantare professionalmente. È sempre nazionale: l'azione di qualsiasi film è sempre legata all'India e alla sua gente. 4. Pittura Una delle pagine più brillanti nella storia dello sviluppo della cultura indiana è la pittura. La pittura come direzione dell'arte ha preso forma nel processo di illustrazione degli insegnamenti indù. Queste sono principalmente illustrazioni per leggende. Soprattutto molte illustrazioni sono dedicate alla divinità popolare: Krishna, una delle incarnazioni del dio Vishnu. Nelle miniature indiane, c'è quasi sempre un contrasto tra un primo piano multicolore e un semplice sfondo a un colore (rosso o blu). Il pensiero artistico degli indiani raffigurava creature mitologiche. Ognuno di loro è stato preservato e dissolto nell'altro, a seguito della quale è sorta una creatura senza precedenti completamente nuova, che combinava in modo stravagante gli elementi dei suoi progenitori. Tale è Hanuman (metà uomo e metà scimmia). Un altro dei personaggi più importanti è Ganesha. È raffigurato con un corpo umano e una testa di elefante. L'originalità dell'arte indiana risiede nell'originalità del pensiero: religioso e artistico. 5. Architettura L'architettura dell'antica India era prevalentemente in legno e non è stata preservata. Distruggendo molti antichi templi indù e giainisti, i padishah della dinastia Mughal (XVI secolo) eressero moschee, madrasa, mausolei e fortezze, molti dei quali sono capolavori della cultura mondiale fino ad oggi. La successiva fase fatale fu l'inizio del XVIII secolo. colonizzazione dell'India da parte della Gran Bretagna, che si concluse con la completa riduzione in schiavitù del paese. Durante più di 200 anni di dominazione britannica, molte tradizioni culturali e politiche europee furono introdotte nella vita indiana, che in gran parte definiscono il volto dell'India odierna. Solo nel gennaio 1950 l'India fu proclamata Repubblica e finalmente ottenne la libertà. Le religioni indiane hanno creato nell'arte un'atmosfera unica di movimento, incompletezza. Un vivido esempio dell'incarnazione classica nell'arte dell'interazione contraddittoria tra il finito e l'infinito, il materiale e lo spirituale, con il chiaro predominio dell'infinito e dello spirituale, è un esempio di una struttura buddista di culto: uno stupa. Tutti i suoi componenti sono imbevuti di questo principio, dal design a base quadrata al piano semisferico. Anche gli "Ombrelli" all'estremità del palo, i gradini dell'ascesa al nirvana, sono considerati simboli di potere. Lo stupa era decorato con rilievi e sculture di Buddha, scene della vita dei santi. Uno dei più antichi stupa sopravvissuti costruiti durante l'Impero Maurya è il Sanchi Stupa (III-II secolo aC). 6. Scultura Il rilievo architettonico e scultoreo nell'antica India era caratterizzato dall'attenzione ai dettagli. Per rendere l'immagine più chiara e comprensibile, l'artista ha trascurato la prospettiva. È interessante notare che la scultura è spesso semicircolare, cioè non ha una schiena o ricresce nel muro. Occasionalmente trovato in India e scultura rotonda. Nel XNUMX° secolo AVANTI CRISTO e. i templi rupestri iniziarono ad essere scolpiti nella roccia. Questi sono templi buddisti - chaitya. Nella prima arte buddista, la figura del Buddha stesso non viene quasi mai trovata. La sua immagine viene sostituita a seconda del contenuto del fiore di loto raffigurato, quindi dell'albero sacro dietro il recinto, quindi della ruota con i raggi, quindi dello stupa, quindi dei piedi (impronte del Buddha). Solo dopo che l'insegnamento buddista si è diffuso tra la gente e il sacro sentiero del Buddha è diventato ben noto a tutti, è diventato possibile ritrarlo in forma umana. IV-VI secolo furono il periodo di massimo splendore dell'arte antica dell'India. In questo momento, il nord dell'India era unito al potente stato dei Gupta. Notevoli esempi di dipinti di questo periodo sono stati conservati nei templi buddisti rupestri e nei monasteri di Ajanta. Lì sono state create 29 grotte, le cui pareti, soffitti e colonne sono dipinte con scene di tradizioni e leggende buddiste e decorate con sculture e intagli. Successivamente appare un tipo di tempio a forma di torre. Questi templi avevano una forma ovale allungata, sulla loro sommità c'era un ombrello a forma di loto o di una piramide rettangolare. La folla principale di credenti fece una deviazione del tempio dall'esterno. Nel cortile dei templi, oltre che sulle pareti, c'erano delle sculture. Quando il famoso viaggiatore russo, il mercante di Tver Afanasy Nikitin nel XV secolo. visitò l'India, vide lì i santuari di un'altra religione diffusa in questo paese: l'Islam: si trattava di moschee e mausolei, che non erano nell'antica India. Questa nuova architettura indo-musulmana ha arricchito l'arte dell'India e l'ha resa ancora più diversificata nella forma e nel contenuto. Tuttavia, la conquista musulmana ha inferto un duro colpo allo sviluppo dell'architettura indù. Molti magnifici templi indù furono distrutti e non furono eretti nuovi edifici significativi. CONFERENZA N. 18. Cultura dell'Antico Egitto 1. Periodizzazione e caratteristiche generali della cultura dell'Antico Egitto La civiltà dell'Antico Egitto è una delle più antiche al mondo. Ha dato all'umanità grandi monumenti di architettura, belle arti, scrittura. La storia della cultura dell'Antico Egitto è solitamente suddivisa nei seguenti periodi: 1) periodo predinastico (IV millennio, 33-30 aC); 2) il regno antico (XXX-XXIII secolo aC); 3) il regno di mezzo (XXI-XVIII secoli aC); 4) nuovo regno (XVI-XI secolo aC); 5) epoca tarda (XI-332 aC). Per molto tempo, la cultura egiziana si è sviluppata in isolamento. Nel mondo tradizionale dei regni orientali, non ci sono stati praticamente cambiamenti. Le regole ei canoni della creatività artistica che si erano sviluppati nell'antichità rimasero pressoché immutati. L'inviolabilità e la grandezza del potere del re furono enfatizzate una volta per tutte con metodi stabiliti. Il culto funebre era di grande importanza nella religione dell'antico Egitto. Tuttavia, anche nell'ambito di una così stretta aderenza a tradizioni e canoni, l'antica arte egizia non era priva di movimento. I tratti caratteristici dell'antica cultura egizia erano la coscienza del potere, il desiderio di preservarlo e accrescerlo, la sete di immortalità. L'arte nel suo insieme aveva un carattere monumentale che travolgeva lo spettatore. 2. Religione Il politeismo che esisteva in Egitto non contribuì alla centralizzazione dello stato. Il faraone Amenhotep IV (XIV secolo aC) cercò di attuare riforme religiose per stabilire il monoteismo. La caratteristica più importante della religione e della cultura dell'antico Egitto era la protesta contro la morte. Gli egiziani credevano nell'immortalità dell'anima: questa era la dottrina principale della religione egiziana e l'appassionato desiderio di immortalità determinò l'intera visione del mondo degli egiziani. Il desiderio di immortalità divenne la base per l'emergere del culto funebre, che svolse un ruolo estremamente importante nella storia dell'antico Egitto. La condizione principale dell'aldilà, gli egizi consideravano la conservazione del corpo del defunto. Questa preoccupazione ha portato all'emergere dell'arte di fare mummie. Per prolungare la vita dopo la morte, era importante occuparsi della costruzione di una tomba per il corpo. 3. Educazione e scienza. Letteratura L'emergere della scrittura egizia è attribuita al XXX secolo. AVANTI CRISTO e. Nonostante la complessità della scrittura geroglifica, già nel periodo più antico non solo sacerdoti, scribi e nobili, ma anche costruttori erano alfabetizzati. Nel III millennio aC. e. alla corte del faraone apparvero scuole in cui venivano formati i futuri scribi. La scienza era una parte importante della cultura egiziana: senza la conoscenza scientifica era impossibile gestire l'economia, l'edilizia, gli affari militari e il governo. La matematica si è sviluppata sotto l'influenza di bisogni pratici. Gli egizi impararono a determinare con precisione i tempi di semina, maturazione e raccolta del grano. Hanno creato un calendario accurato basato sulle osservazioni dei corpi celesti. La medicina ha fatto progressi significativi. Lo sviluppo della scienza medica fu favorito dall'usanza della mummificazione dei cadaveri, grazie alla quale sacerdoti e medici potevano studiare l'anatomia del corpo umano e dei suoi organi interni. Il successo dell'antica medicina egizia può essere considerato la dottrina della circolazione sanguigna e il cuore come il suo organo principale. Gli egiziani stabilirono una connessione tra danni cerebrali e disfunzioni di parti del corpo. Già nel periodo più antico si sviluppò la specializzazione dei medici: ad esempio, i medici differivano "uterino", oftalmico, dentale. Al II millennio aC. e. includere le carte geografiche più antiche pervenute fino a noi. Anche la conoscenza storica è stata accumulata. In Egitto, per lungo tempo hanno tenuto un elenco di re indicando le date esatte del regno e una descrizione dettagliata degli eventi accaduti durante gli anni del loro regno. La civiltà dell'antico Egitto ha lasciato all'umanità un ricco patrimonio letterario. La caratteristica più caratteristica dell'antica letteratura egizia è il suo inestricabile legame con la religione e l'indispensabile carattere tradizionale delle storie antiche. La maggior parte delle opere letterarie erano la forma d'arte dei miti. La letteratura ha svolto la funzione di spiegare domande sull'origine del mondo, il significato della vita e della morte, i fenomeni naturali, ecc. Molte di queste opere, insieme a un riflesso della realtà, contengono elementi di fantasia. 4. Musica, pittura La cultura musicale dell'Egitto è una delle più antiche al mondo. La musica accompagnava tutte le cerimonie religiose, le feste di massa e, quindi, era strettamente connessa con la danza e la letteratura. Le sono stati attribuiti poteri magici. I musicisti godevano di grande rispetto nella società, erano considerati parenti dei faraoni. Giocato su: 1) lira; 2) tamburo; 3) doppio flauto; 4) arpa. La pittura era molto comune anche nell'antico Egitto. La maggior parte dei murales dell'antichità non è stata conservata, ma molti campioni del Medio Regno sono caduti. Le cripte di questo periodo erano affrescate all'interno. Rappresentavano scene della vita, della vita delle persone, della natura sulle rive del Nilo. I servitori erano dipinti come molto piccoli. Nelle tombe di re e nobili sono stati ritrovati i cosiddetti "ushebti": numerose figurine di schiavi, musicisti, cuochi in pose libere e disinibite, contraddistinte da emotività e movimento. Nel tempo, le trame diventano più diverse, le scene diventano più dinamiche. La combinazione di colori diventa più morbida e ricca. Le immagini murali del Nuovo Regno hanno subito cambiamenti significativi. Nei rilievi e nei murales dei templi, le composizioni dinamiche e complesse sono state sostituite da soggetti lisci e senza fretta. Vediamo i carri in rapida corsa del grande conquistatore Thutmose III, storie di grandi viaggi, scene di caccia e magnifiche feste. Il colore dei dipinti è arricchito da sfumature rosa caldo, dorate che trasmettono le sfumature della pelle umana. 5. Architettura Una caratteristica importante dell'antica cultura egizia era la costruzione di piramidi. La comparsa di strutture come le piramidi portò alla ricerca di nuove forme architettoniche per esaltare il potere reale. Nel XXVIII sec. AVANTI CRISTO e. L'architetto del faraone Djoser, Imhotep, realizzò un edificio orientato verso l'alto da sette gradini decrescenti posti uno sull'altro (il numero 7 è sacro, l'altezza è di 70 m). I seguaci di Imhotep, sviluppando ulteriormente le sue idee, arrivarono alla creazione di piramidi del cosiddetto tipo classico, con bordi lisci, che colpirono l'immaginazione dei contemporanei e dei lontani discendenti. Il periodo del Nuovo Regno è particolarmente interessante per la sua architettura. I faraoni della XVIII dinastia conquistarono vasti territori (Sudan, Palestina, parte della Turchia, ecc.), poiché vi si concentravano notevoli risorse: oro, resine. Innumerevoli ricchezze permisero ai sovrani d'Egitto di decorare il paese e la capitale - Tebe - con magnifici templi. Di particolare importanza è il culto della divinità suprema Amon-Ra. Il principale tipo di struttura architettonica nel periodo del Nuovo Regno è il tempio. Nella capitale dell'Egitto, Tebe, furono creati due famosi complessi di templi a Karnak e Luxor, dedicati al culto di Amon-Ra. Se le tombe dei faraoni si trasformarono in luoghi di sepoltura segreti, la costruzione di templi funebri divenne ancora più importante per la glorificazione dei re. Un posto speciale tra i templi funerari è occupato dal tempio della regina Hatshepsut (XV secolo aC). Le tendenze emergenti nelle arti visive portarono alla sua straordinaria ascesa, passata alla storia con il nome di periodo di Amarna (inizio del XIV secolo aC). Questo è stato preceduto da gravi sconvolgimenti nella vita politica e religiosa dell'Egitto (vedi inizio della conferenza, la riforma di Akhenaton). Anche le opere d'arte trovate nella tomba del faraone Tutankhamon sono realizzate secondo le tradizioni dello stile di Amarna. Alla fine dei secoli XIII-XI. AVANTI CRISTO e. inizia un periodo di lungo declino. Si interrompe la costruzione di grandi strutture, si perdono le abilità dei maestri della plastica e della pittura. 