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Laboratorio di montaggio per professionisti

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Qual è la cosa più difficile da vedere sullo schermo? Naturalmente, visualizzazione di concetti astratti. Come trasmettere il sentimento di amore e odio, felicità e tristezza...? Ma devi affrontare questo tutto il tempo.

Il workshop proposto è progettato per aiutare a trovare la soluzione a tali problemi. Devo avvertirti subito che qui la sola padronanza del montaggio non è sufficiente. Senza calcolare ogni fotogramma, senza un piano, sarà possibile assemblare, nella migliore delle ipotesi, una sorta di astrazione commentata dal testo. Ma anche questo testo non verrà utilizzato a scopo illustrativo: ecco perché è stato scelto. A meno che l'orologio sul tavolo non possa essere evitato. Un testo così astratto dovrà essere risolto solo attraverso associazioni e immagini.

Sì, devo avvisarti: questo testo non ha nulla a che fare con la metafisica, le religioni, ecc. regioni. Questo è un estratto dal lavoro puramente filosofico di A.F. Losev “Dialettica della forma artistica”. Pertanto, l’iconografia religiosa andrà chiaramente contro il significato del testo attribuito dall’autore (e quindi distruggerà il nastro).

Quindi, il workshop: leggere il testo, girare e montare un video che corrisponda esattamente e riveli il significato del testo, e lo dia voce.

Cerca di non usarne di speciali. effetti. Forse il mixer 2-3 volte.

Ma ancora una volta vi ricordo: questo è un compito da professionisti. Puoi? :-)

"Ancora non sappiamo nulla e non approviamo nulla. Prendiamo uno. Che cosa sia esattamente questo non è importante, poiché prendiamo esattamente categoria uno, che è lo stesso ovunque, in tutte le cose. Qui abbiamo innanzitutto la pura unità, che come tale è indistinguibile ed è una singolarità assolutamente indivisibile. Prendi questo orologio sul tavolo. Sebbene in effetti sono costituiti da molte parti, ma significato sono una sorta di singolarità, non più divisibile per nient'altro. Prendi ora tutte le cose che compongono il mondo. Il pensiero esige che siano innanzitutto qualcosa di indistinguibile come uno, una singolarità, così che tutto ciò che esiste in esso confluisce in un sovraesistente, nella prima unità, che è un'individualità e continuità non più divisibile in nulla. . Se consideriamo l'essere nel suo insieme, allora non c'è nulla da cui differire e, quindi, non ha confini; ciò significa che è al di sopra dei confini, al di sopra del contorno, al di sopra del significato, al di sopra della conoscenza, al di sopra dell'essere. Tale è la singolarità del mondo nel suo insieme, tale è la singolarità di ogni cosa individualmente. (in relazione alle singole parti di una cosa). Quindi, l'inizio della dialettica - impensabile, al di sopra del concepibile, singolarità assoluta, che non è né questo, né questo, né quello, né alcuna cosa separata, ma la potenza di tutte le cose e categorie.

Restare però sulla base di un’essenza impensabile, esistenziale-superiore, solo potenzialmente determinabile, significherebbe cadere nell’agnosticismo metafisico, nella dottrina dualistica “delle cose in sé”. Il pensiero, esigendo all'inizio l'impensabile, esige immediatamente ipotesi questo, richiede Р ± С <С,РЁСЏ Questo. Uno non c'è più uno, è anche c'è. Quando c'è solo una cosa uno e - nient'altro, non è affatto uno e non è niente, poiché non differisce da nulla. Ma ecco una cosa c'è uno uno c'è. Cosa significa? Ciò significa che si differenzia dagli altri, si delinea entro i suoi confini, diviene qualcosa, determinato da, compreso, formalizzato. D'ora in poi non è solo indivisibile, ma anche molti separato, perché ha accettato un confine. Ha ricevuto una bozza e, quindi, comprensione. È diventato qualcosa di definito e, quindi, di essere. Questa è la singolarità che si dà come pluralità separata."

(Losev A.F. Dialettica della forma artistica. Collezione. Forma - Stile - Espressione. M, "Pensiero", 1995, p. 10-11)

Bene, come ti piace un testo puramente filosofico? :-))

D'accordo, vale molto la pena filmare qualcosa del genere e trovare la soluzione del regista e del cameraman a questo problema. Forse correrai un rischio?

Onestamente, se avessi i fondi per i premi, bandirei un concorso per la soluzione migliore.

Buona fortuna a tutti!

Realizza un piccolo schizzo: riprendi e monta in almeno 10 scatti, ciascuno della durata di almeno 5 secondi, l'azione più semplice: una persona si avvicina ad una libreria, sceglie un libro, lo prende e si siede a leggere - punto.

Risultato: uno spettatore impreparato dovrebbe esserlo È interessante notare che questo è uno sguardo (credetemi, è abbastanza realizzabile). Il risultato viene controllato in basso. E colleghi esperti ma amichevoli ti aiuteranno a trovare gli “errori”.

Allenato:

1. Tenere conto della modifica dei piani nel processo di stesura di un piano di inquadratura (e senza di esso non sarà possibile girare correttamente) e, ovviamente, durante le riprese.

2. Attenzione ai più piccoli dettagli dell'azione, dettagli. E non solo COSA, ma anche COME fa una persona.

3. È in corso l'elaborazione del montaggio mediante movimento: la pulizia e l'accuratezza dell'incollaggio.

4. Precisione dell'accento di montaggio.

5. Proporzionalità dell'intraframe e dei ritmi di editing.

6. Attenzione ai toni chiari chiave delle cornici e alla loro compatibilità nell'editing.

7. Esperienza nella ripresa di montaggi ed episodi messi in scena con un personaggio di documentario (ovvero un non attore).

8. Costruire la lunghezza della trama e catturare l'attenzione dello spettatore utilizzando mezzi puramente di editing e ripresa.

E molto altro

Alcuni consigli:

• Presta molta attenzione al piano della struttura, non accontentarti della prima opzione: di solito è la peggiore. G. A. Tovstonogov amava ripetere che la prima opzione che gli venne in mente era un francobollo, la seconda era un antifrancobollo, una soluzione interessante tra le opzioni 1...2;
• non assumere un attore. Uno buono riprodurrà tutto in 1 frame (cosa c'entriamo allora?), e uno cattivo rovinerà l'idea più ingegnosa. Pertanto, non forzare neanche il tuo sitter a giocare. Basta dirgli: “vieni allo scaffale”, “tendi la mano”, “ricorda qualcosa di piacevole”, ecc.;
• Non dovresti fare un video di questa storia: prima di “tosare le pecore”, è meglio “allevarle”. Dopotutto questo è un laboratorio. Pertanto esiste una restrizione sulla lunghezza minima del piano;
• Durante l'installazione monitorare attentamente le fasi di movimento. Quando si incolla con il movimento, è necessario rilasciare diversi fotogrammi, altrimenti il ​​gesto sullo schermo "si contrarrà" in modo spiacevole. Stranamente, con una precisa sincronizzazione di fase, sorge una sensazione di "movimento di ritorno" - dopo tutto, visivamente il momento del cambio di fotogramma viene percepito come tempo mancato. Quante fasi rilasciare dipende dal ritmo del tempo intra-frame;
• Non sovraccaricare la trama con la musica. I rumori sono spesso molto più interessanti e istruttivi. E ancora più figurato;
• Non aspettarti un risultato decente la prima volta. Crea 3...4 opzioni (e non solo quelle di modifica - potrebbero essercene di più);
• Prima di scattare, rileggi tutto ciò che trovi sul montaggio.

Questo workshop è una continuazione diretta del precedente.

Suona lo sketch precedente in almeno 3 versioni, cercando di creare un sentimento, un'atmosfera e persino un genere completamente diversi con l'immagine sonora. Naturalmente non si tratta di “riempire” tutto con una o due muse. temi. Prova a creare immagini sonore ricche che espandano e addirittura invertano il significato dell'azione che si svolge nell'inquadratura: questo è un percorso diretto verso l'editing verticale e successivamente verso l'editing delle attrazioni. Ad esempio: romanticismo, giallo, solitudine... (aggiungere a piacere).

È improbabile che sia possibile utilizzare meno di due tracce - dopo tutto, deve esserci un respiro generale dell'atmosfera, suoni sincroni, accenti e ciò che sta accadendo (suonando) in quel momento fuori dall'inquadratura... Ma qualunque cosa il complesso di editing lineare medio ha almeno 2 percorsi forniti. Puoi anche (dopo tutto, non stiamo trasmettendo) mescolarli in una cassetta sopra l'altra e poi aggiungerne 3-4. Ebbene, se avete tra le mani un “non lineare”...