6. Scultura L'architettura dell'Egitto era indissolubilmente legata alla scultura e la scultura era associata principalmente alle idee sull'aldilà. L'uomo era raffigurato in pose statiche. Gli scultori hanno cercato di creare un'impressione di monumentalità. Le statue sono dipinte con colori tradizionali. 1. Uomo - in rosso-marrone. 2. Donne - in giallo. Intarsiato con pietre preziose e metalli è stato utilizzato. Accanto alla piramide del faraone Chefren si trova un'incredibile statua della cosiddetta Grande Sfinge, una creatura fantastica con il corpo di un leone e la testa ritratto di un re. La base di questa struttura è una roccia calcarea, sapientemente lavorata da artigiani. Le dimensioni della statua sono enormi: lunghezza 57 m, altezza 20 m Il compito della sfinge è quello di custodire la strada dell'Ascensione, lungo la quale veniva trascinato il sarcofago con il corpo del faraone. I tratti del ritratto della sfinge coincidono con quelli del faraone Chefren. Le statue del principe Rakhotep e di sua moglie Nofret possono servire come esempi classici della scultura dell'Antico Regno. Durante il periodo di massimo splendore del Medio Regno, si formò una nuova direzione nell'arte plastica dell'Egitto. I maestri iniziano a prestare maggiore attenzione alle caratteristiche individuali dell'individuo. Con l'aiuto di dettagli accuratamente elaborati, si sforzano di mostrare il carattere di una persona, la sua età, il suo umore. Il nuovo stile di armonia e bellezza si manifesta anche nelle belle arti e nella scultura del Nuovo Regno. Quindi, i ritratti sul trono di Hatshepsut raffigurano una donna faraone in completo abbigliamento reale e persino con una barba artificiale: questo è il canone. Ma ci sono altre immagini della regina, dove appare in tutto il fascino della morbidezza e della bellezza femminile. Le conquiste più significative del periodo di Amarna sono associate allo sviluppo di un nuovo stile di forme plastiche, con una nuova interpretazione dell'immagine di una persona. L'arte ha seguito la via del riavvicinamento con la vita reale, la via della rivelazione del vero mondo interiore dell'uomo. L'apice dell'arte plastica del periodo in esame sono i busti ritratto della bella moglie di Akhenaton, la regina Nefertiti. La bella testa di Nefertiti su un collo lungo e flessibile è sormontata da una corona reale. L'impressione è esaltata dai caldi toni della carne del rivestimento, abbinati a una lussuosa collana e a una brillante corona blu della regina. Non solo nell'interpretazione delle immagini, ma anche nella trama del dipinto, appaiono molte cose nuove. Scene quotidiane e anche intime compaiono nei rilievi e nelle pitture murali di Akhetaten. Il faraone è raffigurato circondato da una famiglia con la sua amata moglie e bambini che giocano. CONFERENZA N. 19. Cultura dell'Antichità (Antica Grecia e Antica Roma) 1. Caratteristiche della cultura antica La cultura antica nella storia dell'umanità è un fenomeno unico, un modello e uno standard di perfezione creativa. Alcuni ricercatori lo definiscono un "miracolo greco". La cultura greca si è formata sulla base delle culture egea e crete-micenea ed è diventata la culla della moderna cultura europea. La particolare posizione geografica della Grecia è l'intersezione di trafficate rotte commerciali marittime; le città-stato con la loro democrazia; un modo speciale di pensare (contemplazione più un alto livello di logica) è il contenuto e l'originalità della cultura greca. L'antica Grecia andò ben oltre i confini nazionali, creando un'arte comprensibile sia agli Elleni che a tutti gli altri popoli. Antica Roma significa non solo la città di Roma, ma anche tutti i paesi e i popoli da essa conquistati come parte dello stato romano. L'arte romana è stata creata sia dai romani che: 1) gli antichi egizi; 2) Greci; 3) siriani; 4) abitanti della Gallia; 5) l'antica Germania e altri popoli. L'antica Roma ha fornito all'umanità un esempio di un ambiente culturale arricchito: città confortevoli con strade lastricate, magnifici ponti, edifici di biblioteche, archivi, palazzi con mobili solidi - tutto ciò che è caratteristico di una moderna società civile. La periodizzazione della cultura antica è molto complessa. 2. Religione Nella cultura antica, c'è il desiderio di esprimere la loro comprensione del mondo. Si stanno sviluppando categorie estetiche che esprimono valutazioni e aspetti importanti della visione del mondo greca. 1. Armonia. 2. Simmetria. 3. Bellezza. L'antica religione è caratterizzata dal politeismo - politeismo. Le prime divinità a Roma includono i patroni del focolare: i penates, lares - le anime divinizzate degli antenati e la dea Vesta, le cui sacerdotesse (Vestals) mantenevano un fuoco inestinguibile nel suo tempio. Gradualmente emersero divinità più individualizzate. Ad esempio, tra gli antichi greci - Zeus il Tonante, il dio supremo; dio della guerra Ares; il dio dell'elemento acqua Poseidone; dea dell'amore Afrodite. Presso i romani, Giove, Marte, Nettuno, Venere corrispondevano a questi dei. Numerosi collegi sacerdotali (vessali, auspici) mantennero il rispetto degli dei e l'osservanza di usi e costumi. Il culto era guidato da un collegio di pontefici guidato dal grande pontefice. 3. Teatro. Musica Il teatro ha svolto un ruolo importante nella vita degli antichi romani. Potrebbe esprimere i loro sentimenti ed emozioni. Il teatro non solo rifletteva la vita degli antichi greci e romani, ma serviva anche come manifestazione del loro interesse per la politica. L'antica Grecia ha lasciato 3 nomi degli autori della tragedia: 1) Eschilo; 2) Sofocle; 3) Euripide; 4) Aristofane è un comico. Lo stato si prendeva cura dei cittadini poveri, dando loro dei soldi per visitare il teatro. Interessante il destino del teatro in epoca ellenistica. La prima opera del creatore della "nuova commedia" - la commedia dei costumi Menandro (342-291 aC) è dedicata alla vita delle normali famiglie ateniesi con le loro preoccupazioni. Il teatro e il teatro greco sono nati dalle feste rurali in onore di Dioniso, il dio della vinificazione, accompagnate da canti, balli e spettacoli con la partecipazione di mummer. Più tardi, un artista speciale si è distinto dal coro: un attore. L'improvvisazione è stata sostituita da una precisa fissazione del ruolo dell'attore e del coro. Il teatro popolare aveva caratteristiche organizzative: consisteva in 3 parti: 1) orchestre (palchi); 2) sedili per spettatori; 3) pelli (spogliatoio). All'inizio, le decorazioni erano massicce strutture in legno, in seguito decorazioni dipinte. Il contenuto della tragedia greca richiedeva l'uso di macchine teatrali. I più comuni erano una piattaforma retrattile e un dispositivo che permetteva agli dei e ad altri attori di salire in aria e scendere. I ruoli femminili sono sempre stati interpretati da uomini. Gli attori greci indossavano maschere sui loro volti, che venivano sostituite anche durante l'esecuzione di un ruolo. Per aumentare la loro altezza, gli attori della tragedia hanno usato koturny - scarpe con zeppa. In epoca ellenistica, l'arte dell'attore divenne una professione. Le origini del teatro e del teatro romano risalgono alle feste campestri del raccolto. Edifici teatrali permanenti a Roma fino alla metà del I sec. AVANTI CRISTO e. non aveva. Nella commedia, l'azione di solito si svolgeva in una strada cittadina. L'architettura del teatro romano aveva una serie di caratteristiche che lo distinguevano dal teatro greco. I posti per gli spettatori erano disposti su uno o più livelli a forma di semicerchio. Gli spettacoli circensi e i combattimenti di gladiatori tenuti nel Colosseo erano molto popolari. Anche la musica era di grande importanza nell'antichità. I greci credevano che l'armonia nella musica creasse l'umore di una persona. Cantare e suonare strumenti musicali costituiva una parte significativa dei concorsi di varie politiche. La musica tra i greci era strettamente associata alla poesia e alla danza. I grandi tragici greci - Eschilo, Sofocle, Euripide - non furono solo brillanti drammaturghi, ma anche compositori. I principali strumenti musicali degli antichi greci: 1) lire; 2) cetra; 3) arpa. Anche a Roma esisteva una cultura musicale distintiva. Si sono conservate le descrizioni di antichi canti trionfali, nuziali, funebri e bevuti, la cui esibizione era accompagnata dal suono di uno strumento musicale. I romani nobili e ricchi tenevano le orchestre agli schiavi. 4. Illuminismo L'educazione dei cittadini nati liberi nell'antica Grecia era finalizzata alla formazione di proprietari di schiavi che sapessero come mantenere gli schiavi in soggezione e proteggere il loro stato dai nemici esterni. A seconda delle condizioni di sviluppo, si svilupparono vari sistemi di istruzione, di cui i più famosi furono due: 1) spartano; 2) Ateniese. A Sparta (Laconica), i ragazzi che hanno raggiunto l'età di 7 anni sono stati collocati in un istituto scolastico chiuso, dove sono rimasti fino all'età adulta. L'istruzione era rivolta principalmente all'allenamento fisico. L'insegnamento della lettura e della scrittura non era incluso nel programma di istruzione obbligatoria. Con i bambini sono state condotte conversazioni su argomenti politici e hanno cercato di sviluppare un discorso breve ma significativo ("laconico"). L'educazione ateniese era molto più versatile e si poneva come compito una combinazione di principi morali, estetici e fisici. Fino all'età di 7 anni i ragazzi venivano allevati in casa; poi hanno frequentato le scuole di grammatica, dove hanno imparato a leggere, scrivere e contare, e in seguito hanno imparato a cantare, suonare strumenti musicali e memorizzare le poesie di Omero. Dall'età di 12-13 anni i ragazzi si sono trasferiti in palestra, dove hanno ricevuto educazione fisica. I giovani più ricchi frequentavano poi il ginnasio, dove studiavano filosofia, politica e letteratura. Le ragazze erano cresciute in famiglia, abituate alle pulizie e alla gestione degli schiavi. L'educazione romana come sistema si sviluppò durante il periodo della repubblica. Con lo sviluppo delle città sorsero scuole in cui ai ragazzi veniva insegnato a leggere, scrivere e contare. Gli aristocratici diedero ai loro figli la loro educazione iniziale a casa. Molta attenzione nel sistema educativo è stata data all'allenamento fisico dei giovani. Nell'era dell'Impero, l'educazione diventa sempre più formale. 5. Scienza Nell'antichità, anche la conoscenza scientifica si sviluppò attivamente. Tra le scienze spiccano: 1) geografia (Eratostene); 2) fisica (Democrito); 3) filosofia (Socrate, Platone, Aristotele, Democrito, ecc.). Sotto gli auspici dello Stato si sta costituendo la famosa biblioteca e scuola scientifica di Alessandria - l'Alessandria Museion - prototipo delle nuove accademie europee delle scienze. Lo Stato si è occupato del rifornimento della biblioteca locale. La conoscenza delle scienze naturali di Roma si è formata sulla base dello sviluppo di una produzione secolare, dell'esperienza degli stessi romani e dell'assimilazione della cultura di altri popoli del Mediterraneo. Opere conosciute: 1) 3 libri "Sull'agricoltura" di M. T. Varron; 2) "Sull'agricoltura" di Catone il Vecchio; 3) Columella "Sull'agricoltura"; 4) Poema di Virgilio "Georgica"; 5) "Dieci libri sull'architettura" di Vitruvio. La crescita territoriale dell'Impero Romano contribuì all'espansione delle conoscenze geografiche: apparvero una grande carta geografica e opere geografiche. Si sviluppò anche la medicina. La matematica tra i romani era strettamente applicata in natura e si accontentava di calcoli approssimativi. 6. Letteratura La letteratura si sviluppò rapidamente. Periodo VI-IV sec. AVANTI CRISTO e. chiamati "Classici Greci". Lo sviluppo della poesia lirica, nata dal bere e dai canti nuziali, testimonia l'attenzione alla persona, al mondo dei suoi sentimenti e delle sue esperienze. La grande poetessa greca Saffo canta bellezza e amore nelle sue poesie. Ma questo non era il caso nelle poesie di Omero. La letteratura cerca di riflettere le debolezze ei vizi dell'uomo: nasce un genere di prosa speciale: una favola. "Il padre della favola" Esopo denuncia saggiamente e senza pietà i lati oscuri dell'anima umana. La letteratura del popolo romano iniziò a prendere forma nel 280° secolo aC. AVANTI CRISTO e. Insieme alla poesia di culto, esisteva anche a Roma la poesia profana. Il più antico monumento letterario della prosa latina è il discorso contro Pirro pronunciato in Senato da Appio Claudio il Cieco nel 254 a.C. e. L'autore romano, le cui opere ci sono note, discendenti, in pieno, fu il drammaturgo Plauto (c. 184-106 aC). Un esempio di oratoria furono i discorsi di Marco Tullio Cicerone (43-99 aC). Insieme alla letteratura in prosa, anche la poesia latina ottenne un grande successo nell'opera di Lucrezio Cara (c. 55-XNUMX aC), l'autore del poema filosofico Sulla natura delle cose. Gaio Valerio Catullo (c. 84-54 aC) fu un eccezionale poeta lirico. Divenne famoso come autore di poesie liriche originali indirizzate all'amata donna Lesbia. Le più grandi opere letterarie furono realizzate dai poeti Virgilio (70-19 aC) e Orazio (65-8 aC). Il creatore dell'elegia romana classica fu Tibullo (50-19 aC circa). Publio Ovidio Nason (43 aC - 17 dC) divenne famoso per i suoi testi d'amore, il libro "La scienza dell'amore". Le sue "Metamorfosi" ("Trasformazioni") e "Eroidi" ("Messaggi") sono un trattamento poetico dei miti greci e romani. Di particolare importanza è il "Satyricon" di Petronio (I secolo), uno dei primi romanzi antichi, in cui viene fornito un quadro accusatorio della vita di una depravata provincia italiana. 7. Pittura L'era dei classici particolarmente alti (450-400 aC) non tollerava modelli con difetti: tutto in una persona deve essere perfetto. Il regno dell'imperatore Nerone, uno dei sovrani più crudeli della storia romana, fu il periodo d'oro della ritrattistica. L'evoluzione della sua immagine può essere tracciata in tutta una serie di ritratti. I ritratti successivi rappresentano Nerone come una natura complessa e contraddittoria. Gli artisti dell'antica Roma per la prima volta prestarono molta attenzione al mondo interiore di una persona e lo rifletterono nel genere del ritratto, creando opere che non avevano eguali nell'antichità. Pochissimi nomi di artisti romani sono sopravvissuti fino ad oggi. La pittura dell'epoca della repubblica è caratterizzata da ritratti molto vicini all'originale. Trasmettono tutte le più piccole caratteristiche del volto umano, dotandolo inoltre delle caratteristiche della vecchiaia, della fine della vita. Il protagonista del ritratto era un anziano patrizio volitivo, che, secondo le leggi romane, aveva il "diritto di vita e di morte" di tutti i suoi familiari. A metà del I sec. nelle arti visive iniziò a prendere forma il genere della natura morta (dal francese "natura morta"), che mostrava oggetti inanimati. I romani raffiguravano sia macellerie, in cui sono appese le carcasse di animali morti, sia opere simboliche: ad esempio un tavolo d'oro su uno sfondo di drappeggi scarlatti. L'imperatore Traiano rifiutò acconciature lussureggianti, ricchi di chiaroscuri. L'arte del suo tempo è impegnata nell'ideale dell'apparente semplicità: qui appaiono la grandezza e la potenza, prima assenti nelle opere d'arte. Con l'avvento dell'era degli "imperatori soldati", i maestri smisero di raffigurare capelli lussureggianti, quasi si tolsero baffi e barbe. L'era della geometria in Grecia (IX-VIII secolo aC) è stata a lungo sottovalutata dagli scienziati; era considerata povera nel decorare le cose. I murales sono stati dominati dallo stile geometrico, dal nome delle forme chiare e logiche delle principali tecniche decorative: 1) rombo; 2) quadrato; 3) rettangolo; 4) cerchio; 5) zigzag; 6) riga. Tuttavia, ogni nave contiene molte informazioni sul mondo, crittografate nella sua forma e nella sua pittura. 8. Architettura I Greci creano una città in cui si forma un sistema ponderato e chiaro di forme architettoniche - un ordine (dal latino ordo - "ordine", sistema), che diventa poi la base dell'architettura greca e della nuova Europa. I romani iniziarono per la prima volta a costruire città "tipiche", il cui prototipo erano gli accampamenti militari romani. Furono posate due strade perpendicolari, all'incrocio delle quali fu eretto il centro cittadino. La pianificazione urbanistica era soggetta a uno schema rigorosamente ponderato. I romani inventarono il cemento, il materiale da costruzione più importante, con l'aiuto del quale ripararono gli edifici in costruzione. I primi ordini greci sono dorico e ionico (i nomi sono legati ai luoghi di origine). Successivamente compare l'ordine corinzio, vicino a quello ionico. Nel 60° secolo AVANTI CRISTO e. si sta completando la formazione delle principali tipologie di templi. Gli architetti hanno scelto l'ordine dei templi in base al sesso, allo spirito e all'autorità olimpica della divinità. Ci sono state mostre e discussioni. Negli anni '4. XNUMX° secolo AVANTI CRISTO e. Fu ricostruito il tempio di Zeus ad Olimpia, il più importante santuario panellenico, dove si svolgevano i Giochi Olimpici ogni XNUMX anni. La storia di Roma si divide in due fasi. 1. La prima - l'era della repubblica - avvenuta alla fine del VI sec. AVANTI CRISTO e. 2. La seconda fase - quella imperiale - iniziò durante il regno di Ottaviano Augusto e durò fino al IV secolo. n. e. Un'altra attrazione di Roma: la piazza del mercato - il foro. Da un lato confinava con l'imponente edificio dell'Archivio di Stato - il Tabularium. Nella piazza torreggiavano templi, tra cui il Tempio rotondo di Vesta. Qui sorgevano anche colonne, a cui erano attaccati i turni: le prue delle navi nemiche sconfitte (colonne rostrali) e una "strada sacra" passava lungo la quale si ergevano le panchine. L'ampio foro era circondato da un colonnato a 2 piani. C'era un grande anfiteatro, progettato per 20mila spettatori, superava di gran lunga le esigenze degli abitanti della città. Interessanti edifici di case romane - "domuse". Si trattava di strutture rettangolari che si estendevano lungo il cortile e si affacciavano sulla strada con muri di testa ciechi. La stanza principale era un atrio (lat. atrium - "ingresso") con un foro al centro del tetto, sotto il quale vi era una vasca per la raccolta dell'acqua. In generale, l'atrio fungeva da "pilastro del mondo", collegando ogni casa romana con il cielo e gli inferi. Nell'atrio c'era un armadio per riporre maschere di cera di antenati e immagini di buoni spiriti protettori: lares e penates. All'interno le case sono state dipinte. Gli affreschi splendidamente conservati mostrano com'era il tipico ambiente di vita di un romano. Nero ha deciso di dare alla Roma un nuovo look. Per decreto dell'imperatore, furono segretamente bruciati diversi isolati, sul sito in cui l'imperatore eresse la famosa Casa d'Oro. Molte delle sue sale sono state conservate, alcune delle sale hanno una forma insolita (ad esempio, ottagonale). Negli anni 70-80. 50° secolo n. e. fu costruito il grandioso anfiteatro Flavio, detto il Colosseo (dal latino collosseo "enorme"). Fu costruito sul sito della distrutta Casa d'Oro di Nerone e apparteneva a un nuovo tipo architettonico di edifici. Il Colosseo romano era un'enorme vasca con file di sedili a gradini, racchiusa dall'esterno da un muro anulare. Ha ospitato circa 4mila spettatori. All'interno c'erano XNUMX ordini di sedili. Nelle giornate di sole, un enorme baldacchino di tela - velarium - veniva tirato sul Colosseo. Negli anfiteatri furono dati vari spettacoli: battaglie navali, battaglie di persone con animali esotici, combattimenti di gladiatori. I romani praticamente non mettevano in scena tragedie e anche le commedie non ebbero successo. Il secondo capolavoro dell'architettura di epoca flavia è il famoso Arco di Trionfo di Tito. L'arco fu eretto in onore del sovrano nell'81, dopo la sua morte. Ha immortalato la campagna di Tito nel 70 a Gerusalemme. Le ceneri di Tito furono sepolte in soffitta. Così hanno seppellito solo persone con carisma speciale (greco "dono divino"), cioè dotate di qualità personali eccezionali. Altri cittadini riposavano lungo le strade fuori dalle porte della città di Roma. Sotto Troia, l'Impero Romano raggiunse l'apice del suo potere. Questo imperatore era considerato il migliore di tutti nella storia romana. Il monumento più famoso di Troyan a Roma è il suo foro. Architettura romana nel XNUMX° secolo i termini (bagni) di Caracalla sono particolarmente grandiosi. Le terme per i romani erano una sorta di circolo, dove l'antica tradizione delle abluzioni rituali veniva via via invasa da complessi per spettacoli e classi, palestre e palestre, biblioteche e aule per lezioni di musica. Le Terme di Caracalla occupavano un'area colossale con prati, avevano sale di acqua calda, calda e fredda. 9. Scultura. pittura vascolare Nella scultura antica del periodo arcaico sono ancora comuni statue di divinità antropomorfe (simili a esseri umani). E i personaggi delle statue del VII-VI secolo. AVANTI CRISTO e. non solo dei, ma anche giovani - kuros e ragazze - abbaiano, partecipanti alle processioni religiose. Le singole statue assomigliano a colonne: le braccia sono strettamente premute sul corpo, i piedi sono allo stesso livello. Le figure maschili e femminili hanno quasi le stesse proporzioni: vita sottile e spalle larghe, con l'unica differenza che le statue maschili molto spesso appaiono nude, e le statue femminili sono vestite. Entro la fine del VI - l'inizio del V secolo. AVANTI CRISTO e. le proporzioni delle figure diventano più naturali, ei loro movimenti più liberi. Le forme del corpo diventano più forti, più reali e il sorriso scompare dai volti. Gli scultori Fidia, Miron, Polikleitos lavorarono nell'antica Atene. Gran parte del loro lavoro è pervenuto a noi in copie marmoree romane. L'ulteriore sviluppo della scultura è associato a un aumento dell'interesse per il mondo interiore dell'uomo. La mascolinità e la severità delle immagini dei classici vengono sostituite dalla scultura, dove gli autori riescono a trasmettere il mondo spirituale sottile e ricco con mezzi plastici. Qui si mostrò magnificamente il famoso maestro antico Prassitele (c. 390-330 aC). Originario dell'isola di Paro, Skopas (IV secolo aC), trasmette l'intensità delle emozioni, a volte un tragico crollo. Lo scultore Lisippo, lavorando il bronzo, si diede altri compiti. Un altro elemento importante dell'arte dell'antichità sono i vasi dipinti. Le loro forme e dimensioni variavano notevolmente. C'erano diversi tipi di navi, come ad esempio: 1) cratere; 2) pelo; 3) anfora; 4) nefora; 5) idria; 6) canfar; 7) baccalà; 8) kylix; 9) lenif; 10) luo per; 11) oinochoa; 12) psichiatra; 13) skyphos; 14) stamnos. In Attica, VI sec AVANTI CRISTO e. - l'area di Atene - erano popolari le navi in stile a figure nere: le figure nere erano posizionate su uno sfondo chiaro. Tuttavia, hanno introdotto una serie di innovazioni, come la vernice. Il vasaio e il pittore di vasi appongono le loro firme sui vasi. Ma da circa 30 anni. VI secolo AVANTI CRISTO e. lo stile a figure rosse divenne di moda: le figure divennero chiare e lo sfondo scuro. CONFERENZA N. 20. Cultura del Giappone 1. Caratteristiche della cultura giapponese La periodizzazione della storia e dell'arte giapponese è molto difficile da capire. I periodi (soprattutto a partire dall'VIII secolo) furono caratterizzati dalle dinastie dei sovrani militari (shogun). L'arte tradizionale del Giappone è molto originale, i suoi principi filosofici ed estetici differiscono da quelli occidentali. La loro formazione è stata influenzata dall'atteggiamento speciale dei giapponesi nei confronti della bellezza della loro natura nativa, che fin dall'antichità era percepita come una perfezione creata da Dio. Adorando la bellezza della natura, i giapponesi hanno cercato di vivere in armonia con essa e rispettarne la grandezza. 