È vero, il senso delle proporzioni è buono in tutto: un'immagine sonora scadente non darà alcun effetto, sarà noiosa e un'eccessiva saturazione del suono può anche offuscare il significato della sequenza video o, con uguale enfasi sull'enfasi , trasformalo in un rullo di tamburi. Pertanto, la selezione dei suoni deve essere estremamente significativa e accurata.

Risultato: uno spettatore impreparato, ancora, dovrebbe esserlo È interessante notare che questo è qualcosa da guardare, ma deve percepire tutte e tre le trame in modo diverso, cioè leggere la loro idea, trama e significati in modo diverso. Se possibile, almeno uno dovrebbe essere lavorato con un tecnico del suono professionista.

Allenato:

1. Prendere in considerazione le combinazioni di suoni diversi e il loro impatto sulla percezione dello spettatore.

2. Organizzazione dell'atmosfera dell'episodio tramite la colonna sonora.

3. Modi per creare "profondità" di azioni, eventi, espandendo la cornice dell'inquadratura con il suono della voce fuori campo, evitando la "povertà" delle specifiche del personale.

4. Precisione e intelligibilità dell'accentuazione sonora.

5. Proporzionalità dei suoni intraframe e fuori campo, loro tonalità e ritmi.

6. La lunghezza della linea sonora e l'uso del suono per aumentare la drammaticità e attirare l'attenzione dello spettatore.

7. Approccio allo sviluppo audiovisivo completo dell'episodio e, inoltre, dell'immagine sullo schermo.

Etc.

Questa pratica aiuta a passare davvero dalla "voice" al lavoro con il suono come elemento a tutti gli effetti dello schermo, per far sì che i mezzi più potenti per controllare la percezione e l'attenzione dello spettatore funzionino da soli.

Alcuni consigli:

• Prima di tutto scrivi tutto su carta. Sì, l'80% del lavoro di ripresa e montaggio si svolge alla scrivania. Molte generazioni di studenti si sono ribellate a questa affermazione, ma è vera e deve essere accettata. Come? Ricorda solo che siamo pagati non per la tecnologia, ma per una testa intelligente (e questo è più piacevole, vero?);
• non avviare 2 suoni contemporaneamente: questo di solito porta a “sfocare” entrambi e a non capirne il significato;
• Diversi suoni non possono avere lo stesso o simile livello (volume). C'è sempre una cosa nell'accento;
• la coincidenza dell'inizio del suono con l'incollaggio conferisce un accento potente. La ricezione è potente. Ma ce n'è sempre bisogno?
• Ancora una volta, non aspettarti risultati decenti la prima volta. Effettua 3...4 opzioni;
• Prima di lavorare rileggi tutto quello che trovi sul montaggio e sul suono nel cinema e in TV (non c'è alcuna differenza fondamentale).

Il nome di questo workshop non si adatta molto alla tecnologia video, ma lo chiamerò come quasi 20 anni fa, quando l'ho inventato per me stesso: "Basket".

L'essenza dell'esercizio era quella di venire in sala di montaggio dopo il lavoro, raccogliere i ritagli di pellicola che non erano stati inclusi nel montaggio dal cestino (non dal cestino!) e provare a comporre qualcosa di significativo da questi fotogrammi. Una volta, un intero corso veniva svolto in questo modo, con contenuti molto dissidenti.

Ma cosa ci impedisce oggi di sostituire frammenti di pellicola con filmati, ad esempio, di una cassetta originale di 180 minuti, su cui vengono girate di seguito le notizie? Dopotutto, il compito è creare una trama che mai filmato. È chiaro che mettere insieme una delle 5 partite di calcio non è un laboratorio. E naturalmente anche tutte le possibilità della traccia audio sono nelle tue mani.

Tempistica: qualsiasi. La condizione principale è che il tema e l'idea della trama siano comprensibili allo spettatore medio e, ancora una volta, mantenga l'attenzione, ad es. mancanza di noia.

E il workshop è buono. Non per niente i veri luminari del cinema non disdegnano le scenette - dopotutto, l'approccio è assolutamente lo stesso.

E nessuna ripresa aggiuntiva. A meno che il risultato non superi le aspettative e risulti degno di essere trasmesso, ma 2-3 fotogrammi chiaramente non sono sufficienti o non sono abbastanza comprensibili. Ma questo non è più il compito di un laboratorio.

E allo stesso tempo, proviamo, almeno una volta, per amore di esperimento, ad essere pazienti e ad affrontare il percorso del lavoro di montaggio del regista in modo professionale, competente e fino alla fine.