2. Letteratura La tradizione letteraria giapponese è considerata una delle più antiche. Le prime opere scritte risalgono all'VIII secolo. Il loro aspetto è associato al prestito della scrittura geroglifica cinese. La letteratura giapponese è stata a lungo influenzata dalla letteratura cinese. I primi monumenti scritti della letteratura giapponese sono raccolte di miti e leggende giapponesi sulle gesta di divinità ed eroi leggendari. VIII secolo considerato il periodo di massimo splendore della letteratura di corte (prosa e poesia). In questo momento si formarono generi letterari come la leggenda e il "diario". Durante il periodo di Kamakura e Muromachi, quando la classe militare e i samurai giocavano un ruolo di primo piano nella società giapponese, le cronache militari acquisirono grande fama e popolarità. Le trame delle cronache militari sono servite come base per molte opere teatrali nello stile di noh, kabuki e jeruri. Il genere classico della poesia giapponese è considerato una poesia chiamata "strofa breve", composta da 5 versi (31 sillabe - distribuzione lungo le righe 5-7-5-7-7). Questa è la poesia "alta" in giapponese, che godeva del patrocinio speciale della corte imperiale. A corte furono organizzati speciali concorsi di poesia, le migliori poesie furono combinate in raccolte imperiali. Nel XNUMX° secolo leggende, parabole e storie nate in forma orale hanno guadagnato grande popolarità. Quindi si forma la prosa dell'autore. Il genere principale per molto tempo è stato gesaku - storie divertenti di genere, il cui contenuto principale erano storie divertenti della vita circostante. La letteratura nel genere del gesaku era divisa in diverse aree: 1) "storie spiritose", il cui tema principale era principalmente storie divertenti e spesso ciniche, comprese storie di vita di "quartieri divertenti"; 2) "fumetti"; 3) "libri delle passioni umane" - storie sentimentali, ma molto realistiche sulle donne dei "distretti delle delizie" e sui loro ammiratori. Lo stile gesaku non è sopravvissuto alla caduta dello shogunato Tokugawa, nella nuova letteratura giapponese della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo. c'è stata una brusca svolta causata dall'influenza e dalla popolarità della letteratura occidentale. 3. Religione I principi estetici dell'arte giapponese si sono formati sotto l'influenza di tre importanti dottrine religiose e filosofiche che hanno determinato la tradizionale visione del mondo degli abitanti della Terra del Sol Levante: 1) Shintoismo; 2) Confucianesimo; 3) Buddismo. La venerazione della natura come principio divino ha preso forma nell'antica religione nazionale dei giapponesi - lo Shintoismo. Inizialmente, ogni clan aveva le proprie divinità protettrici; tuttavia, il pantheon shintoista ufficiale era formato dalle divinità protettrici del clan ascendente Yamato. In onore delle divinità shintoiste furono costruiti numerosi templi, situati, di regola, nei boschetti della foresta e sulle montagne. Ogni tempio era circondato da un giardino con un piccolo stagno e pietre muschiose; il tempio era circondato da porte sacre e la strada per raggiungerlo era decorata con numerose lanterne di pietra. Il confucianesimo, come il buddismo, è arrivato in Giappone dalla Cina. Il confucianesimo è generalmente inteso come l'antica dottrina religiosa e filosofica cinese, che elevava i principi etici alla categoria delle leggi universali. Secondo i canoni confuciani, il principio guida dell'universo è il cielo. Il rappresentante plenipotenziario del Cielo in terra è l'imperatore, dalla cui rettitudine dipende il benessere dello Stato. I cittadini sono tenuti a onorare l'imperatore, osservare rigorosamente le leggi e i rituali e osservare i principi morali. La persona ideale, dal punto di vista confuciano, è un marito illuminato e nobile, che ha a cuore gli interessi del suo stato ed è devoto al suo imperatore. Il buddismo ha svolto un ruolo importante nello sviluppo dell'arte tradizionale giapponese. Al centro della filosofia buddista c'è l'idea che il cosiddetto mondo reale (samsara) sia in realtà un'illusione umana che è apparsa a causa di un'incomprensione dell'essenza delle cose. Questo porta a una catena di rinascite multiple, ognuna delle quali rappresenta tormento e sofferenza. La filosofia buddista afferma anche che una persona può, attraverso i giusti sforzi, essere liberata da queste sofferenze e uscire dal ciclo del samsara. Il buddismo zen e le arti correlate sono un argomento speciale. Il Buddismo Zen iniziò a prendere piede in Giappone nel XIV secolo e il fondatore dello shogunato Ashikaga (Muromachi) prese il Buddismo Zen sotto il suo patrocinio. Secondo i concetti Zen, lo stato di illuminazione (satori) si ottiene attraverso l'esperienza diretta: meditazione, pratica spirituale e comunicazione con insegnanti spirituali. Il Buddismo Zen era particolarmente vicino alla classe dei samurai. Le idee Zen hanno ispirato arti come: 1) teatro ma; 2) l'arte di decorare i fiori (ikebana); 3) cerimonia del tè, architettura. L'estetica tradizionale giapponese, combinando ideali shintoisti, confuciani e buddisti, ha sviluppato principi speciali, la cui comprensione è la chiave dell'arte giapponese. I più importanti di questi principi sono: 1) furyuu (gusto esaltato, educazione e sviluppo della mente, in particolare questo principio applicato alla pittura di paesaggio, all'arte del giardino, all'architettura, alla cerimonia del tè e alla decorazione floreale); 2) mono-ma consapevole; 3) wabi; 4) sabi; 5) Yugen. La tradizione delle arti performative giapponesi ha 5 generi teatrali principali: 1) bugaku; 2) ma; 3) kegen; 4) bunraku; 5) kabuki. Tutte queste cinque tradizioni esistono ancora oggi. Nonostante differenze significative, sono uniti da principi estetici comuni che sono alla base dell'arte tradizionale giapponese. 4. Teatro Una funzione estetica speciale è svolta nel teatro dai magnifici e lussuosi abiti degli attori; maschere che esprimono le sfumature più sottili dei sentimenti umani con profondo psicologismo. Nei drammi, l'enfasi principale era sulle immagini psicologiche. La comprensione delle capacità recitative del teatro è iniziata fin dalla prima infanzia ed è migliorata nel corso della vita. Il teatro ma anche il pubblico richiedeva formazione e istruzione. Il repertorio è molto vario; Attualmente si conoscono circa 240 ascolti di vario contenuto. È interessante notare che nel teatro classico tutti i ruoli, comprese le donne, sono interpretati solo da uomini. La tradizione del teatro kabuki è legata alla cultura urbana. Il kabuki era uno spettacolo preferito dagli abitanti delle città di ogni ceto e livello di ricchezza e si adattava ai gusti di questo pubblico. L'emergere del teatro kabuki risale all'inizio del XVII secolo. Sia l'aspetto che il comportamento della troupe hanno scioccato il pubblico, quindi i balli che hanno eseguito sono stati chiamati kabuku, che significa "deviare", "shock". Inizialmente il teatro kabuki era prevalentemente femminile, ma il governo, insoddisfatto del comportamento frivolo delle attrici, nel 1629 vietò la partecipazione delle donne al teatro. I giovani uomini iniziarono a sostituire le donne nel kabuki, ma dal 1652 lo shogunato bandì il kabuki maschile per gli stessi motivi. Da allora, solo i maschi adulti possono partecipare a produzioni teatrali kabuki e gli spettacoli sono diventati soggetti a una severa censura. Parallelamente alla tradizione del kabuki, si sviluppò anche la tradizione del teatro di marionette giapponese, jeruri. Ogni bambola, che è approssimativamente da 1/2 a 2/3 dell'altezza di una persona, è controllata da 3 persone contemporaneamente; le bambole hanno occhi, palpebre, sopracciglia, bocca, braccia e gambe mobili. I burattinai sono vestiti di nero, due assistenti hanno persino un berretto nero sul viso. Il recitatore non solo legge il testo, ma "voce" anche tutti i pupazzi contemporaneamente. 5. Pittura Le correnti religiose del Giappone hanno influenzato lo sviluppo dell'arte giapponese. La storia leggendaria del Giappone, le gesta degli dei e degli eroi sono diventate la base della trama di molte opere d'arte giapponesi. Un paesaggio naturale idealizzato serviva come espressione dei principi estetici confuciani nella pittura, inducendo lo spettatore a lottare per la perfezione e l'impeccabilità. Le idee Zen hanno anche ispirato l'arte, inclusa la pittura a inchiostro monocromatica su carta. La pittura buddista si diffuse, concentrandosi sulle immagini canoniche del pantheon buddista. Gli oggetti dell'arte buddista includono iscrizioni calligrafiche. La pittura tradizionale giapponese è caratterizzata da un'ampia varietà di stili, forme e tecniche. Le opere pittoresche potrebbero avere la forma di pergamene sospese, pergamene di formato orizzontale, che si dispiegano mentre vengono visualizzate, potrebbero essere sotto forma di fogli di album separati, adornavano ventagli, schermi, pareti. Le basi di tutti gli stili di pittura sono due direzioni principali: 1) continentale (proveniente dalla Cina); 2) giapponese. Fino al X secolo circa nella pittura giapponese dominata dalla direzione cinese. Nel Medioevo, la direzione namban era popolare - letteralmente "barbaro del sud" - come i giapponesi chiamavano gli europei. Gli artisti Namban hanno imitato la pittura occidentale. Dall'inizio del XVIII sec. in Giappone, lo stile bundzing, letteralmente "pittura illuminata" ("Impressionismo giapponese"), entra di moda. Questo genere ha influenzato l'artista Katsushika Hokusai. Ukiyo-e è uno degli stili più popolari dell'arte giapponese. Apparve nella prima metà del XVII secolo e nella seconda metà del XIX secolo. cadde in rovina. Di solito, ukiyo-e è inteso come opere di genere popolari e diffuse: pittura e, in particolare, incisione. Il termine ukiyo-e significa "il mondo del dolore" - così è chiamato il mondo del samsara. Nel 1° secolo queste idee sono state in qualche modo ripensate. Anche il mondo dei piaceri transitori iniziò a essere chiamato ukiyo-e, solo che era scritto con un geroglifico diverso con lo stesso suono, che letteralmente significa "passato fluttuante". Gli artisti ukiyo-e si sono concentrati sugli abitanti di questo mondo volubile di piaceri fugaci: 1) belle donne; 2) famose geishe e cortigiane; 3) attori di teatro kabuki; 4) scene erotiche; 5) feste e fuochi d'artificio; 6) fiori e uccelli. Fine XVIII-inizio XIX secolo considerata l'età d'oro di ukiyo-e. In questi anni lavorarono maestri come Kitagawa Utamaro (1753-1806) e altri, nei primi trent'anni del XIX secolo. uno dei soggetti preferiti di ukiyo-e è il paesaggio. Katsushiku Hokusai è considerato il maestro insuperabile dell'incisione paesaggistica giapponese. Va anche notato che in Giappone l'ukiyo-e è stato a lungo considerato un genere "basso", quindi un numero enorme di opere è andato perso. È interessante notare che gli stranieri hanno aiutato gli stessi giapponesi a considerare l'ukiyo-e come un'opera d'arte a tutti gli effetti. L'estetica Ukiyo-e ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo dell'impressionismo, in particolare su artisti come E. Degas, C. Monet e soprattutto su W. Van Gogh. 6. Architettura, scultura. Arti e mestieri Giappone dal V secolo costruito templi buddisti. Aperti alla vista, servivano come decorazione dell'area; i loro alti tetti a più livelli si inseriscono organicamente nel rilievo, fondendosi armoniosamente con il paesaggio circostante. La struttura dell'attuale complesso del tempio comprendeva solitamente pagode, un campanile, una sala per le prediche, una biblioteca (deposito di manoscritti), una sala di meditazione, un'abitazione per i monaci e un refettorio. Grandiosi castelli con alte torri, decorati con tetti a più livelli, divennero una caratteristica dell'architettura giapponese del XVI-VII secolo. Grandi roccaforti ben fortificate erano le capitali di specifici capi samurai. Castelli gradualmente invasi da intere città. Tali castelli erano molto diversi dalle fortificazioni precedenti, castelli di montagna su vette remote. Il cuore del castello era la torre principale in legno, eretta su fondamenta in pietra. Attorno a questa torre furono costruiti muri in pietra con annessi annessi e cortili e furono scavati fossati di protezione. Il proprietario del castello e la sua cerchia ristretta abitavano nella torre principale, c'erano diversi tipi di torri: 1) singolo; 2) doppio; 3) e talvolta 3-4 torri di diverse dimensioni torreggiate su una piattaforma. Ogni castello aveva, di regola, diverse porte. Per le esigenze di difesa del castello fu utilizzato un intero sistema di fossati, trincee, canali, stagni, porte d'acqua e condutture segrete, che rifornivano il castello di acqua proveniente da sorgenti sotterranee. In alcuni cortili potrebbero essere allestiti giardini tradizionali. Composizione rigorosamente congegnata di piccoli giardini giapponesi, modelli in miniatura dell'Universo creano gli ospiti per il riposo e la riflessione nella loro solitudine. Gli articoli per la casa in Giappone hanno svolto il ruolo di attributi rituali. I maestri hanno cercato di dare loro un aspetto impeccabile. Ad esempio, molte ciotole per la cerimonia del tè erano apprezzate in modo insolitamente alto per "il sigillo della bellezza ultraterrena", contenente l'intero Universo. Lo stesso vale pienamente per molte altre opere d'arte: 1) figurine di netsuke; 2) scatole inro; 3) prodotti laccati; 4) un elegante kimono a maniche corte con un arredamento squisito e stravagante; 5) schermi; 6) ventilatori; 7) lanterne; 8) armi tradizionali giapponesi. CONFERENZA N. 21. La cultura dei paesi arabi 1. Caratteristiche della cultura dei paesi arabi La geografia del mondo arabo moderno è sorprendentemente diversificata. La penisola arabica era divisa tra Arabia Saudita, Yemen, Oman e altri stati. L'Iraq divenne il successore delle civiltà della Mesopotamia; Siria, Libano e Giordania occupano i territori dell'antica Siria. L'Egitto ereditò i possedimenti dell'antico Egitto che si estendevano lungo il Nilo. Sulla costa nordafricana del Mar Mediterraneo, che ha ricevuto il nome di Maghreb (arabo, "ovest") dai geografi arabi medievali, si trovano gli stati di Libia, Tunisia, Algeria e Marocco. La storia e la cultura dei paesi arabi è anche strettamente connessa con l'Iran e la Turchia. La cultura araba medievale si sviluppò anche in quei paesi che subirono l'arabizzazione (adottò l'Islam), dove l'arabo classico dominò a lungo come lingua di stato. La maggiore fioritura della cultura araba cade nei secoli VIII-XI: 1) poesia sviluppata con successo; 2) sono state raccolte le famose fiabe "Mille e una notte"; tradusse molte opere di autori antichi. Gli arabi durante questo periodo hanno dato un contributo significativo al mondo della scienza matematica, allo sviluppo della medicina e alla filosofia. Hanno creato monumenti architettonici originali. 2. Religione. Islam L'Islam era la base della vita religiosa degli abitanti dell'Oriente. L'Islam (arabo, "sottomissione") è la più giovane delle religioni del mondo. Nel mondo moderno, l'Islam è la seconda religione mondiale in termini di numero di seguaci. È una religione monoteista e in quasi tutti i paesi a maggioranza musulmana l'Islam è la religione di stato. Ma l'Islam non è solo una religione. Questo è un sistema di relazioni tra una persona e la società, che determina il modo di vivere di un musulmano. L'Islam ebbe origine in Arabia nel VII secolo e fu fondato da Maometto. Questa religione si sviluppò sotto l'influenza del cristianesimo e dell'ebraismo. A seguito delle conquiste arabe si diffuse nel Vicino e Medio Oriente, in alcuni paesi dell'Estremo Oriente, dell'Asia e dell'Africa. La forma ideale di statualità islamica è una teocrazia laica egualitaria. Tutti i credenti, indipendentemente dal loro stato sociale, erano uguali davanti alla legge divina; imam o mullah - il capo della preghiera comune, che può essere guidata da qualsiasi musulmano che conosca il Corano. Solo il Corano ha potere legislativo, mentre il potere esecutivo - religioso e secolare - appartiene a Dio ed è esercitato attraverso il califfo. Le principali direzioni dell'Islam: 1) sunnismo; 2) sciismo; 3) Wahhabismo. Riformatori della seconda metà del XIX - inizio XX secolo. (ad esempio, al-Afghani) intendeva la riforma come la pulizia dell'Islam da distorsioni e accrescimenti attraverso un ritorno alla prima comunità musulmana. Nel XX secolo. soprattutto come reazione all'influenza dell'Occidente, nei paesi musulmani emergono ideologie basate sui valori islamici (pan-islamismo, fondamentalismo). 3. Vita e costumi dei musulmani. Shari'a La principale fonte della dottrina musulmana è il Corano (in arabo, "leggere ad alta voce"). La seconda fonte della dottrina musulmana - la Sunnah - esempi dalla vita di Maometto come esempio di risoluzione di problemi socio-politici religiosi. La Sunnah è composta da hadith che raccontano le dichiarazioni di Maometto su una questione particolare. Attraverso la rivelazione, i segni e i nomi, una persona può comprendere solo in parte il significato del divino nel mondo e un musulmano è obbligato a crederci. Ogni gruppo religioso nell'Islam era unito in una comunità separata (ummah). Il Corano, oltre a prediche, preghiere, incantesimi, storie edificanti e parabole, contiene norme rituali e legali che regolano vari aspetti della vita della società musulmana. In conformità con queste istruzioni, vengono costruiti i rapporti familiari, legali e patrimoniali dei musulmani. La parte più importante dell'Islam è la Sharia, un insieme di norme di moralità, legge, principi culturali e di altro tipo che regolano l'intera vita sociale e personale di un musulmano. Le tradizionali norme di comportamento della società orientale erano combinate con il pensiero e la mitologia tradizionali, una parte importante della quale era rappresentata da angeli e demoni, o jinn. I musulmani avevano molta paura del malocchio, credevano nell'immortalità dell'anima e nell'aldilà. Grande importanza nell'Oriente arabo era attribuita ai sogni. Anche la divinazione era molto diffusa. 4. Scienza. Letteratura. lingua araba Fin dal VII secolo. come si sviluppano le scienze applicate alle discipline religiose: 1) grammatica; 2) matematica; 3) astronomia. Il loro sviluppo è avvenuto nel processo di stretti contatti tra i musulmani e le altre culture orientali: 1) siriano; 2) persiano; 3) indiano. Le principali conquiste scientifiche degli scienziati arabi risalgono al Medioevo. Il contributo degli arabi alla scienza matematica fu significativo. Abu-l-Wafa dedusse il teorema seno della trigonometria, calcolò la tavola dei seni, introdusse il concetto di secante e cosecante. Il poeta e scienziato Omar Khayyam scrisse Algebra. Ha anche affrontato con successo il problema dei numeri irrazionali e reali. Nel 1079 introdusse un calendario più accurato del moderno gregoriano. La medicina araba medievale fu glorificata da Ibn Sina - Avicenna (980-1037), autore dell'enciclopedia della medicina teorica e clinica. Abu Bakr, un famoso chirurgo di Baghdad, ha fornito una classica descrizione del vaiolo e del morbillo, applicando le vaccinazioni. La filosofia araba si sviluppò in gran parte sulla base dell'antica eredità. Si sviluppò anche il pensiero storico. Se nei secoli VII-VIII. in arabo non erano ancora stati scritti scritti storici veri e propri e c'erano molte leggende su Maometto, le campagne e le conquiste degli arabi, allora nel IX secolo. si stanno compilando grandi opere sulla storia. Lo storico più famoso dei secoli XIV-XV. fu Ibn Khaldun, il primo degli storici arabi che tentò di creare una teoria della storia. Come principale fattore determinante il processo storico, ha individuato le condizioni naturali del paese. Anche la letteratura araba ha goduto dell'attenzione degli studiosi. A cavallo tra VIII-IX sec. È stata compilata la grammatica araba, che ha costituito la base di tutte le grammatiche successive. La scrittura araba è considerata il più grande valore culturale. I centri della scienza araba medievale erano le città di Baghdad e Bassora. Particolarmente vivace è stata la vita scientifica di Baghdad, dove è stata creata la Casa della Scienza, una sorta di associazione dell'accademia, dell'osservatorio, della biblioteca. Già nel X sec. in molte città sono apparse scuole musulmane secondarie e superiori: madrasa. Nei secoli X-XIII. in Europa, il sistema decimale dei segni per la scrittura dei numeri, chiamato "numeri arabi", divenne noto dalle scritture arabe. Una fama mondiale duratura fu conferita a Omar Khayyam (1048-1122), poeta e scienziato persiano, dalle sue poesie: 1) filosofico; 2) edonico; 3) rubai di libero pensiero. Nei secoli X-XV. A poco a poco, si formò la famosa raccolta di racconti popolari arabi "Le mille e una notte". Questi sono racconti su Ali Baba, Aladdin, Sinbad il marinaio e altri.Gli orientalisti ritengono che il periodo d'oro della poesia, della letteratura e della cultura araba nel suo insieme cada nell'VIII-IX secolo: durante questo periodo, il mondo arabo in rapido sviluppo fu alla testa della civiltà mondiale. Dal XNUMX° secolo il livello della vita culturale sta diminuendo. Inizia la persecuzione di cristiani ed ebrei, che si esprime nel loro sterminio fisico, la cultura laica viene oppressa e aumenta la pressione sulle scienze naturali. Il rogo pubblico di libri divenne una pratica comune. 5. Arti visive e calligrafia L'Islam, sostenendo il rigoroso monoteismo, fin dai tempi antichi ha combattuto contro i culti tribali degli arabi. Per distruggere la memoria degli idoli tribali, la scultura è stata vietata nell'Islam, le immagini di esseri viventi non sono state approvate. Di conseguenza, anche la pittura non ha ricevuto uno sviluppo significativo nella cultura araba, essendo limitata agli ornamenti. Dal XNUMX° secolo iniziò a sviluppare l'arte delle miniature, compresi i libri. Il libro scritto a mano era apprezzato nella società musulmana come un santuario e un tesoro. Con tutte le differenze nelle tecniche e nei soggetti artistici, le illustrazioni dei libri di quel tempo hanno molto in comune. La convenzionalità nella rappresentazione della scena e dei personaggi in miniatura si combina con una padronanza della linea e del colore e molti dettagli. Le pose degli attori sono espressive. Immagini più popolari: 1) scene di ricevimenti reali; 2) coetanei; 3) caccia; 4) battaglie. I pittori di corte servivano spesso contemporaneamente agli storici di corte che accompagnavano il Sultano nelle campagne militari. L'artista non ha cercato di riprodurre la realtà terrena. Il vero mondo doveva essere compreso in modo speculativo, attraverso la lettura del Corano, la recita di preghiere, l'iscrizione e la contemplazione di iscrizioni sacre del Corano, hadith, i nomi di Allah e Maometto. La sacra parola del Corano ha accompagnato un musulmano per tutta la vita. Nella cultura medievale musulmana dell'Oriente e dell'Occidente, il grado di padronanza della "bellezza della scrittura", o calligrafia, divenne un indicatore dell'intellettualità e dell'educazione di una persona. Sono state sviluppate varie scritture. Al centro dei 6 stili di scrittura c'era il sistema di "scrittura statutaria", un sistema di proporzioni che determinava il rapporto tra elementi verticali e orizzontali delle lettere, nonché lettere in una parola e una linea. Una penna ad ancia - "kalam" serviva come strumento di scrittura, il cui metodo di affilatura dipendeva dallo stile e dalle tradizioni scelti della scuola. I materiali per la scrittura erano papiro, pergamena e carta, la cui produzione fu stabilita a Samarcanda (Asia Centrale) negli anni '60. VIII secolo I fogli erano ricoperti con una pasta di amido e lucidati con un uovo di cristallo, che rendeva la carta densa e resistente, e le lettere e i motivi applicati con inchiostro colorato erano chiari, luminosi e lucenti. In generale, l'arte era tappezzata, i suoi tratti caratteristici erano fioriti e modellati. L'accostamento dei colori accesi, invece, è sempre stato rigorosamente geometrico, razionale e soggetto ai simboli musulmani. 6. Architettura dell'Islam Va notato che l'architettura araba medievale si è sviluppata sulla base dell'elaborazione delle tradizioni greche, romane e iraniane da parte degli arabi. Dal X secolo gli edifici iniziano a essere decorati con ornamenti floreali e geometrici, che includevano iscrizioni stilizzate - caratteri arabi. Un tale ornamento - gli europei lo chiamavano arabesco - era costruito sul principio dello sviluppo infinito e della ripetizione ritmica del motivo. Il posto principale nella costruzione delle città era occupato da edifici religiosi: le moschee. Erano un cortile quadrato circondato da gallerie su pilastri o colonne. Nel tempo, le moschee hanno iniziato a differire nel loro scopo. Una piccola moschea fungeva da luogo di preghiera individuale. La cattedrale, o moschea del venerdì, era destinata alle preghiere collettive eseguite dall'intera comunità venerdì a mezzogiorno. Il tempio principale della città divenne noto come la Grande Moschea. Caratteristiche distintive di qualsiasi moschea dalla fine del VII all'inizio dell'VIII secolo. divenne il mihrab e il minbar. Dall'VIII sec L'elemento più importante della moschea cattedrale era il minareto, un'alta torre da cui veniva proclamata la chiamata alla preghiera. Il mondo arabo ha anche dato vita a un fenomeno unico come l'arte moresca. L'arte moresca è un nome convenzionale per uno stile artistico (una miscela di stili arabo e gotico) che si sviluppò in Nord Africa e in Andalusia (Spagna meridionale) nell'XI-XV secolo. Più chiaramente, lo stile moresco si è manifestato nell'architettura. La perla dell'architettura moresca dei secoli XIII-XIV. - Alhambra (Granada in Spagna). Le possenti mura della fortezza, torri e porte, passaggi segreti nascondono e proteggono il palazzo. La composizione si basa su un sistema di corti (Cortile dei Mirti, Cortile dei Leoni) poste a diversi livelli. Le caratteristiche distintive sono i motivi e le iscrizioni in pietra scolpita fragili, simili al gelo sulle pareti, le sottili colonne intrecciate, le sbarre delle finestre in ferro battuto e le vetrate colorate multicolori. CONFERENZA N. 22. La cultura del medioevo 1. Caratteristiche generali della cultura Nel XNUMX ° secolo iniziò la Grande Migrazione delle Nazioni: l'invasione di tribù del Nord Europa e dell'Asia nel territorio dell'Impero Romano. L'Impero Romano d'Occidente cadde; l'altra parte - Bisanzio - doveva esistere ancora per un po'. È arrivato il Medioevo, un'era storica successiva al mondo antico e precedente al Rinascimento. Le origini della cultura medievale risalgono in gran parte all'epoca dell'antichità. Oltre al cristianesimo, il medioevo adottò dall'antichità alcune forme artistiche, oltre che abilità artigianali. 