Quindi, prendiamo qualsiasi archivio, più è diversificato in termini di contenuti, luoghi delle riprese, stagioni, ecc., meglio è. Dopotutto, è molto più difficile, ma anche più interessante, trovare una bella transizione dall'inverno all'estate e senza utilizzare mixer, tende o altri effetti speciali. Un prerequisito per questo workshop è che lavoriamo solo nell'incollaggio diretto.

E scriviamo la storia.

Allenato:

1. La relatività del contenuto del frame: dopo tutto, ogni volta il suo significato specifico dipende dalla frase di editing in cui è incluso.

2. Organizzazione dell'evento e drammaturgia con mezzi puramente montaggi.

3. La capacità di vedere dietro le specificità dell'inquadratura il suo pieno “suono”, sia semantico che tonale, armonico.

4. Tenendo conto del ritmo-tempo dell'azione intra-frame, della tonalità della luce, della composizione, della direzione del movimento e di altri elementi in vari frame.

5. Tenendo conto dello stile di ripresa del cameraman (se il cameraman è bravo, quello cattivo è caratterizzato dall'assenza di qualsiasi stile).

6. Un approccio creativo all'utilizzo dell'archivio (personale) dello studio è un'abilità necessaria soprattutto per i registi e i montatori di piccoli studi che non hanno l'opportunità di girare tutto il tempo necessario.

7. Sviluppo dell'immaginazione creativa e capacità di variare qualsiasi materiale a seconda del piano.

8. Introduzione al "materiale compromettente" sullo schermo: non tutti i fotogrammi si adatteranno a qualsiasi frase di editing e avranno il significato che l'autore desidera inserirvi. La capacità di “sentire” il significato di una cornice e vedere la possibilità di un suo ribaltamento, di non rompere la struttura della materia, ma di seguirla rivela sempre la mano di un professionista serio.

Bene e così via ...

Alcuni consigli e piano di lavoro:

• guardare più volte il materiale originale e alcuni fotogrammi, quindi metterlo da parte e (per alcuni ci vorrà una settimana, per altri 2 ore, ma in questo momento è meglio non guardare lo schermo) formulare un argomento (ad es. il problema) e un'idea (es modo per risolvere il problema). E deve essere su carta. La memoria è un deposito troppo inaffidabile per idee brillanti. A proposito, formulato con precisione sulla carta il pensiero ha la possibilità di raggiungere lo spettatore. Hai notato quanto può essere difficile scrivere in modo breve e chiaro anche qualcosa che sembra “già chiaro”? Ecco perché ogni direzione formula i suoi piani sulla carta;
• una volta determinati il ​​tema e l'idea, guarda di nuovo tutto il materiale selezionato per la modifica e (oh, questa scrittura!) scrivi ciascuno dei piani selezionati su una scheda separata: contenuto della cornice, tempistica, dimensione, tonalità e altra composizione importante dettagli per te in questo frame. Come esattamente? Comunque qui non ci sono ricette. L'unica cosa importante è ciò che ti aiuterà a ricordare questo scatto quando guardi la carta e a tener conto della sua posizione nella futura frase di modifica. A volte è sufficiente scrivere "00.10.15. Quadrato rosso, il cane guarda la telecamera, 7 secondi.", e a volte il 2° lato viene dedicato alla descrizione dei dettagli;
• Ora ci sediamo alla scrivania e giochiamo al solitario, un'attività che almeno non è meno emozionante del gioco del solitario. Riordinando le carte, raccogliamo frasi di montaggio, da esse - episodi e infine l'intera trama. Naturalmente, questo può essere fatto in un editor di testo su un computer, ma, come dimostra l'esperienza, le sensazioni tattili delle carte non solo conferiscono a questo processo un fascino speciale, ma hanno anche un effetto benefico sull'immaginazione. (Ho adottato subito la tecnica delle carte dal brillante regista di documentari Yu. A. Schiller. E se registi di fama mondiale non disdegnano tali tecniche, allora sarebbe un peccato per noi non imparare da loro tecniche utili);
• una volta terminato il "solitario", controlliamo il risultato in base al finale, cioè esaminiamo tutto dalla fine, rimuovendo i frame non necessari o sostituendoli: un modo molto efficace per verificare, tra l'altro, anche gli script;
• decidiamo la colonna sonora: scriviamo i numeri delle carte su un foglio separato e segniamo cosa e come suonerà in questo posto.
• Ora - per l'installazione! Le carte sono alla mano, ma ogni idea di incollaggio inventata a tavolino viene testata con la pratica. E qui anche una frase di montaggio ben congegnata spesso deve essere rimodellata per adattarla alla realtà delle singole inquadrature, o addirittura bisogna inventare una nuova soluzione. Dopotutto il nostro solitario non è un dogma, ma solo un progetto di soluzione installativa;
• e ancora una volta, non aspettarti un risultato decente la prima volta. Sii accurato come nessun altro lavoro in onda. E con un simile atteggiamento dovrai tornare alla tua scrivania più di una volta.

Seleziona e modifica le inquadrature, selezionandole in base allo sviluppo della prima e poi di più dominanti contemporaneamente. Ad esempio, una transizione graduale dalle cornici blu alle cornici rosse. Oppure da un profilo verticale pronunciato a uno orizzontale. In questo caso è importante soddisfare 3 condizioni:

1. I telai devono essere montati in dimensioni, angoli, ecc.;

2. per lo spettatore, la transizione dovrebbe essere organica e impercettibile;

3. la dominante scelta deve svilupparsi in modo drammatico, cioè avere un inizio, uno sviluppo, un climax, una svolta e un epilogo.

Lavoriamo anche qui solo nell'incollaggio diretto, senza mixer ed effetti speciali. E componiamo una trama, anche solo visiva.

Alcuni consigli:

• per cominciare, prendi qualche caratteristica pronunciata come dominante;
• seleziona i fotogrammi che corrispondono alla trama e contengono questa caratteristica. La prima esperienza può essere puramente formale, ma a partire dalla 2a o 3a è meglio aggrapparsi contemporaneamente a qualche tipo di trama o almeno a un compito atmosferico;
• Ci sediamo alla scrivania e giochiamo al solitario. In questo caso è importante per noi segnare sulle carte la dominante su cui si lavorerà;
• prova a costruire il primo schizzo in modo che la dominante appaia nel 1° fotogramma, ad esempio, come una piccola macchia di blu, poi il colore blu riempie sempre di più lo schermo da un fotogramma all'altro, ma circa 2/3 di questo riempimento il rosso appare già una macchia che gradualmente sostituisce il colore blu. Allo stesso tempo, è auspicabile che la dinamica sia presente non solo nella dimensione, ma anche nella saturazione delle macchie di colore;
• Non fermarti alla prima esperienza. Realizza una dozzina di schizzi di questo tipo - possono essere semplicemente frasi di montaggio di 5...10 fotogrammi - prendendo ogni volta un nuovo elemento come elemento dominante.
• Non appena ti senti sicuro, inizia immediatamente a utilizzare questa tecnica nel tuo lavoro. Dopotutto, l’obiettivo finale dei nostri esercizi è integrare la “scuola” nel lavoro professionale quotidiano.

Buona fortuna! Con un'attenta realizzazione e un approccio serio al laboratorio, la professionalità aumenta Io garantisco.

Questo workshop ti consentirà di riassumere la formazione sul montaggio completando un compito piuttosto non banale: assemblare una trama coerente da trame già pronte dei workshop precedenti. Quelli. la trama di "Reader", presa come base, è in qualche modo collegata alle trame di "Basket" e "Dominant Montage" in un unico insieme. Il metodo dipende solo dal contenuto delle tue trame, dei tuoi piani e della tua immaginazione.

Condizioni obbligatorie: una logica interna rigidamente costruita dello sviluppo dell'intera trama, connessioni associative tra episodi ben strutturate, unità stilistica. E, naturalmente, il lavoro avviene solo con incollaggio diretto, senza mixer ed effetti.

Difficile? Sì. Ma ti garantisco - è abbastanza realizzabile.

E poi, chi ha detto che dirigere è più facile di, diciamo, fisica atomica?!

A proposito di fantasy: una mossa diretta che si suggerisce è quella di integrare le trame come immagini o ricordi di un eroe letti in un libro. Ma questo è il primo strato, che rientra nel regno della banalità. Vale comunque la pena immaginare e trovare una mossa davvero originale. Dopotutto, questo non è più un problema tecnico, ma un vero e proprio problema creativo che richiede una soluzione adeguata. Ma proprio per questo questo workshop è prezioso.

E un'ultima cosa. Naturalmente, prima di iniziare il primo workshop, la maggior parte di voi li leggerà fino alla fine. Ma prova, anche se idealmente questo non è realizzabile per la psiche umana, a fare ogni esercizio senza concentrarti sul risultato finale del workshop n. 5. Altrimenti sarà un gioco di regali con te stesso.

Autore: A.Kaminsky; v-montaj.narod.ru

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