2. Educazione e scienza Nei secoli VII-VIII. c'erano scuole nei monasteri, dove gli insegnanti erano monaci, e gli studenti, che erano pochissimi, erano figli di cavalieri. Qui insegnavano teologia e le "sette arti libere", oltre a scrivere e contare. Successivamente, l'istruzione è stata ampliata (ma non per tutti, ma solo per la nobiltà): hanno studiato latino, diritto, medicina e arabo. Le università sono nate da queste scuole (dalla parola universum - "comunità"): 1) a Bologna (Italia, 1088); 2) Cordova (Spagna, IX); 3) Oxford (1209); 4) Sorbona a Parigi (1215); 5) Vienna (1348), ecc. Le università godevano dell'autogoverno interno (eleggevano un rettore, ecc.). La popolazione generale ha studiato qui. Forme di istruzione: una lezione (lettura di un testo specializzato e un commento su di esso) o una controversia (una controversia aperta tra i partecipanti al seminario), dopo la laurea è stato rilasciato un certificato. C'erano anche i libri di testo. La scienza del Medioevo fu scoperta dai teologi del IV-V secolo. - i cosiddetti "padri della chiesa": 1) Agostino il Beato; 2) Ambrogio; 3) il filosofo Boezio; 4) gli storici Giordano e Beda il Venerabile. Il centro del "Rinascimento carolingio" fu la cosiddetta accademia, un circolo scientifico alla corte di Carlo Magno, creato nel 794 sul modello dell'antica scuola. Il teologo e poeta Alcuin divenne il capo dell'accademia. Nei secoli XII-XIII. la scienza continua ad evolversi. La Scolastica ne diventa la base, una dottrina in cui la realtà è stata compresa con l'aiuto della logica della ragione. Allo stesso tempo, gli scolastici erano spesso trascinati dalla forma verbale, dietro la quale il contenuto era scarsamente intuito, cioè scrivevano e parlavano in un linguaggio pesante e incomprensibile. L'eminente scienziato del Medioevo fu Tommaso d'Aquino (1225-1247), insegnante, autore di 18 opere di teologia e filosofia. Un altro famoso scienziato fu Roger Bacon (1214-1294) - naturalista, insegnante di matematica e filosofia. 3. Visione del mondo. Letteratura. Teatro I Barbari adoravano le forze della natura; i riti magici hanno giocato un ruolo enorme nelle loro vite. Con l'emergere e lo sviluppo degli stati in Europa, il nucleo della vita umana e della visione del mondo diventa la religione cristiana. L'intera vita è considerata solo come un breve segmento, pieno di pericoli per l'anima umana. L'ideale è la vita senza fronzoli e gioie viziose, fede sincera in Dio, osservanza dei rituali, nonché qualità della natura come umiltà, pazienza, virtù, fede, speranza, ecc. Potere illimitato, sia spirituale che materiale e politico , - acquisire la Chiesa e il clero. Se i trattati dell'alto medioevo non erano rivolti a segmenti specifici della popolazione, la letteratura del medioevo era di classe. I ricercatori identificano: 1) contadino; 2) urbano; 3) letteratura cavalleresca. Generi principali: 1) romanzi; 2) poesia; 3) poesie; 4) epico (nobile); 5) storie; 6) biografie; 7) storie; 8) canzoni; 9) saggi didattici, ecc. Opere eccezionali: 1) l'epica "Canzone di Roland"; 2) "Canto dei Nibelunghi"; 3) "Canzone di lato"; 4) il romanzo "Tristano e Isotta"; 5) un ciclo di romanzi su Re Artù e il cavaliere Lancillotto; 6) una serie di romanzi su Fox Renard; 7) favole; 8) romanzi. Il numero di attività di intrattenimento ed educative è aumentato notevolmente. I predicatori hanno parlato davanti alle cattedrali, professori e studenti hanno discusso. Sono stati organizzati anche spettacoli religiosi teatrali. Le cattedrali furono costruite da maestri urbani (e non da monaci, come prima). Gli stessi cittadini erano spesso clienti o creatori di opere d'arte per decorare le cattedrali. 4. La pittura del medioevo Poiché le tribù barbariche erano costantemente nomadi, la loro arte primitiva è rappresentata principalmente da: 1) armi; 2) gioielli; 3) utensili vari. Gli artigiani barbari preferivano colori accesi e materiali costosi, mentre non veniva valorizzata di più la bellezza del prodotto, ma il materiale con cui era realizzato. La pittura romana servì da modello per i miniaturisti. L'autore di una miniatura medievale non è solo un illustratore; è un talentuoso narratore che, in una scena, è riuscito a trasmettere sia la leggenda che il suo significato simbolico. "Rinascimento carolingio" (rinascimento francese "rinascita"): così i ricercatori chiamavano l'arte di quest'epoca. Molti monasteri franchi avevano scriptoria (laboratori di scrittura di libri), in cui i monaci riscrivevano antichi manoscritti e ne compilavano di nuovi, sia ecclesiastici che secolari. I manoscritti erano inseriti in cornici di avorio o metalli preziosi con inserti di pietre preziose. Nella progettazione di libri, oltre a complesse decorazioni, venivano spesso utilizzati motivi dell'arte cristiana: ghirlande, croci, figurine di angeli e uccelli. Verso la fine del III sec. il rotolo di papiro è stato sostituito da pergamena; invece dello stile (bastoni per scrivere), iniziarono a usare piume di uccelli. Nell'era dei Carolingi, l'arte della miniatura - illustrazione di libri - raggiunse una fioritura straordinaria. Non c'erano scuole in miniatura, ma c'erano centri per la produzione di manoscritti illustrati nei monasteri (ad esempio, un laboratorio di scrittura di libri ad Aquisgrana). I templi carolingi all'esterno erano decorati in modo molto modesto, ma all'interno brillavano di pitture murali - affreschi. Molti ricercatori hanno notato la grande importanza delle belle arti in un mondo barbaro in cui la maggior parte delle persone non sapeva leggere. Ad esempio, nella chiesa di S. Giovanni Battista (VIII secolo) nella città di Müster (Svizzera moderna) sono i più antichi affreschi conosciuti. L'arte dell'Impero Ottone ha giocato un ruolo enorme nello sviluppo dello stile romanico. I murales del periodo romanico non sono stati praticamente conservati. Erano edificanti; i movimenti, i gesti ei volti dei personaggi erano espressivi; le immagini sono planari. Di norma, sulle volte e sulle pareti del tempio erano raffigurate scene bibliche. Sulla parete occidentale c'erano scene del Giudizio Universale. Nei secoli XIII-XIV. insieme ai libri di chiesa, riccamente illustrati con immagini di santi e scene di Storia Santa, si sono diffusi: 1) libri d'ore (raccolte di preghiere); 2) romanzi; 3) cronache storiche. 5. Architettura Dopo l'emersione nel V-VIII sec. Gli stati delle tribù germaniche furono convertiti al cristianesimo. Cominciarono ad essere erette chiese cristiane in pietra. I templi erano costruiti con pietre massicce, il legno era usato per i soffitti. Le chiese furono costruite sul modello delle basiliche romane. Nella maggior parte dei casi le colonne erano mutuate da antichi templi: le rovine servivano come una sorta di cava per l'estrazione di nuovi materiali da costruzione. I monasteri e le chiese rimasero centri culturali a partire dal X secolo. Il tempio, che in pianta aveva la forma di una croce, simboleggiava la via della croce di Cristo: la via della sofferenza. Nel X sec. diffondere la fede nel potere miracoloso delle reliquie - oggetti associati alla vita di Cristo, la Madre di Dio, i santi. Sempre più pellegrini cercavano di visitare i luoghi santi. Il re ostrogoto Teodorico era un politico prudente e intelligente, patrocinante la nobiltà romana e la chiesa, la scienza e le arti. Voleva farsi conoscere come grande, e perciò nella sua capitale Ravenna posarono strade, costruirono ponti, condutture dell'acqua, fortificazioni militari, palazzi e templi, restaurarono edifici distrutti. Inoltre, la meravigliosa tomba di Teodorico è sopravvissuta fino ad oggi. Ma Carlo Magno fece la capitale della cittadina di Aquisgrana (l'odierna Germania). Qui furono costruiti il palazzo reale e gli edifici amministrativi. La cappella di Aquisgrana (cappella) e le porte del monastero di Lorsch (moderna Germania, 800 ca.) sono sopravvissute fino ad oggi. Dal X secolo gli architetti hanno gradualmente cambiato il design del tempio: doveva soddisfare i requisiti di un culto sempre più complesso. Nell'architettura della Germania a quel tempo si sviluppò un tipo speciale di chiesa: maestosa e massiccia. Tale è la cattedrale di Spira (1030-1092/1106), una delle più grandi dell'Europa occidentale. Nell'arte romanica, l'architettura monastica occupava un posto di primo piano. Le dimensioni delle chiese aumentarono, il che portò alla creazione di nuovi modelli di volte e supporti. Durante il periodo romanico, l'architettura secolare cambiò. Tipici esempi di architettura romanica francese: 1) Chiesa di S. Peter; 2) Chiesa di S. Paolo nel monastero di Cluny (1088-1131). Di questo edificio sono sopravvissuti solo piccoli frammenti, le sue descrizioni ei suoi disegni. Nei secoli XI-XII. la costruzione di grandi cattedrali iniziò nelle città sul Reno - a Worms, Spira, Magonza. In Germania sono stati conservati anche monumenti dell'architettura secolare di quel tempo: castelli e fortezze feudali. L'arte d'Italia si è formata sotto l'influenza di tradizioni culturali secolari. In Spagna c'era una reconquista: una guerra per la liberazione del territorio del paese, catturato dagli arabi. Poi in Spagna iniziò la costruzione di castelli-fortezze. Il regno di Castiglia divenne terra di castelli. Uno dei primi esempi di architettura romanica è il Palazzo Reale dell'Alcazar (IX secolo). È sopravvissuto fino ai nostri giorni. 6. Arte gotica. Scultura Il nome "Arte gotica" (dalla parola "gotica", dal nome della tribù germanica dei Goti) sorse nel Rinascimento. In vari paesi europei, il gotico aveva le sue caratteristiche e il suo periodo di massimo splendore cade nei secoli XIII-XIV. Le cattedrali gotiche differivano in modo significativo dalle chiese monastiche del periodo romanico. La cattedrale gotica è rivolta verso l'alto: qui iniziarono a usare un nuovo disegno di volte (la volta poggia su archi e quelle su pilastri). La pressione laterale della volta viene trasmessa agli archi rampanti (semiarchi esterni) e ai contrafforti (appoggi esterni dell'edificio). Le pareti hanno cessato di fungere da supporto per la volta, il che ha permesso di realizzare molte finestre, archi, gallerie in esse, sono apparse finestre di vetro colorato - immagini composte da vetri colorati fissati insieme. L'arte gotica nacque e si sviluppò originariamente nella provincia francese dell'Ile-de-France. I tratti caratteristici del primo gotico erano incarnati nella cattedrale principale della capitale della Francia - Notre Dame de Paris (Cattedrale di Notre Dame). Opere eccezionali dell'architettura gotica matura includono le cattedrali di Reims e Amiens. Le cattedrali gotiche in Germania differivano significativamente da quelle francesi. La scultura si sviluppò anche nel Medioevo. Sui rilievi franchi del VII-VIII secolo. Sono raffigurati martiri cristiani. Dal X secolo compaiono le prime immagini di Cristo, Madre di Dio, santi. Durante il periodo romanico, la scultura monumentale apparve per la prima volta nell'Europa occidentale. Immagini scultoree - rilievi - erano collocate, di regola, agli ingressi delle chiese. I rilievi erano solitamente dipinti: questo dava loro maggiore espressività e capacità di persuasione. La scultura nel periodo romanico in Germania era collocata, di regola, all'interno dei templi. Cominciò ad apparire sulle facciate solo alla fine del XII secolo. CONFERENZA N. 23. Cultura del Rinascimento 1. Caratteristiche della cultura del Rinascimento Il Rinascimento (rinascimento francese - "rinascimento") è un fenomeno di sviluppo culturale in numerosi paesi dell'Europa centrale e occidentale. Cronologicamente, il Rinascimento copre il periodo dei secoli XIV-XVI. Allo stesso tempo, fino alla fine del XV secolo. Il Rinascimento rimase in gran parte un fenomeno italiano. Il termine "Rinascimento" fu introdotto per la prima volta nel XVI secolo. famoso artista, architetto e storico dell'arte italiano Giorgio Vasari. Il Rinascimento è un'era di grandi trasformazioni economiche e sociali nella vita di molti stati europei, un'era di umanesimo e illuminismo. In questo periodo storico, in vari ambiti della vita della società umana, si creano condizioni favorevoli per un decollo culturale senza precedenti. Lo sviluppo della scienza e della tecnologia, le grandi scoperte geografiche, lo spostamento delle rotte commerciali e l'emergere di nuovi centri commerciali e industriali ampliarono notevolmente e cambiarono la comprensione dell'uomo del mondo che lo circondava. Le idee sulla persona stessa stanno cambiando. La caratteristica più importante della visione del mondo rinascimentale era l'individualismo. Un'altra caratteristica della nuova visione del mondo fu il risveglio dell'autocoscienza nazionale. Le persone hanno un sentimento di patriottismo, si forma il concetto di patria. Altra caratteristica interessante: il fenomeno del Rinascimento del Nord nei paesi del Centro e Nord Europa. Nei Paesi Bassi, il Medioevo ha ancora influenzato il modo di vivere delle persone, quindi la cultura urbana dei Paesi Bassi ha dato un diverso tipo di Rinascimento. Una caratteristica del Nord era l'approfondimento della cultura nel mondo interiore dell'uomo. I maestri erano attratti dalla profondità psicologica e dalle caratteristiche personali di una persona. 2. Scienza, letteratura e pensiero sociale Durante il Rinascimento furono fatte grandi scoperte in: 1) astronomia (N. Copernico, J. Bruno, I. Keplero, G. Galileo); 2) medicina (F. Paracelso e altri); 3) matematica (J. Cardano e altri); 4) geografia; 5) geologia; 6) zoologia; 7) botanica, ecc. Sono apparse opere sulla storia (Bruni, Machiavelli e altri). Nel Rinascimento si formano finalmente le lingue: 1) italiano; 2) francese; 3) inglese; 4) tedesco. C'è letteratura in queste lingue, il latino nel XVI secolo. gradualmente cessa di essere una lingua viva. Invenzione di I. Gutenberg a metà del XV secolo. stampa, la comparsa dei giornali ha permesso a più persone di entrare in contatto con la parola stampata. La natura e il contenuto della nuova era sono stati espressi in molti modi dalla finzione. I primi germogli dell'ideologia umanistica trovarono la loro espressione nell'opera di Dante. I maggiori scrittori del Rinascimento italiano: 1) Dante Alighieri (1265-1321); 2) Giovanni Boccaccio (1313-1375); 3) Francesco Petrarca (1304-1374). Per la natura della creatività, dei temi, dei generi, tutti questi autori sono completamente diversi. Nella storia della letteratura mondiale, ciascuno di questi nomi è associato a un'opera specifica: Dante - con la Divina Commedia, Boccaccio - con il Decamerone, Petrarca - con poesie dedicate a Laura. Uno scrittore di spicco del Rinascimento fu Niccolò Machiavelli (1469-1527) - un politico del tardo Rinascimento. La più grande figura del Rinascimento europeo fu Erasmo da Rotterdam (1469-1536) - scrittore, filologo, filosofo, teologo, autore di opere di pedagogia, traduttore dal greco e dal latino. Le idee più sorprendentemente avanzate del Rinascimento francese furono incarnate nell'opera di Rabelais, Ronsard e altri scrittori, che attribuivano grande importanza alla letteratura e all'arte nell'affermazione degli ideali umanistici. L'opera degli eccezionali umanisti spagnoli dell'epoca, come M. Cervantes (1547-1616), Lope de Bega (1562-1635) e altri, era caratterizzata da un profondo contenuto storico-nazionale, dal patriottismo e da un alto apprezzamento della dignità umana. L'Inghilterra ha visto anche il più grande aumento della creatività letteraria. Basti citare il nome del geniale drammaturgo e poeta W. Shakespeare (1564-1616). Già durante l'Alto Rinascimento, la letteratura europea era in declino. Grandi idee umanistiche, realismo e democrazia cominciarono a perire sotto l'assalto della Riforma, che si opponeva al "paganesimo" della cultura rinascimentale. 3. Pittura La pagina più brillante del Rinascimento italiano furono le belle arti, in particolare la pittura e la scultura. Il livello medio dell'arte italiana di quest'epoca era molto alto. Nell'arte del Rinascimento italiano, la pittura murale ha dominato. È stato eseguito con la tecnica dell'affresco: hanno dipinto su intonaco bagnato con colori (affresco italiano - "fresco"). Il protorinascimento (XIII - inizio XIV secolo) - la soglia del Rinascimento - diede al mondo Giotto da Bondone (1266/76-1337) - il fondatore della pittura europea, il fondatore del realismo. Il primo Rinascimento (fine XIV-XV secolo) fu rappresentato da una galassia di artisti brillanti: 1) Masaccio (1401-1426); 2) Donatello (1386-1466); 3) Sandro Botticelli (1445-1510) e decine di altri artisti eccezionali, i cui dipinti adornano i musei del mondo. Fine XV e inizio XVI secolo chiamato Alto Rinascimento. Segni caratteristici del realismo del Rinascimento italiano: 1) chiarezza classica; 2) l'umanità delle immagini; 3) la loro resistenza plastica; 4) espressività armonica. L'Alto Rinascimento illumina l'opera di due grandi titani, artisti brillanti: Leonardo da Vinci e Rafael Santi. Il più grande pittore rinascimentale fu Tiziano Vecellio (1476/77-1576). I pennelli di Tiziano appartengono a creazioni su soggetti mitologici e cristiani, opere nel genere del ritratto. I suoi dipinti: "Venere distesa", "Danae", "Venere davanti allo specchio", "Maddalena penitente", "San Sebastiano", "Pieta". 4. I maggiori pittori del Rinascimento settentrionale I maggiori pittori del Rinascimento settentrionale di quest'epoca furono: 1) Jan van Eyck; 2) Hieronymus Bosch; 3) Pieter Brueghel il Vecchio. I rappresentanti più importanti delle belle arti della Germania furono: 1) Albrecht Dürer; 2) Lucas Cranach anziano; 3) Hans Holbein Jr. Gli artisti francesi di questo periodo sono inferiori nella brillantezza delle abilità alle loro controparti olandesi e tedesche, ma le loro opere hanno le loro caratteristiche. Il più grande pittore francese del XV secolo. era Jean Fouquet (c. 1420-1477/1481). Ha lavorato in tutti i tipi di pittura: 1) in un ritratto; 2) in miniatura; 3) nella pittura da cavalletto. La figura più sorprendente e originale del Rinascimento spagnolo è El Greco (1541-1616). L'immagine di un uomo dell'artista spagnolo è dotata di spiritualità. Dipinti religiosi, mitologici, di genere, ritratti, paesaggi combinano tecniche insolite del linguaggio visivo dell'artista. La colorazione si basa sulla tecnica del contrasto di colori vivaci. Gli eroi di El Greco hanno figure innaturalmente allungate, volti pallidi allungati, gesti convulsi, la scala delle figure e degli oggetti è spesso cambiata. Alla fine del Rinascimento, nelle arti visive apparve una nuova direzione: il manierismo (manierismo italiano - "pretenziosità"), che si distingue per l'intensità delle immagini, la forma sofisticata e le soluzioni complicate. Il manierismo si diffonde in tutti i tipi di arte e diventa un presagio di un nuovo stile: il barocco. 5. Architettura e scultura 5. L'architettura occupa uno dei posti di primo piano nella cultura artistica del Rinascimento. Le caratteristiche dell'architettura in questo periodo sono: 1) un aumento della scala dell'edilizia civile, secolare; 2) un cambiamento nella natura dell'architettura monumentale e di culto - lotta per l'ampiezza. L'architettura rinascimentale è diversa: 1) semplicità di volumi, forme e ritmo; 2) calmo e statico; 3) la simmetria della composizione; 4) suddividere l'edificio in piani mediante tiranti orizzontali; 5) un chiaro ordine di posizionamento delle aperture delle finestre e dei dettagli architettonici. La nuova era ha iscritto grandi nomi nella storia mondiale dell'architettura: 1) F. Brunelleschi; 2) L. Alberti; 3) D. Bramante; 4) Michelangelo Buonarroti; 5) F. Delorme e altri. Nello sviluppo dell'architettura rinascimentale, un posto importante spetta alla costruzione dell'architettura del palazzo: il palazzo. In Francia, il Rinascimento in architettura può essere suddiviso in due fasi: 1) il primo - il primo periodo (1500-1540) - i castelli del re e della nobiltà francese: Chambord, Blois, Chateaubriand, ecc.; 2) il secondo - maturo (1540-1570). L'edificio più significativo di questo periodo è il palazzo reale del Louvre, realizzato dall'architetto P. Lesko (1515-1578). In Spagna, l'architettura rinascimentale abbraccia l'intero XVI secolo. L'opera più grande è il castello reale di Escorial (autore - Herrera). La scultura fiorì. Donatello e Michelangelo Buonarroti divennero grandi maestri in questa zona. CONFERENZA N. 24. La cultura dell'era moderna 1. Caratteristiche della cultura della New Age Dall'inizio del XIX secolo. c'è un forte cambiamento nell'ambiente umano: lo stile di vita urbano inizia a prevalere su quello rurale. Nel XNUMX ° secolo inizia un processo turbolento. La mentalità di una persona sta cambiando. 2. Scienza e tecnologia Il passaggio dalla manifattura alla produzione in fabbrica, l'invenzione del motore a vapore ha rivoluzionato l'industria. Fare macchine richiedeva sempre più metallo. Il minerale di ferro ora veniva fuso non sul carbone, ma sul carbone. Per accelerare la fusione, nel forno è stata iniettata aria calda. L'ingegnere inglese Bessemer ha inventato un forno rotante per la fusione: un convertitore. Le fabbriche per la costruzione di macchine erano dotate di una varietà di macchine utensili. Apparve l'industria chimica che produceva: 1) acido solforico; 2) soda; 3) coloranti, ecc. Nel 1846 Howe inventò la prima macchina da cucire, migliorata nel 1851 da Singer. L'industria della stampa si è sviluppata. Hanno imparato a produrre tipi di carta economici dalla pasta di legno. L'avvento delle macchine meccaniche ha permesso di mettere in moto la produzione di stampa. C'è stata una rivoluzione nei mezzi di trasporto e di comunicazione. Nel XVIII sec. le diligenze viaggiavano di città in città: carrozze chiuse a più posti trainate da cavalli. Nel 1825 ° secolo il trasporto ferroviario fa parte della vita delle persone. La prima ferrovia fu costruita da George Stephenson in Inghilterra nel 17. Le locomotive migliorarono, la velocità di movimento aumentò, l'americana Westinghouse inventò i freni azionati dall'aria compressa. I motori a vapore sono apparsi anche nella marina. Il 1807 agosto 1819 fu programmato un "viaggio di prova" per il piroscafo Clermont di Fulton. La navigazione marittima cessò di dipendere dal vento. Il piroscafo, che attraversò l'Oceano Atlantico nel 26, trascorse 70 giorni sulla strada (l'attraversò Cristoforo Colombo in XNUMX giorni). Nel 1803-1804. L'ingegnere americano Evans fece rotolare la prima macchina a vapore per le strade di Filadelfia. Nel 1803 c'erano già 26 vagoni a vapore a Londra e in tutta l'Inghilterra il loro numero raggiunse i 100. L'emergere di nuovi modi di trasporto rese necessario il miglioramento delle strade. Nella costruzione di autostrade sono stati utilizzati con successo i rulli stradali a vapore. I motori a vapore hanno trovato la loro applicazione in agricoltura. Negli anni '40. 1870esimo secolo in Inghilterra, sui campi apparvero auto in movimento: locomotive. Le trebbiatrici lavoravano sull'energia generata dai loro motori. Nel XNUMX c'erano già aratri a vapore in Inghilterra. Il rapido sviluppo del trasporto marittimo e del commercio ha causato la costruzione di canali. Il più grande di questi era il Canale di Suez, costruito nel 1859 dal francese F. Lesseps. L'apparato telegrafico creato negli Stati Uniti dall'inventore Morse si diffuse. Nel 1826 Fu costruito il primo ponte sospeso ferroviario. Nel 1783 i fratelli Montgolfier (Francia) realizzarono una macchina volante più leggera dell'aria che spostava. All'inizio del XIX secolo. la bicicletta è stata inventata. Il suo prototipo era un normale scooter. Il francese Dinet modificò leggermente il modello e definì la sua auto una bicicletta, cioè "dal piede veloce". L'applicazione pratica delle "macchine da corsa" è stata trovata in Inghilterra: i postini rurali hanno consegnato loro la corrispondenza. C'erano anche altre innovazioni nella vita umana. La migrazione della popolazione ha aumentato il volume della corrispondenza. L'inglese R. Hill ha semplificato il processo di invio della corrispondenza: ha introdotto una tariffa unica per l'affrancatura, indipendentemente dalla distanza. Ha anche introdotto i primi francobolli, che sono stati incollati sulla busta. 3. Vita spirituale di una persona Con lo sviluppo della civiltà, la vita spirituale di una persona è cambiata, l'interesse per la storia della propria famiglia, una specie, è aumentato. Ma solo i ricchi potevano ordinare ritratti pittoreschi. In questo momento, appare una fotografia. Nel 1839 Louis Daguerre, artista e fisico parigino, creò il primo metodo di fotografia. Il progresso tecnologico ha apportato cambiamenti significativi all'equipaggiamento militare. Le armi da fuoco erano ampiamente utilizzate. Nel 1803, il generale inglese X. Shrapnel creò un tipo di proiettile esplosivo, che ricevette lo stesso nome "shrapnel". Nel 1862 lo svedese Alfred Nobel avviò la produzione di dinamite. Una delle caratteristiche della civiltà industriale era un forte aumento dell'interesse umano per il mondo che ci circonda. Le basi per una potente ondata di scienza all'inizio dei tempi moderni furono gettate da due grandi scienziati: l'inglese I. Newton (1642-1727) e il tedesco G. Leibniz (1646-1716). Una rivoluzione nella scienza è stata fatta dal libro dello scienziato inglese Charles Darwin (1809-1882) sull'origine dell'uomo. Il metodo di conservazione a lungo termine dei prodotti è stato inventato da L. Pasteur (pastorizzazione). 4. Letteratura. pensiero pubblico. Musica. Moda L'uomo ha cessato di essere la misura di tutte le cose, come lo era nell'età dell'Illuminismo. Il movimento per l'uguaglianza di genere si stava sviluppando attivamente. L'influenza della religione sull'uomo si è indebolita. Nel tentativo di diffondere il cattolicesimo, la Chiesa inizia l'attività missionaria in Europa, invia i suoi rappresentanti in paesi lontani a predicare il cristianesimo tra i popoli pagani. Il focus principale dell'attività missionaria era rivolto a: 1) Africa; 2) Indie Orientali; 3) Asia occidentale; 4) America. Le rivoluzioni in Europa occidentale e in America hanno contribuito al design nel XIX secolo. principali direzioni ideologiche: 1) conservatorismo; 2) liberalismo; 3) socialismo. La grande rivoluzione borghese francese pose fine all'età dell'Illuminismo. Scrittori, artisti, musicisti, poeti hanno assistito a grandiosi eventi storici, sconvolgimenti rivoluzionari. Molti di loro hanno accolto con entusiasmo i cambiamenti, hanno ammirato la proclamazione delle idee di Uguaglianza, Fratellanza, Libertà. Ma è giunto il momento della delusione. Tragiche note di dubbio sulla possibilità di trasformare il mondo sui principi della ragione risuonavano nella filosofia e nell'arte. I tentativi di allontanarsi dalla realtà e allo stesso tempo comprenderla hanno causato l'emergere di un nuovo sistema di visione del mondo: il romanticismo. Negli anni '30. XNUMXesimo secolo seri cambiamenti nella società creeranno le condizioni per l'emergere di un'altra direzione creativa: il realismo critico. Il romanticismo ha portato nell'arte non solo nuovi temi e nuovi eroi, anche le forme musicali cambiano. Compositori di talento hanno guadagnato fama mondiale: l'austriaco F. Schubert (1797-1828), il polacco F. Chopin (1810-1849). Le tradizioni musicali romantiche furono ulteriormente sviluppate nell'opera di Giuseppe Verdi (1813-1901): le opere Don Carlos, La Traviata, Aida e Rigoletto gli portarono fama mondiale. Anche la moda è cambiata. La Grande Rivoluzione Francese lo influenzò seriamente. L'elegante Francia iniziò a indossare zoccoli e bretelle di legno. Nel 1792 il berretto rosso divenne il simbolo dei giacobini. Gli abiti erano cuciti con tessuti leggeri, nel taglio ricordavano una camicia allungata verso il basso con un'ampia scollatura e maniche corte. A metà del XIX secolo. la moda femminile comprende le crinoline (una gonna arricciata a forma di cuneo, la cui forma era sostenuta da sottili cerchi d'acciaio). 5. Pittura, architettura e scultura Nelle arti visive si stanno diffondendo le idee del romanticismo e del realismo critico. Nella pesante atmosfera della Spagna a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo. si formò l'opera di Francisco Goya (1746-1828). Theodore Gericault (1791-1824), Eugene Delacroix e Honore Daumier (1808-1879) hanno mostrato interesse per il mondo interiore di una persona, le sue esperienze. Le tradizioni realistiche nelle arti visive sono fortemente associate al nome di Gustave Courbet (1819-1877). Ci sono stati cambiamenti nella pianificazione urbana, le attrezzature per l'edilizia: metallo, vetro, cemento sono ampiamente utilizzati. Le case diventano più alte, le strade più diritte e larghe. Per il riscaldamento delle case vengono utilizzati caminetti: stufe con bocca larga e tubo dritto. I camini erano riscaldati con carbone o legna. Alla fine del XVIII sec. una lampada a olio con vetro è entrata nella vita di tutti i giorni, che dalla metà del XIX secolo. cambiato in cherosene. Dalla fine degli anni '50. XNUMXesimo secolo è entrata in funzione l'illuminazione a gas. Sono in costruzione nuove fabbriche, banche, condomini, stazioni ferroviarie, biblioteche, sale espositive. A metà del XIX secolo. nella progettazione di facciate e interni sono state spesso utilizzate forme architettoniche classiche del rococò e del classicismo. Il classicismo si sviluppò all'inizio del secolo durante il periodo dell'impero napoleonico. È caratterizzato da forme architettoniche classiche: colonne, frontoni. Le composizioni classiche sono necessariamente simmetriche. In Francia, il classicismo era chiamato lo "stile dell'impero", in quanto laconico e monumentale. CONFERENZA N. 25. La cultura del XX secolo 1. Caratteristiche generali della cultura Cultura del XNUMX° secolo caratterizzato da versatilità e versatilità. Appaiono nuovi tipi di arte: body art, graffiti, ecc. I modi moderni di trasmettere la cultura - televisione, World Wide Web - Internet si stanno diffondendo. Ci sono migrazioni di massa di abitanti dell'intero globo e c'è un'integrazione mondiale della cultura. Allo stesso tempo, sono evidenti due tendenze: l'unificazione della cultura e lo sviluppo delle tradizioni nazionali. 2. Educazione e scienza Nel mondo moderno esistono diversi sistemi di istruzione: da quello tradizionale (con un'ampia gamma di discipline studiate e metodi di insegnamento classici) a quello specializzato (con un certo insieme di materie e metodi innovativi). Le scuole private sono molto popolari in Occidente. Nel campo dell'istruzione superiore, spiccano le università più prestigiose: 1) Oxford; 2) Harvard; 3) Sorbona e altri. C'è una domanda sul mercato del lavoro per nuove professioni - un programmatore, uno specialista del commercio e altri, che richiedono la loro formazione e istruzione. Nuovi rami della scienza si stanno sviluppando: 1) astronautica; 2) genetica; 3) chimica; 4) chirurgia plastica; 5) trapianto di organi; 6) clonazione, ecc. 3. Musei. Film Grandi cambiamenti sono avvenuti nel campo del cinema. Il vero idolo di milioni di persone è diventato una star di Hollywood come Marilyn Monroe. Nella seconda metà del secolo nacque la cultura pop, apparve l'home video, ebbe luogo la "rivoluzione del registratore". Gli idoli dei giovani di tutto il mondo sono Elvis Presley, il gruppo "Beatles". 4. Pittura La pittura del XX secolo è molto varia ed è rappresentata dalle seguenti aree principali: 1) avanguardia (impressionismo, modernismo, cubismo, fauvismo); 2) realismo; 3) pop art; 4) arte pubblica, ecc. Il termine "pop art" (inglese "popular, public art") è nato in Inghilterra a metà degli anni '1950. Alle prime mostre di rappresentanti di questa tendenza sono stati scoperti i motivi principali e le origini della pop art, come i fumetti con la loro serialità e i disegni semplificati, la pubblicità commerciale accattivante e luminosa. Nelle esposizioni di pop art, qualsiasi oggetto familiare allo spettatore potrebbe essere esposto nella combinazione più impensabile. L'artista ha utilizzato concetti, oggetti riconoscibili. Una lattina naturale con salsa di pomodoro (autore E. Warhol) è diventata una sorta di biglietto da visita della pop art. La pop art divenne subito famosa in tutto l'oceano e ben presto divenne un simbolo dell'arte americana. Il termine "arte povera" è stato introdotto nel 1967 dal critico italiano D. Celant. Le opere dei maestri di questa tendenza assomigliano esteriormente a sculture astratte, ma qui l'enfasi principale non è sulle forme, ma sui materiali. Lo spettatore vede l'immagine e il maestro gioca con le qualità puramente fisiche delle cose. In una mostra di iperrealisti ("superrealisti"), lo spettatore può essere confuso: i dipinti dipinti con la vernice sembrano esattamente fotografie di grande formato. Inizialmente, questa tendenza era chiamata fotorealismo. Il termine "iperrealismo" è apparso solo qualche tempo dopo (per la prima volta - in un articolo di S. Dalì). La body art (ing. "arte del corpo") è una pratica artistica in cui il corpo umano funge da materiale. Alle origini della body art c'era Yves Klein, che esponeva negli anni '1950. i suoi "anthropes" - tele con stampe dei corpi dei soggetti dipinti da lui. Una persona nel contesto di quest'arte è privata non solo dell'individualità, ma anche dello status di essere vivente. 5. Architettura Dopo il 1945, gli Stati Uniti divennero i leader mondiali delle avanguardie in architettura, dove negli anni '1920 e '30. emigrarono i più importanti architetti europei dell'anteguerra, come V. Gropius e L. Roe. Tuttavia, già nel primo decennio del secondo dopoguerra, le originarie scuole di architettura in Italia, nei paesi scandinavi, in Messico, Brasile e Giappone si confrontavano con lo stile internazionale degli architetti statunitensi. La direzione principale nello sviluppo dell'architettura europea di quegli anni fu la pianificazione urbana. La distruzione della seconda guerra mondiale (Rotterdam, Le Havre, Hannover e altre città) ha dato agli architetti l'opportunità di creare un tipo di città fondamentalmente nuovo. I lavori di restauro sono stati eseguiti secondo un unico piano: con la delimitazione di aree residenziali, industriali e pubbliche, zone pedonali e di trasporto nelle città. L'eccezione è Le Havre, restaurata nel 1945-1950. sotto la guida di O. Perret (1874-1954) secondo lo schema urbanistico tradizionale del XIX secolo. A metà degli anni '1950. le macchine movimento terra stavano subendo una vera rivoluzione. Le possibilità dei materiali moderni sono state sempre più utilizzate: 1) calcestruzzo a pareti sottili; 2) alluminio; 3) plastica; 4) film sintetici, ecc. Dalla metà degli anni '1950. l'architettura dell'Occidente è un mondo eterogeneo e vario. I rappresentanti della tendenza che ha avuto origine in Inghilterra - il brutalismo (italiano brutale - "grezzo"), considerando che il contenuto principale dell'architettura è la costruzione, ostentavano le basi costruttive della struttura. Nel 1954, le autorità di Sydney, la città più grande dell'Australia, offrirono un premio per il progetto dell'edificio dell'Opera House, per il quale fu scelto un promontorio nel porto di Sydney. Alla competizione hanno preso parte più di 200 specialisti provenienti da diversi paesi e la vittoria è stata vinta dall'allora poco conosciuto danese Jorn Ution (nato nel 1918). Nel 1966, Ution, dopo aver sperimentato una serie di battute d'arresto tecniche e finanziarie, abbandonò il progetto. Ma l’edificio fu comunque completato grazie all’ingegno degli ingegneri australiani e ad una lotteria pubblica che raccolse circa 100 milioni di dollari per la costruzione. Il 20 ottobre 1973 il teatro fu inaugurato. 6. Scultura La scultura si sviluppa in modo profondamente individuale, molti maestri continuano a incarnare l'esperienza dei grandi maestri dell'antichità. L'opera di Alberto Giacometti (1901-1966) era ampiamente nota. Le sue figure esorbitantemente allungate, sottili e fragili sono prive di forza e passione. Queste sono persone fantasma, dissanguate da tempi tragici ("Walking Man", 1960). Un ruolo speciale nell'arte del XX secolo. interpretati dai cosiddetti vitalisti (dal latino vitalis - "vitale") - artisti che, in immagini condizionali, simboliche e talvolta astratte, cercavano di trasmettere il ritmo e la poesia della vita. Gli esempi più eclatanti sono le opere dello scultore inglese Henry Moore e del maestro rumeno Constantin Brancusi (Brancusi, 1876-1957). Al limite, le forme generalizzate delle sculture di quest'ultime si distinguono per limpidezza e fremente purezza ("La musa addormentata", 1909, "Tavola del silenzio" - dedicata alle vittime della prima guerra mondiale). Il richiamo alla scultura era naturale anche per i cubisti. Nelle statue di Osip Zadkine (1890-1967) - originario della Russia, la forma vive di vita propria. Le figure sono composte da superfici multidirezionali: a volte convesse, a volte concave. Autore: Konstantinova S.V.
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